Astăzi galeria „Artiștii noștri” deschide expoziția „În memoria colecționarului Alexander Zavolokin”. Sunt prezentate aproximativ 120 de lucrări grafice din anii 1920 și 30
Astăzi, 30 mai, în galeria „Artiștii noștri” (satul de cabană Borki, 36, km 19 din autostrada Rublyovo-Uspenskoe) se deschide expoziția „În memoria colecționarului Alexander Zavolokin”.
Alexander Zavolokin era cunoscut de toți cei care la începutul anilor 2000 aveau cumva legătură cu procesul artistic, toți cei care au luat parte la organizarea de expoziții, curatori, galeriști, lucrători ai muzeelor, artiști și critici de artă. Alexander Zavolokin a lucrat câțiva ani la Ministerul Culturii al Federației Ruse în calitate de șef adjunct al departamentului artă contemporană Agenția Federală pentru Cultură și Cinematografie a Federației Ruse. Datorită energiei sale, Bienala de Artă Contemporană a avut loc la Moscova, a investit mulți ani din viața și munca sa în lucrarea pavilionului rus de la Bienala de la Veneția.
Dragostea și slujirea artei nu l-au putut ocoli intimitate. Chiar și cei care știau despre activitățile de colecție ale lui Alexander Zavolokin și nu erau foarte mulți dintre ei într-un cerc larg de cunoscuți, nu aveau idee despre dimensiunea reală a hobby-ului său. Acum, la doi ani de la moartea subită a lui A. Zavolokin, galeria Artistii Noștri prezintă publicului aproximativ 120 de lucrări grafice din colecția Alexandrei și Alexander Zavolokin. Ideea expoziției este de a arăta scrisul de mână al colecționarului, gustul și simțul epocii sale. Expoziția a constat din desene, schițe de decor și costume, exlibris și ilustrații de carte Mai ales anii 1920-1930 ai lui Lev Bruni, Vasily Vatagin, Alexander Vedernikov, Vera Ermolaeva, Vladimir Konașevici, Nikolai Kupreyanov, Boris Kustodiev, Alexander Labas, Vladimir Lebedev, Dmitri Mitrokhin, Alexei Pakhomov, Alexandra Platunova, Vera Pestelya, Ivan Serge Puniya, Sergey Puniya Romanovici, Mihail Sokolov, Pavel Sokolov-Skal, Antonina Sofronova, Vera Favorskaya, Artur Fonvizin, Alexander Shevchenko, Vasily Shukhaev și alți artiști.
„O întâlnire cu orice colecție reală aduce întotdeauna bucurie și surpriză de descoperire, mai întâi artistică, apoi umană. În timpul selectării lucrărilor pentru expoziție, am rămas uimiți de amploarea colecției de grafică a familiei Zavolokin. În esență, o publicație completă a lucrărilor ar putea acționa ca o bună carte de referință despre istoria graficii ruse și sovietice. Din marea colecție a Alexandrei și Alexander Zavolokins, am evidențiat o parte limitată la anii 1900-1930 ca fiind cea mai interesantă și dificil de colecționat... Un adevărat colecționar, alegând din lumea din jurul său ceea ce i se pare valoros și real. , o creează de-a lungul unei linii, de-a lungul unei linii, în imagine, iar expoziția colecției sale formează în mintea privitorului modul său de înțelegere artistică a lumii”, a declarat Natalia Kournikova, director de artă al galeriei „Artiștii noștri”. ”, curator al expoziției.
Pentru deschiderea expoziției a fost pregătit un catalog, care conține eseuri-memorii despre Alexander Zavolokin de către colegii și prietenii săi Mihail Shvydkoy, Alexandra Golitsyna, Leonid Tishkov, Zoya Kirnoza, Stefan Couturier și alții.
Expoziție „Artiști din Moscova. 20-30”, organizat de organizația de la Moscova a Uniunii Artiștilor din RSFSR și Uniunea Artiștilor din URSS, prezintă spectatorului o panoramă viata artistica Moscova în primele două decenii post-revoluţionare.
Expoziția expune picturi, desene, sculpturi din colecțiile celor mai vechi artiști ai Moscovei, moștenitorii și colecționarii acestora.
Timpul nostru de regândire profundă a istoriei țării, a culturii și artei acesteia necesită studierea trecutului fără cătușe și stereotipuri, cu unicul scop de a cunoaște adevărul. Expoziția oferă o astfel de oportunitate, prezentând o gamă largă de idei picturale și plastice, o varietate de direcții creative. Prezintă lucrările unor artiști strălucitori, originali, care multă vreme au fost necunoscute publicului larg și uneori chiar specialiștilor. Lucrările lui M. B. Verigo, L. N. Agalakova, M. F. Shemyakin, M. V. Lomakina, D. E. Gurevich, N. I. Prokoshev și mulți alți artiști nemeritat uitați ocupă un loc demn la expoziție alături de lucrările pictori celebri, graficieni, sculptori.
Această expoziție continuă studiul artei Moscovei, început cu expoziții dedicate celei de-a 30-a și a 50-a aniversare a Uniunii Artiștilor din Moscova din RSFSR.
Interesul pentru avangarda rusă care s-a trezit în ultimii ani a adus la viață ample expoziții fundamentale și expozitii personale mesteri eminenți. Această expoziție este legată de aceasta în multe fire și ar trebui percepută pe fundalul diferitelor spectacole care evidențiază arta primilor ani de după revoluție.
Moscova a fost centrul cultural și spiritual al țării de secole. Ea nu este doar păstrătoarea tradițiilor, ci și patria-mamă cele mai recente ideiîn arta începutului secolului al XX-lea, asociată cu răzvrătirea strălucitoare și îndrăzneață a „Jack of Diamonds”, cu opera creatorilor ultimelor tendințe în cubo-futurism, suprematism, luchism. La Moscova, în anii 1920, încă trăia o bătrână cu părul cărunt, păstrată în arhitectură, stil de viață popular. Și, în același timp, aici S. I. Shchukin și I. A. Morozov au adunat primele colecții ale țării cu cea mai recentă pictură europeană. La Moscova, cele mai importante probleme de cultură și artă ale epocii s-au manifestat într-o formă specială concentrată și, în același timp, cele mai diverse fenomene au căpătat o aromă specială de Moscova. Tot ce s-a întâmplat la Moscova s-a reflectat în arta întregii țări. Ca centru de artă în toată unicitatea și unicitatea sa, Moscova nu a fost încă suficient studiată.
Nu avem informații complete despre multe evenimente importante din acei ani care au influențat direct sau indirect cultura și arta și, de fapt, suntem la începutul creării istoriei artei sovietice, când mai sunt multe de adunat și descoperit. . Și este necesar să studiem arta Moscovei, iar acest lucru trebuie făcut imediat, nu numai pentru contemporani, ci și de dragul generațiilor viitoare, care nu ne vor ierta că neglijăm moștenirea neprețuită care este încă în mâinile noastre. Timpul este inexorabil, șterge urmele erelor anterioare, distruge monumente de artă, împrăștie lucrările artiștilor în colecții private, uneori necunoscute, și chiar dacă merg la muzeele țării, devin greu accesibile. În timp, va deveni din ce în ce mai dificil să recreați o imagine completă a vieții artistice a Moscovei, să-i restabiliți potențialul creativ unic, care s-a născut la începutul secolului al XX-lea, s-a dezvoltat strălucitor în anii 1920 și, treptat, s-a estompat, exista încă în anii 1930.
Desigur, un subiect atât de uriaș, aproape nemărginit, precum viața artistică a Moscovei, nu poate fi epuizat de o singură expoziție, mai ales că se întinde pe puțin peste două decenii. Unele fenomene sunt prezentate cel mai complet, altele doar fragmentar. Soarta artiștilor înșiși și a lucrărilor lor nu a fost aceeași. Moștenirea unora a fost păstrată cu grijă, moștenirea creată de alții a coborât doar în lucrări împrăștiate, iar uneori una sau două care au supraviețuit accidental în soarta dificilă a artistului. O privire de ansamblu asupra vieții artistice a Moscovei, necesară pentru o introducere într-o expoziție amplă și cu mai multe fațete, nu pretinde a fi exhaustivă. El subliniază doar principalele repere, evidențiind fenomenele care sunt izbitoare și caracteristice Moscovei.
Una dintre primele acțiuni ale artiștilor moscoviți după revoluție a fost participarea la salvarea operelor de artă și a antichităților. Această lucrare a reunit stăpânii diferitelor grupuri și tendințe. Ei au luat parte la protecția Kremlinului, unde s-au concentrat uriașe valori de stat și artistice în timpul Primului Război Mondial (colecția Hermitage, rezerve de aur etc.). S-au angajat în înregistrarea valorilor artistice și istorice deținute de persoane private, au căutat și au dus opere de artă la depozitele de stat. diferite epoci, arhive care ar putea pieri. Munca a necesitat dedicare, a necesitat mult timp și efort și uneori a fost asociată cu un risc pentru viață. Personalitățile culturale și inteligența de la Moscova au dat dovadă de mare activitate și cetățenie.
La sfârșitul anului 1917, pentru a păstra patrimoniul, a fost propusă ideea creării unei Acropole de artă rusă la Kremlin pentru a colecta biblioteci, muzee, arhive în spatele zidurilor sale. Ideea a fost susținută cu căldură de publicul moscovit. Dar mutarea în martie 1918 a guvernului de la Petrograd la Moscova și transformarea Kremlinului într-o reședință guvernamentală nu a permis ca această idee să devină realitate.
La inițiativa personalităților culturale și educaționale din primii ani postrevoluționari, la Moscova au fost create așa-numitele muzee proletare, multe dintre ele fiind situate la periferia orașului. Acestea se bazau uneori pe colecții întregi de artă naționalizate, de exemplu, Muzeul A.V. Lunacharsky deschis în conacul colecționarului I.S. Colecțiile altor muzee, formate din colecții diferite și exponate împrăștiate, erau foarte diferite ca calitate. Potrivit organizatorilor, astfel de muzee trebuiau să aducă cultura maselor, să le introducă în artă. Aceste sarcini erau strâns legate de ideile unei transformări culturale și artistice profunde a societății, care erau atât de relevante la acea vreme. În 1919, la Moscova, la inițiativa artiștilor, a fost creat primul Muzeu al Culturii Picturii din țară. Ei înșiși au elaborat o listă, conform căreia statul a achiziționat lucrările artiștilor ruși din toate tendințele de stânga la începutul secolului. În viitor, s-a planificat dezvoltarea expoziției și completarea colecției cu lucrări din toate timpurile și popoarele. Muzeul a existat până la sfârșitul anilor 1920 și a fost o școală importantă pentru artiști, un club de dezbateri, un laborator de cercetare și creație. Multe alte muzee au continuat să existe la Moscova - publice și private, deschise tuturor vizitatorilor, cu o varietate de expoziții, de la arta antică rusă până la pictura modernă occidentală.
Una dintre paginile strălucitoare și timpurii ale artei sovietice, precum și ale vieții artistice de la Moscova, a fost participarea artiștilor la agitație și arta de masă, crearea unui afiș revoluționar, proiectarea orașelor pentru festivități. În această lucrare au fost implicați maeștri din aproape toate direcțiile. Fragile și de scurtă durată, aceste lucrări sunt de multă vreme proprietatea arhivelor, muzeelor și bibliotecilor. Doar câteva dintre ele sunt expuse la expoziție, dar chiar și ele dau o idee despre această sferă de activitate a artiștilor (afișe de V. A. și G. A. Stenberg, G. G. Klutsis, desene ale diverșilor artiști).
Viața artistică a Moscovei datorează mult perioadei pre-revoluționare pentru originalitatea, diversitatea ideilor și diversitatea îndrăzneală. În primii ani ai puterii sovietice, ea a mers înainte, parcă, prin impulsurile impuse de epoca precedentă, completând pe un pământ nou tot ceea ce s-a născut din revoluția spirituală de la începutul secolului al XX-lea.
Nevoia de unire a fost o tendință a vremurilor și este inerentă nu numai artiștilor ruși, ci și europeni. Ei au creat grupuri de oameni asemănători pentru a formula împreună programe creative, a organiza expoziții, a-și apăra ideile în dezbateri aprinse.
La Moscova, din 1917 până în 1932, au existat peste 60 de asociații natură diferită, compoziție, durabilitate. Unele dintre ele au apărut încă din perioada prerevoluționară, ulterior s-au conturat deja în condițiile unei noi societăți, pe baza unor idei noi. Dar, cel mai important, totul se încadra în spațiul vieții artistice a Moscovei, și-a găsit locul și și-a determinat polifonia specială.
Lupta ideilor în artă a fost complexă și multidimensională. Pe de o parte, confruntarea dintre realiști și artiști de avangardă a continuat, negând realismul ca singura tendință adevărată. Aducând un omagiu marilor maeștri ai epocilor trecute, în munca lor au căutat noi căi în artă, în consonanță cu epoca.
Intrarea în arena constructorilor de viață, a lucrătorilor de producție și a constructiviștilor care caută să transforme lumea a adus o nouă nuanță luptei și a schimbat accentul. Pornind de la construcția în artă, ei tânjeau să treacă nu numai la construcția de noi orașe, îmbrăcăminte, mobilier, ci chiar și stilul de viață al unei persoane. Ideile lor erau utopice. Viața nu le-a dat ocazia să devină realitate. Muncitorii din producție și constructiviștii au refuzat dreptul la existența artei de șevalet, ambele în societate modernă, iar în lumea viitoare ei concep. În apărarea sa nu au fost doar susținători ai realismului, ci și artiști de avangardă de diferite formații. Certându-se cu oponenții artei șevalet, A. V. Shevchenko și-a formulat clar și succint sarcinile: „Acum pictura de șevalet poate trăi mai mult ca niciodată, pentru că pictura de șevalet este un tablou, nu este un decor, nu este artă aplicată, nu un ornament. asta e nevoie azi si nu maine.
O poză este un gând, poți lua viața unei persoane, dar nu poți să-l faci să nu mai gândească.
Este important de remarcat că, cu toată complexitatea confruntării și strălucirea respingerii ideilor celuilalt, asociațiile și grupurile s-au luptat în sfera artei, de dragul ei, pentru viața ei. În viitor, lupta a fost scoasă din artă - în politică. Artă, dezvoltarea ei a început să fie distorsionată și nu dirijată de-a lungul unui canal natural și nu a fost în niciun caz determinată de nevoile artei în sine, ci de ideile politice.
Politica dusă de stat în primii cinci ani s-a bazat pe recunoașterea dreptului egal al artiștilor din toate direcțiile de a participa la crearea artei noii societăți. Acest lucru nu a fost anunțat doar în presă, ci și s-a desfășurat în viața reală, dovadă fiind achizițiile de stat de la cei mai buni reprezentanți ai tuturor grupurilor într-un mod corect. Statul și-a asumat rolul de unic patron al artelor. A completat colecții muzeale, a amenajat expoziții. În perioada 1918–1919, Departamentul de Arte Plastice a Comisariatului Poporului pentru Educație a deschis peste 20 de expoziții - retrospective și moderne, personale și de grup. Au găzduit artiști de diverse tendințe, de la realiști până la extrema stângă. A fost prima revizuire amplă a artei din țară.
Din 1922, statul organizează expoziții internaționale de artă plastică sovietică, care au avut mare succesîn multe țări europene și americane, precum și în Japonia. Artiștii moscoviți au fost întotdeauna reprezentați corespunzător la ei.
Pentru a înțelege mai bine particularitățile vieții artistice a Moscovei în acești ani, este necesar să vă familiarizați cu cronologia expozițiilor diferitelor asociații, la care au participat artiști care nu erau membri ai unui grup sau altuia.
La sfârșitul anului 1917, la Moscova au avut loc expoziții ale asociațiilor formate înainte de revoluție. Unele dintre ele - „Link”, „Free Creativity” - au încetat să mai existe în acest sens. Alții - Salonul de la Moscova, Jack of Diamonds, Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante, Uniunea Artiștilor Ruși, Lumea Artei - s-au alăturat viață nouăși a continuat să expună în continuare. Curând au început să apară formațiuni complet noi pe baza diferitelor forțe unificatoare. A fost creată o nouă aliniere a forțelor.
În 1919, asociația tinerilor artiști (Obmohu) a fost prima care a acționat. Absolvenții Vkhutemas, studenți ai A. V. Lentulov, A. M. Rodchenko, G. B. Yakulov, și-au propus sarcina de a îndeplini comenzile de producție semnificative din punct de vedere social, cum ar fi afișe de film, șabloane pentru afișe pentru combaterea analfabetismului, insigne etc. n. Și, de asemenea, designul producții teatrale, străzi și piețe pentru festivități. Expoziția a prezentat compoziții abstracte, precum și structuri spațiale metalice. Obmohu a organizat patru expoziții, iar apoi mulți dintre participanții săi au început să lucreze în industria teatrului, tipografiei, alții s-au alăturat asociațiilor nou organizate. Frații G. A. și V. A. Stenberg sunt reprezentați la expoziție de la membrii acestei asociații.
În același an, 1919, a fost expusă asociația „Tsvetodynamos și Primitivismul Tectonic”. Studenții lui A. V. Shevchenko și A. V. Grishchenko în munca lor au apărat necesitatea și viabilitatea picturii de șevalet. Pictori interesanți și strălucitori, s-au declarat ca un fenomen grav. Dar munca lor nu este suficient de cunoscută și studiată (cu excepția liderilor remarcabili). În 1923, grupul a organizat o expoziție a Societății Artiștilor de șevalet, iar apoi a devenit baza asociației Atelierul Pictorilor, care a existat până în 1930. Membrii asociației au fost R. N. Barto, N. I. Viting, B. A. Golopolosov, V. V. Kapterev, V. V. Pochitalov, K. N. Suryaev, G. M. Shegal și alții.
Noi asociații au fost adesea create de elevii de la Vkhutemas, o nouă instituție de învățământ artistic. Cei mai mari artiști ai țării în primii ani post-revoluționari au luat parte la reforma educației artistice, actualizând radical sistemul și metodele pedagogiei. Au lucrat în noile instituții de învățământ pe care le-au creat, care s-au concentrat pe educația artiștilor universali. Au trebuit să lucreze în viitor în diverse domenii ale artei - pictură de șevalet, grafică, sculptură, precum și în tipografie, teatru, artă monumentală și design. Cunoștințele dobândite la institut au făcut posibilă aplicarea talentului său foarte larg și diversificat, așa cum a arătat viața mai târziu. Vkhutemas din Moscova a fost condus de V. A. Favorsky timp de câțiva ani. Majoritatea profesorilor de frunte din Vkhutemas-Vkhutein sunt reprezentați la expoziție: L. A. Bruni, P. V. Miturich, R. R. Falk și alții. Sunt reprezentați și profesorii generațiilor următoare, care au păstrat tradițiile Khutemas Superioare în munca lor - P. G. Zakharov, V. V. Pochitalov, I. I. Cekmazov, V. V. Favorskaya.
Moscova a fost întotdeauna atractivă pentru artiști. Așa a rămas până în anii 1920. Aici a fost o viață artistică furtunoasă, au lucrat mulți maeștri de artă de seamă, instituții de învățământ și studiouri private, au fost deschise muzee, au fost organizate diverse expoziții. Din toată țara întinsă, aici au venit tineri dornici să facă o educație artistică, aducând un curent proaspăt în viața culturală a capitalei. Tinerii artiști au căutat să se alăture artei europene contemporane, dar călătoriile tradiționale în străinătate au devenit imposibile în acești ani. Și pentru majoritatea studenților, colecțiile de artă nouă rusă și occidentală, care erau disponibile numai la Moscova, au devenit universitatea principală. În anii 1920, aceste colecții au fost profund studiate de către tineri, le-au dat posibilitatea de a se familiariza cu noi idei picturale și plastice pentru a-și îmbogăți propriile lucrări.
În 1921, un grup de tineri futuriști - A. A. Vesnin, L. S. Popova, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova, A. A. Exter - a organizat o expoziție „5x5 = 25” și, după ce au declarat în declarația din arta șevalet, artiștii au intrat în producție. Au fost ghidați de ideile de a-și include creativitatea în reorganizarea mediului și a vieții de zi cu zi, au început să se angajeze în arhitectură, teatru, fotomontaj, mobilier, îmbrăcăminte. Din ce în ce mai mulți susținători noi, cum ar fi V. E. Tatlin și studenții săi, erau legați de muncitorii de producție și de activitățile acestora.
O nouă perioadă în viața țării a început în 1922, după sfârșitul lui război civil. Viața a început să se îmbunătățească, industria a reînviat, viața culturală a reînviat. Moscova este aprobată drept capitală oficială a statului multinațional. De acum înainte, tot ceea ce este semnificativ în arta și cultura țării va fi într-un fel sau altul legat de Moscova.
Sezonul 1922-1923 s-a remarcat printr-o abundență deosebită și varietate de expoziții.
Au fost organizate expoziții ale Uniunii Artiștilor Ruși, Lumea Artei, Asociația Expozițiilor Itinerante. Pentru prima dată, membrii noilor asociații „Genesis”, KNIFE, AHRR, „Makovets” și-au prezentat lucrările.
„Noua Societate a Pictorilor” (NOZh) a organizat singura expoziție care a avut un protest public cunoscut. Abandonând căutările inutile, tinerii artiști, studenții lui V. E. Tatlin, K. S. Malevich, A. A. Esther, s-au orientat către subiecte sociale acute, folosind tehnicile caracteristice primitivismului. Expoziția a fost primită ambiguu. În tonul satiric al lucrărilor, oficialii au văzut o batjocură a modului de viață sovietic. În același timp, unii critici au remarcat renașterea imaginilor și a emoționalității în lucrările artiștilor. A. M. Gluskin, N. N. Popov, A. M. Nurenberg, M. S. Perutsky sunt membri ai acestei asociații. În anii următori, mulți dintre ei au intrat în Geneza. „Genesis”, un grup de absolvenți Vkhutemas, a afirmat tradițiile școlii de peisaj din Moscova în munca lor. Elevii lui P. P. Konchalovsky și adepții „Jack of Diamonds” s-au orientat către pictura peisaj realistă, străduindu-se să câștige putere creativă în apropierea pământului, după absolvire au mers într-o zonă pitorească de lângă Moscova și, după ce au lucrat acolo vara, au aranjat prima lor expoziţie. Asociația a durat până în 1930, organizând șapte expoziții. Geneza a inclus: F. S. Bogorodsky, A. M. Gluskin, V. V. Kapterev, P. P. Konchalovsky, A. V. Kuprin, N. A. Lakov, A. A. Lebedev-Shuisky, S. G. Mukhin, A. A. Osmerkin, M. S. Perutsky, G. N. I. Popov S. khin, A. N. Chirkov , M. F. Shemyakin și alții.
„Arta este viață” sau „Makovets”, una dintre asociațiile artistice semnificative ale acelor ani, a apărut în 1921. Un an mai târziu, la prima sa expoziție, a prezentat un grup de pictori și graficieni strălucitori și talentați, cei mai mulți dintre aceștia au participat la expoziții din anii prerevoluționari, precum Lumea Artei, Salonul de la Moscova etc. compoziția asociației a fost complexă și eterogenă. Forțele de cimentare au fost un devotament profund pentru artă, parțial legături amicale. Asociația a publicat revista „Makovets”, lansând două numere. În manifestul publicat „Prologul nostru”, ei declarau: „Nu ne luptăm cu nimeni, nu suntem creatorii vreunui „ism”. Vine un moment al creativității strălucitoare, când arta renaște în mișcarea ei nesfârșită, ea necesită doar înțelepciunea simplă a celor inspirați.
„Makovets” a afirmat în opera sa înalt profesionalism, spiritualitate, continuitatea neîntreruptă a tradițiilor în artă, mergând din antichitate până în prezent prin toate marile epoci. Arta antică rusă avea o valoare durabilă pentru ei și o sursă de idei artistice. „Realism profund” – așa a fost definiția muncii acestui grup, dată de critici de frunte. Liderul său a fost talentatul artist V. N. Chekrygin, care a murit devreme. „Makovets” a organizat trei expoziții de pictură și una de desen. Mulți dintre participanții săi s-au mutat ulterior la 4 Arts Society, OMX și altele. Participanții săi au fost T. B. Aleksandrova, P. P. Babichev, E. M. Belyakova, L. A. Bruni, S. V. Gerasimov, L. F. Zhegin, K. K. Zefirov, K. N. Istomin , N. Kh. Maksimov, V. E. Pestel, M. S. Rodionov, S. M. Romanovici, S. M. Yarovici N. V. Sinezubov, R. A. Florenskaya, A. V. Fonvizin, V. N. Cekrygin, N. M. Chernyshev, A. V. Shevchenko, A. S. Yastrzhembsky și alții. În 1926, un grup de artiști s-a separat de el și a creat asociația „Calea Picturii”.
În 1922, pentru prima dată, Asociația Artiștilor din Rusia Revoluționară (AHRR) a venit cu un program activ social, din 1928 Asociația Artiștilor Revoluției (AHR), organizând expoziții una după alta. AHRR a adus ceva nou vieții artistice. Perioada inițială a activității ei a avut o mulțime de lucruri pozitive: unirea artiștilor talentați, crearea de filiale în diferite orașe, organizarea de expoziții itinerante. Programul AHRR s-a bazat pe sarcina de a documenta realitatea revoluționară, dar realismul monumental eroic pe care l-au declarat nu a fost întotdeauna întruchipat în pânzele lor. Treptat, arta documentară de zi cu zi fără aripi a început să prevaleze în munca artiștilor AHRR-AHR.
Încă de la înființare, AHRR luptă pentru conducerea vieții artistice, încercând să devină purtătorul de cuvânt al statului, arbitrul destinului artei. Asociația a proclamat arta un instrument de luptă ideologică. F. S. Bogorodsky, V. K. Byalynitsky-Birulya, B. A. Zenkevich, B. V. Ioganson, E. A. Katsman, P. I. Kotov, S. M. Luppov, I. I. Mashkov, V. N. Meshkov, N. M. Nikonov, A. M. S. N. S. Nurelman, V. N. S. N. Yuon, V. N. Yakovlev. AHRR avea propria editură, ateliere de artă și producție. Toate acestea au fost folosite pentru a populariza pe scară largă creativitatea membrilor asociației în reproduceri de mare tiraj ale picturilor, copiile acestora. Adesea a primit subvenții și ordine de la Consiliul Militar Revoluționar pentru a organiza expoziții. Baza tehnică și materială a AHRR-AHR a fost nemăsurat mai puternică decât toate celelalte asociații reunite, punând artiștii altor grupuri în condiții inegale în viață și muncă. Aceste circumstanțe și, cel mai important, pretențiile Asociației la conducere au provocat o atitudine puternic negativă și opoziție din partea aproape tuturor grupurilor aparținând unui concept creativ diferit.
În anul următor, 1923, artiștii lui Jack of Diamonds au concertat la Expoziția de Pictură cu un grup apropiat ca compoziție nu de perioada clasică (1910–1914), ci de anii următori.În 1925, au organizat Pictorii din Moscova. societate, iar trei ani mai târziu au devenit baza unei mari asociații „Societatea Artiștilor din Moscova” (OMH).
În lupta asociațiilor de artă, „Jack of Diamonds” reprezentat de Drevin, Konchalovsky, Kuprin, Lentulov, Osmerkin, Udaltsova, Falk, Fedorov a fost centrul. Întreaga gamă a ideilor sale de la expresionism la primitivism a continuat să existe atât în activitatea membrilor acestei societăți înșiși, cât și în alte asociații și grupuri.
În 1923, au fost expuse și asociații mai puțin semnificative - „Adunarea”, „Societatea Artiștilor Școlii din Moscova” și altele.
În 1924, „1 expoziție discutabilă a asociațiilor de artă revoluționară activă” a prezentat spectatorului absolvenții Vkhutemas, care în următorul 1925 s-au unit în Societatea Pictorilor de șevalet (OST) - una dintre cele mai semnificative din anii 20. Artiștii A. O. Barshch, P. V. Williams, K. A. Vyalov, A. D. Goncharov, A. A. Deineka, A. N. Kozlov, A. A. Labas, S. A. Luchishkin, Yu I. Pimenov, N. A. Shifrin, D. N. Shterenberg - unul dintre fondatorii acestei asociații, dintre care mai mulți a inclus și fondatorii acestei asociații. maeștri - M. M. Axelrod, V. S. Alfeevsky, G. S. Berendhof, S N. Bushinsky, M. E. Gorshman, M. S. Granavtsev, E. S. Zernov, I. V. Ivanovsky, S. B. Nikritin, A. V. Shchipitsen și alții.
În programul și lucrarea sa, OST a afirmat valoarea picturii de șevalet într-un sens nou, nu ca oglindă pasivă oglindă a realității, ci ca o reflectare transformată creativ, saturată de gândire și emoție a ființei în esența, bogăția și complexitatea ei. Conceptul lor a încorporat realizările artei de stânga cu o percepție ascuțită a culorii, formei și ritmului, cu o emotivitate crescută. Toate acestea corespundeau subiect nou picturile lor, peisajul urban, tema industrială și sportul. Artiștii acestui grup au lucrat mult în teatru, tipărire (afișe, ilustrații). Ulterior, în 1931, grupul Isobrigad a apărut din OST - Williams, Vyalov, Zernova, Luchishkin, Nikritin.
În 1925, o nouă asociație serioasă și semnificativă „4 Arte” a intrat în arena expoziției, care includea reprezentanți ai „Lumea artei”, „Asociația artiștilor din Moscova”, „Trandafir albastru”, „Makovets” și alții.
programul de unificare nu conținea formulări și apeluri clare și se distingea prin reținere. Începutul comun a fost, în primul rând, profesionalismul ridicat. Acest lucru a dus la o gamă largă căutare creativă incluși în asociația artiștilor - M. M. Axelrod, V. G. Bekhteev, L. A. Bruni, A. D. Goncharov, M. E. Gorshman, E. V. Egorov, I. V. Ivanovsky, K. N Istomin, P. V. Kuznetsova, A. I. Kravchenko, N. A. Mid. evsky , P. V. Miturich, V. I. Mukhina, I. I. Nivinsky, P. Ya. Pavlinov, N. I. Padalitsyn, S. M. Romanovich, N. Ya. Simonovich-Efimova, M. M. Sinyakova-Urechina, A. A. Soloveychik, M. M. Tarkhanov, V. și alții A. Favorsky, V. Până în 1928, asociația a organizat patru expoziții.
În 1926, pentru prima dată, sculptorii moscoviți au organizat o expoziție de sculptură, apoi au format Societatea Sculptorilor Ruși (ORS), care și-a demonstrat lucrările la expoziții de patru ori.
În primii ani post-revoluționari, sculptorii moscoviți au luat parte la punerea în aplicare a planului de propagandă monumentală. Au ridicat douăzeci și cinci de monumente în capitală, precum și în alte orașe. Majoritatea nu au supraviețuit, deoarece sculptura a fost realizată din material fragil, iar unele monumente au fost distruse în mod deliberat. În anii următori, sculptorii au participat la diferite concursuri: pentru monumentul lui Karl Marx pe câmpul Khodynskoye din Moscova (1919), „Munca emancipată”, pentru monumentul lui A. N. Ostrovsky din Moscova (1924). Sculptorii și-au arătat lucrările la expoziții ale diferitelor asociații.
S. F. Bulakovsky, A. S. Golubkina, I. S. Efimov, A. E. Zelensky, L. A. Kardashev, B. D. Korolev, S. D. Lebedeva, V. I. Mukhina, A. I. Teneta, I. G. Frikh-Har, D. A. Yakerson - membri ai OPC și expoziție sunt prezentați la acest OPC lucrări mici.
În 1926, continuând procesul de creare a unor noi grupuri de artiști, au fost expuse o serie de asociații, cum ar fi „Asociația Artiștilor Realiști” (OHR), - V. P. Bychkov, V. K. Byalynitsky-Berulya, P. I. Kelin, E V. Oranovsky, P. I. Petrovichev, L. V. Turzhansky și alții.
Grupul Calea Picturii s-a separat de Makovets. Acest grup interesant, dar puțin cunoscut de artiști, a organizat două expoziții (1927, 1928). Acesta a inclus T. B. Aleksandrova, P. P. Babichev, S. S. Grib, V. I. Gubin, L. F. Zhegin, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, V. E. Pestel.
În 1928, un grup de tineri, studenți ai R. R. Falk, au organizat o expoziție a societății Rost. Acesta a inclus: E. Ya. Astafieva, N. V. Afanasyeva, L. Ya. Zevin, N. V. Kashina, M. I. Nedbaylo, B. F. Rybchenkov, O. A. Sokolova, P. M. Pusher, E. P. Shibanova, A. V. Shchipitsyn.
Una dintre cele mai mari și mai semnificative ca compoziție, „Societatea Artiștilor din Moscova” (OMH) a fost organizată în 1928, încorporând reprezentanți ai „Jack of Diamonds”, „Makovets” și ai altor asociații care s-au dezintegrat până la acel moment. OMX avea propria sa bază tehnică și de producție. După ce au aranjat două expoziții (1928, 1929), a fost apoi lichidată, ca și alte asociații. Compoziția OMC a inclus artiști: S. V. Gerasimov, A. D. Drevin, K. K. Zefirov, V. P. Kiselev, A. V. Kuprin, P. P. Konchalovsky, B. D. Korolev, A. V. Luntulov, A. A. Lebedev-Shuisky, N. Kh. A. Maksimo Ma.v. Osmerkin, M. S. Rodionov, S. M. Romanovich, G. I. Rublev, S. M. Taratukhin, N. A. Udaltsova, R. R. Falk, G. V. Fedorov, A. V. Fonvizin, V. V. Favorskaya, I. I. Cekmazov, N. M. Chernyshev M. Shergal, A.. În 1929, Grupul Artiștilor 13 a expus - artiști graficieni și pictori, oameni creativi cu gânduri asemănătoare, care s-au ghidat de arta europeană modernă și au cultivat în munca lor un desen și pictură fluent din natură, fixând o realitate vie, schimbătoare, efemeritatea ei. . Apariția acestei asociații a fost bine primită de public. Dar artiștii au avut șansa de a experimenta pe deplin atacurile criticii ostile vulgarizante îndreptate împotriva curentelor de stânga și orice recurs la arta occidentala. „13” a susținut două expoziții (1928, 1929). Acest grup a inclus D. B. Daran, A. D. Drevin, L. Ya. Zevin, S. D. Izhevsky, Nina și Nadezha Kashina, N. V. Kuzmin, Z. R. Lieberman, T. A. Mavrina, V. A. Milashevsky, M. I. Nedbaylo, S. N. Sofro, M. R. R. B. Rastor. shkevici, N. A. Udaltsova. În 1930 au fost create asociațiile „Octombrie” și „Uniunea Artiștilor Sovietici”. Oktyabr a inclus A. A. Daineka, G. G. Klutsis, D. S. Moor, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova.
Uniunea Artiștilor Sovietici a fost fondată de artiștii V.K. Byalynitsky-Birulya, K. S. Eliseev, P. I. Kotov, M. V. Matorin, A. A. Plastov, V. S. Svarog, V. N. Yakovlev și alții. Asociația a avut o expoziție (1931).
La începutul anilor 1920 și 1930, ideea creării unei federații de grupuri creative a început să se dezvolte în mod persistent. Una dintre încercări a fost Asociația Rusă a Artiștilor Proletari (RAPH), care a inclus AHR, OMAHR și OKhS. Federația Asociațiilor Artiștilor Sovietici (FOSH), care a apărut în 1931, a inclus AHR, RAPH, OKhK, MAHR, OMKh, ORS, OST, Izobrigad, ORP. FOSH a organizat o „expoziție antiimperialistă” dedicată zilei internaționale roșii.
În 1932 au avut loc ultimele spectacole ale asociațiilor creative ale artiștilor.
La sfârșitul anilor 1920, aparițiile în presă și-au schimbat drastic caracterul, vulgarizarea a pătruns tot mai mult în paginile multor reviste, precum Brigada Artiștilor, Pentru Arta Proletariană și altele. Artiștii și personalitățile culturale au fost supuse unor critici obscure, li s-au adus acuzații politice fără discernământ și fără temei.
Aceste acuzații din domeniul culturii erau direct legate de schimbări politiceîn țară. În 1927–1928, a început să se dezvolte un nou stil totalitar de guvernare a vieții țării, iar birocrația stalinistă se contura în mod activ. Se forma o nouă estetică normală, în conformitate cu care artiștilor și personalităților culturale li se atribuie rolul de ilustratori ai acelor poziții ideologice exprimate direct de Stalin și anturajul său. Artiștii au trebuit să ia parte la propaganda ideilor de partid, fără a reuși să răspundă fenomenelor de actualitate de moment ale vieții. Toate acestea s-au aplicat nu numai propagandei-arte de masă cu reacția ei dinamică la evenimentele realității, ci și artei de șevalet. Astfel, artiștii au fost lipsiți de dreptul la o înțelegere individuală creativă profundă a realității, a problemelor sale spirituale, de a-și exprima gândurile și sentimentele. Au început să fie organizate expoziții tematice precum „Antialcool”, „Arta celui de-al treilea an decisiv al planului cincinal” etc.. Pentru astfel de expoziții artiștii trebuiau să creeze lucrări în cel mai scurt timp posibil.
În ceea ce privește expozițiile tematice dedicate oricăror fenomene, evenimente, aniversări specifice, aceasta este deschiderea anilor 1920. Membrii AHRR au fost primii care le-au organizat, de exemplu, „Din viața și viața Armatei Roșii a muncitorilor și țăranilor” și „Viața și viața muncitorilor” (1922), apoi expozițiile dedicate aniversărilor. al Armatei Roșii, devenită tradițională. Până la a 10-a aniversare, Consiliul Militar Revoluționar a dezvoltat temele lucrărilor și a semnat contracte cu artiștii. Importantă pentru dezvoltarea artei sovietice a fost expoziția „Arta popoarelor URSS”, organizată în 1927 de Academia de Arte de Stat, la care a fost prezentată foarte pe deplin lucrările multor naționalități ale țării.
La sfârșitul anilor 1920, la expoziții au apărut schițe și schițe din natură, portrete ale muncitorilor și țăranilor, minerilor și pescarilor. Au fost rezultatul unor artiști de călătorii în călătorii de afaceri pentru a studia viața țării. Artiștii au primit cel mai bogat material pentru creativitate, s-au familiarizat cu Procese de producțieîn fabrici și mine, în câmpuri și în artele pescarilor. întâlnit cu oameni interesanți. Dar artiștii nu au putut folosi acest material cu dăruire creativă autentică. Programarea ideologică a început deja să afecteze - să vadă și să portretizeze o viață frumoasă, fără conflicte, fericită.
De la mijlocul anilor 1920, procesele negative din domeniul culturii și artei s-au manifestat din ce în ce mai clar la Moscova. Au început să se înghesuie și chiar să distrugă instituțiile culturale. Pe rând, muzeele proletare au fost lichidate. Primul Muzeu al Noii Picturi Occidentale a fost închis, iar clădirea sa a fost transferată departamentelor militare. Casa Galeriei Tsvetkova, construită special pentru muzeu, a fost predată locuinței, în ciuda petiției Galerii Tretiakov. Muzeul Public și Rumyantsev din Moscova a fost închis odată cu transferul sediului și colecției de cărți la Biblioteca URSS. V. I. Lenin. Și colecțiile de pictură și grafică, precum și colecțiile altor muzee lichidate, au fost transferate la Galeria de Stat Tretiakov și la Muzeul de Stat de Arte Frumoase în încăperi înghesuite, supraaglomerate, în principal în depozite. În 1928 a fost lichidat Muzeul Culturii Picturii. Toate acestea nu au putut decât să afecteze viața artistică a țării și a Moscovei în cel mai negativ mod în anii următori. Muzeele nu erau numai scoala esentiala pentru artiști, dar a jucat un rol important în formarea unui nou spectator. Muzeele din Moscova erau diverse ca caracter, colecții și scară. Treptat, au trecut prin unificare și standardizare, activitatea lor viguroasă a fost ulterior introdusă într-un cadru strict determinat de oficialii din domeniul artelor. Lichidarea muzeelor și alte acțiuni în domeniul culturii au respins în mod intenționat oamenii din arta autentică și înalta cultură.
La 23 aprilie 1932, Comitetul Central al Partidului Comunist al Bolșevicilor din întreaga Uniune a adoptat o rezoluție „Cu privire la restructurarea organizațiilor literare și artistice”, care a desființat toate asociațiile artistice și le-a înlocuit cu o nouă organizație - Uniunea Artiștilor Sovietici. cu o structură și o conducere omogenă, asemănătoare oricărui aparat birocratic standard pentru supravegherea activităților artiștilor și realizarea deciziilor de sus. Pagube deosebit de mari au fost cauzate Moscovei, unde viața spirituală din timpuri imemoriale a fost caracterizată de spiritul libertății, independenței și diversității celor mai diverse fenomene.
Anii 1930 au fost cei mai tragici ani din viața poporului nostru. A venit vremea indiferenței. Cu o rolă ideologică grea, totul în cultură a fost zdrobit și egalizat, adus la uniformizare. De acum înainte, totul trebuie să se supună instrucțiunilor administrative coborâte de sus, pe care oficialii din arte le-au pus în aplicare cu furie în viață.
De la sfârșitul anilor 1920, represiunea a smuls artiști individuali, acum ei lovesc personalitățile culturale cu și mai multă forță. Mulți artiști au murit în lagăre, iar lucrările lor au dispărut fără urmă în măruntaiele aparatului de investigație. Expoziția prezintă lucrări ale artiștilor care au fost supuși represiunilor - A. I. Grigoriev, A. D. Drevin, A. K. Vingorsky, L. L. Kvyatkovsky, G. I. Klyunkov, G. D. Lavrov, E. P. Levina-Rozengolts, Z. I. Oskolkova, P. F. I. A. Padov, P. F. I. mashkevici, E. V. Safonova, M. K. Sokolov, Ya. I. Tsirelson, A. V. Shchipitsyn.
Activitățile și genurile de prestigiu social au început să fie încurajate în artă: o pictură tematică realizată în strictă conformitate cu reglementările ideologice, portrete ale membrilor guvernului, ale liderilor de partid etc.
Entuziasmul muncitorilor de a construi o nouă viață a fost trezit prin toate mijloacele în țară. În mod asemănător a fost exploatat entuziasmul artiştilor şi artiştilor, care, în mugurile slabe ale noului, erau dornici să vadă un viitor fericit pentru ţară şi pentru întreaga omenire, promis de la tribună de liderul partidului. Ei au căutat să întruchipeze aceste vise în lucrările lor, înfățișând o viață fericită fictivă, fără a privi înapoi la viața reală a oamenilor. Expozițiile au fost dominate de pânze pline de fals patos, conținut falsificat, divorțate de viață, strălucind cu recuzită proaspăt pictată. Mituri fantastice ireale despre fericirea generală și prosperitatea oamenilor sub conducerea înțeleaptă a partidului și a liderului său au început să se nască și să se creeze artificial în societate.
Prezentul și trecutul țării, istoria ei, eroii ei au fost distorsionate. A existat un proces de deformare a personalității, „falsificat” persoană nouă, un roți din mașină, lipsit de nevoi spirituale individuale. Poruncile moralității umane înalte erau înfundate cu predici ale luptei de clasă. Toate acestea au avut consecințe tragice pentru arta și cultura țării.
Natura expozițiilor de la Moscova s-a schimbat dramatic în anii 1930. Spectacolele inedite și inedite ale grupurilor și ale artiștilor individuali, impregnate de energia descoperirilor creative, au fost înlocuite cu expoziții amorfe precum „toamna”, „primăvara”, expoziții de peisaje, antreprenori, femei artiste etc. Au existat, desigur , lucrări talentate. Nu au dat însă tonul, ci „verificat ideologic”, chiar dacă nu suficient de artistic. Au mai fost aranjate expoziții tematice. Printre acestea, semnificative și interesante s-au numărat expozițiile: „Artiștii RSFSR de 15 ani” (1933), încă în mare măsură convertite în perioada anterioară, precum și „Industria socialismului” (1939).
Majoritatea lucrărilor pentru marile expoziții au fost realizate la comenzi guvernamentale. Lupta pentru o ordine și, în consecință, pentru recunoaștere, pentru bunăstarea materială a căpătat forme urâte. Acum „patronajul” statului s-a întors pentru mulți artiști talentați care nu au acceptat direcția oficială în artă și dictatele departamentului de conducere, tragedia excomunicării de la privitor, de la recunoașterea muncii lor.
Mulți artiști au fost nevoiți să ducă o viață dublă, executând lucrări la comandă după „rețete” reglementate, iar pentru ei înșiși acasă, în secret de toată lumea, lucrează liber și dezinhibat, fără să-și arate cele mai bune lucrări și fără să spere să le poată expune. Numele lor au părăsit paginile cataloagelor expoziției pentru o lungă perioadă de timp. T. B. Aleksandrova, B. A. Golopolosov, T. N. Grushevskaya, L. F. Zhegin, A. N. Kozlov, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, E. P. Levina-Rozengolts, M. V. Lomakina, V. E. Pestel, I. N. Pestel, I. N. Arta Popov Tarkha, ia abandonat pe alții, M. K. Popov Tarkha. creat independent , lipsiți de ateliere, comenzi, și uneori chiar de mijloace de existență, înfometați, dar liberi în voința lor creatoare. Izolați de societate și chiar unul de celălalt, dezbinați, și-au îndeplinit singuri isprava lor creatoare. Ei și-au câștigat existența predând, lucrând în industria tipografică, teatru, cinema, aducând înalt profesionalism, gust și pricepere în orice domeniu de activitate.
Lucrările artiștilor recunoscuți oficial au ajuns cel mai adesea în muzee și au decorat interioarele instituțiilor oficiale de diferite grade. Nu există astfel de lucrări în această expoziție. Lucrările artiștilor care au plecat de la îndeplinirea comenzilor au fost păstrate acasă mulți ani.
Aceste tablouri, de regulă, nu sunt mari, realizate pe nu cele mai bune pânze, vopselele nu sunt de cea mai bună calitate. Dar ei respiră viață autentică, posedă un farmec de durată și poartă în sine vasta experiență spirituală a timpului lor. Ele exprimă viziunea complexă, uneori tragică, a unei întregi generații, nu în exterior, nu descriptiv, ci prin toate mijloacele artei autentice. Dacă conținutul picturilor oficiale este îndreptat către un viitor fericit necunoscut, ocolind astăzi, adevărații artiști au arătat adevărata viață a contemporanilor lor în acea atmosferă dificilă de lipsă de libertate, persecuție, și nu în paradisul promis al fericirii lumii viitoare. Ei au dezvăluit eroismul cotidian al depășirii nenumăratelor dificultăți, umilințe, inumanitate, susțin valori adevărate- bunătate și dragoste față de aproapele, credință, forță.
Peisajele lui K. N. Istomin, V. A. Koroteev, A. I. Morozov, O. A. Sokolova, B. F. Rybchenkov sunt lirice, industriale, urbane, pline de sentimente profunde, reflecții filozofice. Chiar și naturile moarte ale lui M. M. Sinyakova-Urechina, A. N. Kozlov, I. N. Popov sunt surprinzător de interesante și poartă gânduri despre soartă și timp. Portretul este cel mai strălucitor și mai semnificativ din opera lui E. M. Belyakova, D. E. Gurevich, L. Ya. Zevina, K. K. Zefirova, E. P. Levina-Rozengolts, A. I. Rubleva, R. A. Florenskaya, mulți alți maeștri. Acestea sunt în mare parte portrete ale unor persoane apropiate, rude. De regulă, ele transmit un sentiment de contact profund între persoana portretizată și artist. Ele dezvăluie uneori straturile interioare ale vieții spirituale cu mare forță. Adesea, artiștii acelor ani s-au orientat către subiecte biblice. Poate că au încercat să înțeleagă epoca și faptele ei prin prisma valorilor universale (L. F. Zhegin, S. M. Romanovich, M. K. Sokolov).
În ultimii ani, lucrările acestor artiști cândva nerecunoscuți oficial au fost expuse la multe expoziții. Ieșind din subteran, au dat deoparte pozele planului oficial, datorită înaltei perfecțiuni artistice, puternicei energii spirituale care pândește în ele, simțului adevărului pe care îl trezesc în privitor. Acestea sunt lucrările artiștilor R. N. Barto, B. A. Golopolosov, A. D. Drevin, K. K. Zefirov, L. F. Zhegin, K. N. Istomin, M. V. Lomakina, A. I. Rubleva, G. I. Rubleva, N. V. Sinezubova, N. Ya. Simonovici, N. A. V. R. A. Florenskaya și alții.
această expoziție oferă o mulțime de material pentru reflecție, ridică multe probleme care necesită cercetări suplimentare detaliate. De asemenea, ridică întrebarea importantă a soarta viitoare arta Moscovei în ansamblu. Moscova, un puternic generator de idei artistice, o școală de artă și pedagogie, un centru muzeal al țării, în prezent nu are ocazia să stea în fața privitorului în toată bogăția și integritatea ei. Ea îmbogățește neobosit țara de mulți ani, împlinesc muzeele din toate regiunile cu lucrările artiștilor ei, dând totul, lăsând nimic pentru ea. Există mulți astfel de artiști, ale căror creații sunt complet dispersate în diferite muzee ale țării și nu sunt reprezentate deloc în capitală.
Lucrările expuse la această expoziție sunt materialul care poate deveni baza pentru crearea Moscovei muzeu de arta. Acesta este fondul său potențial. Dar poate dispărea și fără urmă, împrăștiindu-se prin diverse depozite muzeale și colecții private. Moscova trebuie să aibă grijă să-și creeze propriul muzeu și să o facă imediat.
L. I. Gromova
Introducere p.3
1. Artiști și asociații de artă din anii 1920 p.5
2. Artiști și asociații de artă din anii 30 p.11
Referințe p.20
Introducere
Octombrie 1917 a inaugurat o nouă eră nu numai viata sociala dar şi în viaţa artei. Orice revoluție distruge ceva și atunci începe crearea uneia noi. Ceea ce are loc nu este o simplă dezvoltare, ci o reechipare decisivă a fundamentelor fostelor structuri sociale, politice, ideologice și de altă natură, inclusiv artă.
Revoluția a ridicat cel puțin două probleme. Prima problemă este natura de clasă a artei. O încercare de a o lega strâns cu lupta de clasă a dus la o denaturare a naturii sale multifuncționale. O înțelegere deosebit de simplă a naturii de clasă a artei s-a manifestat în activitățile celebrului Proletcult. Elementul de luptă a dus la distrugerea monumentelor culturale, cauzată nu numai de operațiunile militare din timpul războiului civil și de intervenția externă, ci și de o politică care vizează zdrobirea culturii burgheze. Astfel, multe monumente sculpturale, lucrări de arhitectură antică asociate cu cultul religios au fost demolate sau distruse.
A doua problemă este problema politicii de clasă în artă. În soluționarea ei au fost implicate toate forțele: „burgheze” și „proletare”, distructive și constructive, sovietice și nesovietice, „de stânga” și „dreapta”, culturale și ignorante, profesioniste și amatoare.
Principiile dezvoltării sociale proclamate de stat au determinat în mare măsură mișcarea treptată a artei. A avut loc un fel de stratificare a forțelor, din adăugarea căreia s-a format un vector al stării reale a artei. Pe de o parte, aceasta este puterea de auto-dezvoltare a artei, care a afectat tiparele de mișcare a formelor conținute în natură. creativitatea artistică; pe de altă parte, influența forțelor sociale, a instituțiilor publice, interesate de aceasta și nu de altă mișcare a artei, în anumite forme ale ei. Pe al treilea - dictatele politicii de stat, care, bazându-se pe forțele sociale sau nemizând pe acestea, au avut un impact necondiționat asupra structurii artei, asupra esenței acesteia, asupra potențialului ei evolutiv și revoluționar. De la sfârșitul anilor 1920, politica a început clar să denatureze dezvoltarea normală a artei, să exercite o anumită presiune asupra acesteia prin interzicerea sau condamnarea anumitor manifestări „non-proletare”.
1. Artiști și asociații de artă din anii 20.
Anii 1920 au fost o perioadă tulbure pentru artă. Au fost multe facțiuni diferite. Fiecare dintre ei a prezentat o platformă, fiecare a vorbit cu propriul său manifest. Arta, obsedată de ideea căutării, era diversă; a clocotit și a clocotit, încercând să țină pasul cu epoca și să privească în viitor.
Cele mai semnificative grupări ale căror declarații și practică creativă reflectau principalele procese creative ale acelei vremuri au fost AHRR, OST și „4 Arte” (8, p. 87).
Grupul AHRR (Asociația Artiștilor din Rusia Revoluționară) a apărut în 1922 (în 1928 a fost redenumit AHRR - Asociația Artiștilor Revoluției). Nucleul AHRR a fost format în principal din foști membri Asociația Expozițiilor Itinerante. Declarația AHRR a fost cuprinsă în catalogul expoziției din 1922: „Datoria noastră civică față de umanitate este înregistrarea artistică și documentară a celui mai mare moment al istoriei în impulsul său revoluționar. Vom înfățișa astăzi: viața Armatei Roșii, viața muncitorilor, a țărănimii, a conducătorilor revoluției și a eroilor muncii.
Artiștii AHRR au căutat să facă pictura lor accesibilă publicului de masă din acea vreme. În munca lor, ei au folosit adesea mecanic limbajul scris de zi cu zi al răposaților Wanderers. AHRR a organizat o serie de expoziții de artă tematice, chiar ale căror nume sunt: „Viața și viața muncitorilor” (1922), „Viața și viața Armatei Roșii” (1923), „Revoluția, viața și munca” (1924 - 1925), „Viața și viața popoarelor URSS” (1926) - vorbesc despre sarcinile de reflectare directă a realității moderne.
Particularitatea practicii „Akhroviților” a fost că ei au mers la fabrici și fabrici, la cazarma Armatei Roșii, pentru a observa viața și viața eroilor lor de acolo. În timpul pregătirii expoziției „Viața și viața popoarelor URSS”, participanții săi au vizitat cele mai îndepărtate colțuri ale țării sovietice și au adus înapoi un număr semnificativ de schițe care au stat la baza lucrărilor lor. Artiștii AHRR au jucat un rol important în stăpânirea temelor noi, influențând reprezentanții diferitelor grupuri artistice ale vremii.
Dintre artiștii AHRR se remarcă opera lui I. I. Brodsky (1883 - 1939), care și-a pus ca sarcină o reproducere fidelă, documentară, a evenimentelor și eroilor revoluției. Pânzele sale dedicate activităților lui V.I. Lenin au câștigat o mare popularitate. Nașterea pitoreștii Leniniana s-a bazat pe pictura lui Brodsky din 1929 „Discursul lui Lenin la fabrica Putilov” și una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale „Lenin în Smolny” (1930), care îl înfățișează pe Lenin în biroul său la serviciu. Brodsky l-a văzut pe Lenin de multe ori și i-a făcut schițe (12, p. 92).
Lucrările lui Brodsky au o calitate importantă - autenticitatea, care are o mare semnificație istorică și cognitivă. Cu toate acestea, dorința de documentar a condus uneori la o interpretare empirică, naturalistă a evenimentului. Semnificația artistică a picturilor lui Brodsky a fost redusă și de naturalismul uscat și de colorarea dietetică caracteristică unei părți semnificative a lucrărilor sale.
Maestrul picturii portretistice G. G. Ryazhsky (1895 - 1952) s-a alăturat AHRR în 1923. Cele mai cunoscute lucrări ale sale sunt Delegate (1927) și Chairwoman (1928), în care artistul dezvăluie trăsăturile socio-psihologice tipice ale unei femei din noua societate, participant activ la viata industriala si sociala a tarii. „Președinta” lui este o lucrătoare activistă. În postura ei, gestul, stima de sine, slăbirea se dezvăluie ca dovadă a poziției unei femei într-o nouă societate a muncii.
S. V. Malyutin (1859 - 1937) a jucat un rol semnificativ printre portretiștii din AHRR. Galeria de portrete pe care a început-o înainte de revoluție a fost completată în timpul sovietic cu portrete ale lui V.K. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky și mulți alții. Printre acestea, cel mai interesant portret al lui Dmitri Furmanov, pictat în 1922, dezvăluie în mod convingător imaginea unui scriitor războinic, reprezentant al noii inteligențe sovietice.
Un participant activ la expozițiile AHRR a fost un pictor major rus de la începutul secolelor XIX - XX. A. E. Arkhipov. În anii 1920, Arkhipov a creat imagini ale țăranelor - „O femeie cu ulcior”, „O țărancă cu șorț verde”, „O țărancă cu o eșarfă roz în mână”, etc. Aceste picturi au fost pictate cu un pensula larga, temperamental si colorat.
E. M. Cheptsov (1874 - 1943), care a continuat tradițiile rătăcitoare în domeniul genului cotidian, a marcat opera lui E. M. Cheptsov cu observare atentă și atenție la noile fenomene ale vieții. Cunoscut pe scară largă este tabloul său „Întâlnirea chiliei satului” (1924), care înfățișează activiștii satului în primii ani ai revoluției. Observația și sinceritatea autorului, simplitatea înfățișării personajelor sale, lipsa de artă a accesoriilor din jur au făcut din mica, modestă pictură a lui Cheptsov, unul dintre cele mai interesante exemple de artă AHRR.
Același lucru se poate spune despre una dintre lucrările pictorului peisagist B. N. Yakovlev (1880 - 1972). „Transportul este din ce în ce mai bine” (1923) – o poveste modestă și în același timp profundă despre epoca dificilă a primilor ani ai revoluției, despre munca de zi cu zi al oamenilor. Pictat calm și simplu, acest tablou este unul dintre primele exemple de peisaj industrial din pictura sovietică.
Un loc special în pictura AHRR îl ocupă opera lui M. B. Grekov (1882-1934), fondatorul genului de luptă în arta sovietică. Timp de un deceniu și jumătate - până la sfârșitul vieții - a fost ocupat să creeze un ciclu de picturi dedicat Armatei I de Cavalerie, la ale cărei campanii și bătălii a luat parte artistul. În opera sa, în special în perioada timpurie, tradițiile lui Vereshchagin se fac simțite în mod clar. Personaj principal Grekova - oamenii care au luat asupra lor toate dificultățile războiului. Lucrările lui Grekov afirmă viața. În picturi de la mijlocul anilor douăzeci precum „Tachanka” (1925), acuratețea itinerantă a imaginii este combinată cu exaltarea romantică. Ulterior, continuând cronica picturală originală a Armatei I de Cavalerie, Grekov realizează pânze epice, printre care se remarcă picturile „Către Kuban” și „Trumpeters of the First Cavalry Army” (ambele - 1934).
Alături de AHRR, care includea artiști ai generațiilor mai vechi și mijlocii, care la momentul revoluției aveau deja o vastă experiență creativă, un rol activ în viața artistică a acelor ani l-a jucat grupul OST (Societatea Pictorilor de șevalet) , organizat în 1925. A unit tineretul artistic din prima universitate de artă sovietică - VHU-TEMAS. (3)
Sarcina principală a asociației, artiștii OST, precum „Akhrovtsy”, au considerat lupta pentru renașterea și dezvoltarea ulterioară a picturii de șevalet pe temă modernă sau cu conținut contemporan. Cu toate acestea, aspirațiile și metodele creative ale artiștilor OST au avut diferențe caracteristice. Ei s-au străduit să reflecte în fapte individuale noile calități ale epocii lor contemporane în raport cu epoca anterioară. Tema lor principală a fost industrializarea Rusiei, recent încă agrară și înapoiată, dorința de a arăta dinamica relației dintre producția modernă și om.
Unul dintre cei mai talentați reprezentanți ai grupului OST a fost A. A. Deineka. Cele mai apropiate declarații OST sunt picturile sale: „La construcția de noi ateliere” (1925), „Înainte de a coborî în mină” (1924), „Fotbalisti” (1924), „Muncitori din textile” (1926). Patosul figurativ al lui Deineka - Ostovets a găsit o cale de ieșire în grafica jurnalistică, în care artistul a acționat ca ilustrator în reviste de lectură generală - precum „La mașină-unealtă”, „Fără Dumnezeu la mașină-unealtă”, „Spotlight”, „Tinerețea”, etc. Opera centrală Deineka din perioada Ostovo a devenit pictura „Apărarea Petrogradului”, scrisă în 1928 pentru expoziția tematică „10 ani ai Armatei Roșii”. Această lucrare dezvăluie patosul și semnificația principală a tradițiilor inovatoare ale OST, cele mai dătătoare de viață și cele mai dezvoltate în arta sovietică din perioadele ulterioare. Deineka a întruchipat în această imagine toată originalitatea stilului său, a redus mijloacele de exprimare la minimum, dar le-a făcut foarte active și eficiente (8, p. 94).
Dintre ceilalți membri ai OST, cei mai apropiați de Deineka în natura lucrărilor lor în ceea ce privește stilul sunt Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Luchishkin. Lucrările „Heavy Industry” de Pimenov, „The Hamburg Uprising” de Williams, „The Ball Has Flew Away” și „I Love Life” de Luchishkin, create în aceeași perioadă, au dezvăluit și reflectat inovativ calitățile importante ale realității moderne,
Spre deosebire de grupul Ostovo, care era tânăr în compoziție, au existat alte două grupuri creative care au ocupat un loc important în viața artistică a acelor ani - „4 Arts” și OMX. (Societatea Artiștilor din Moscova), - a unit maeștrii generației mai vechi, care s-au format creativ în vremurile pre-revoluționare, care au tratat problemele conservării culturii picturale cu o reverență deosebită și au considerat limbajul și forma sa plastică ca fiind foarte importante. parte a lucrării. Societatea a 4 Arte a apărut în 1925. Cei mai importanți membri ai acestui grup au fost P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
Lucrările lui Petrov-Vodkin - precum „După luptă” (1923), „Fata de la fereastră” (1928), „Anxietate” (1934), exprimă cel mai pe deplin sensul etic al diferitelor perioade - repere în dezvoltarea a societăţii sovietice. Tabloul său „Moartea unui comisar” (1928), precum „Apărarea Petrogradului” a lui Deineka, pictat în legătură cu expoziția „10 ani de Armata Roșie”, în contrast cu publicismul specific - baza deciziilor figurative ale lui Deineka - dă propria sa soluție filozofică sarcinii: prin fapte care generalizează idei despre evenimentele care au loc pe întreaga planetă Pământ, prin dezvăluirea esenței etice a acestor evenimente. Un comisar este o persoană care, atât în viață, cât și în moarte, îndeplinește o ispravă în numele umanității. Imaginea sa este o expresie a invincibilității ideilor strălucitoare care vor câștiga în viitor, indiferent și în ciuda morții celor mai activi purtători ai acestor idei. Privirea de despărțire a comisarului pe moarte este ca un cuvânt de despărțire la un detașament de luptători înaintea unui atac - el este plin de credință în victorie.
Ideile filozofice ale lui Petrov-Vodkin își găsesc o expresie plastică adecvată. Spațiul reprezentat, așa cum ar fi, se extinde peste suprafața sferică a planetei. Combinația dintre perspectiva directă și cea inversă transmite în mod convingător și clar panorama „planetară” a ceea ce se întâmplă. Problemele figurative sunt clar rezolvate în sistemul coloristic. În pictura sa, artistul aderă la principiul tricolorului, întruchipând parcă principalele culori ale pământului: aer albastru rece, apă albastră; pământ brun-roșu; verdeata lumii plantelor.
O amprentă semnificativă în istoria picturii sovietice au lăsat-o artiștii grupului OMX, organizat în 1927. Mulți dintre ei s-au apropiat unul de celălalt în anii pre-revoluționari în asociația Jack of Diamonds. P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky și A. A. Osmerkin au fost cei mai activi în OMC.
În declarația lor, artiștii OMHa au spus: „Solicităm artistului cea mai mare eficacitate și expresivitate a aspectelor formale ale operei sale, care se formează inseparabile de latura ideologică a acesteia din urmă”. În acest program, există o afinitate pentru grupul 4 Arte.
Unul dintre cei mai proeminenți exponenți ai acestui program în arta sovietică din primii ani a fost P. P. Konchalovsky. El s-a străduit să îmbine tendințele „jack of diamonds” cu moștenirea artiștilor realiști ruși, care i-au extins foarte mult gama creativă și l-au ajutat să intre mai organic în arta sovietică a anilor 1920. Integritatea coloristică cu intensitatea culorilor individuale distinge astfel de lucrări ale maestrului precum „Autoportret cu soția sa” (1922), „Portretul lui O. V. Konchalovskaya” (1925), „Portretul fiicei Natasha” (1925). În aceiași ani, P. P. Konchalovsky a încercat să creeze picturi tematice, printre care cele mai bune sunt Novgorodians (1921) și From the Fair (1926). Artistul este interesat de imaginile tradiționale ale „țăranilor ruși” - puternici, groși, care trăiesc înconjurat de obiecte familiare, conform legilor vechilor obiceiuri și, împreună cu mediul lor, alcătuiesc ceva tipic național.
2. Artiști și asociații de artă din anii 30.
Anii 1930 în istoria artei sovietice este o perioadă dificilă, reflectând contradicțiile realității însăși. După ce au perceput schimbările considerabile care au avut loc în societate, patosul industrializării, maeștrii artei, în același timp, aproape că nu au observat contradicțiile sociale majore, nu au exprimat conflictele sociale asociate cu întărirea cultului personalității lui Stalin ( 1).
La 23 aprilie 1932, Comitetul Central al partidului a adoptat o rezoluție „Cu privire la restructurarea organizațiilor literare și artistice”. Acest decret a eliminat toate grupările artistice existente anterior și a indicat căile și formele generale de stabilizare și dezvoltare a tuturor forțelor creatoare ale artei sovietice. Rezoluția a slăbit confruntarea dintre asociațiile individuale, care a devenit atât de agravată la începutul anilor 1920 și 1930. Dar, pe de altă parte, tendințele de unificare s-au intensificat în viața artistică. Experimentele de avangardă care s-au făcut simțite în anii 1920 au fost întrerupte. S-a desfășurat o luptă împotriva așa-zisului formalism, în urma căreia mulți artiști au fost nevoiți să-și abandoneze cuceririle anterioare.
Crearea unui sindicat unic a coincis cu instaurarea principiului realismului socialist, formulat de A.M. Gorki pe primul Congresul întregii uniuni scriitori sovietici. Realismul socialist și-a asumat moștenirea tradițiilor artei realiste ale secolului al XIX-lea. și a vizat artiștii să înfățișeze realitatea în dezvoltarea sa revoluționară. Cu toate acestea, după cum a arătat practica ulterioară a artei sovietice, termenul „realism socialist” s-a dovedit a fi insuficient de încăpător și adecvat tendințelor complexe și multistratificate ale noii culturi. Aplicarea sa formală în practica artistică ia conferit adesea rolul de frână dogmatică în dezvoltarea artei. În condițiile restructurării sociale din anii 1980, termenul de „realism socialist” a fost supus discuțiilor în cercurile profesionale la diferite niveluri.
Multe tendințe progresive care au apărut în anii 20 continuă să se dezvolte în anii 30. Aceasta se referă, de exemplu, la interacțiunea fructuoasă a diferitelor școli naționale.
Artiști din toate republicile participă la mari expoziții de artă organizate în anii 1930 Uniunea Sovietică. În același timp, la Moscova sunt organizate expoziții republicane în legătură cu deceniile de artă națională. Problemele de artă națională sunt de interes deosebit pentru artiștii republicilor frățești.
În anii 1930, practica comenzilor de stat și călătoriile creative de afaceri pentru artiști s-a extins. Sunt organizate expoziții importante: „15 ani ai Armatei Roșii”, „20 de ani ai Armatei Roșii”, „20 de ani ai Komsomolului”, „Industria socialismului”, „Expoziția celor mai bune lucrări de pictură sovietică” etc. Artiștii sovietici participă la expoziții internaționale la Paris și New York, realizează lucrări pentru Expoziția agricolă a întregii uniuni de la Moscova, în legătură cu pregătirea căreia au fost create un număr semnificativ de lucrări monumentale și decorative, ceea ce, în esență, a însemnat un important etapă a renașterii picturii monumentale ca formă de artă independentă care avea propriile sale scopuri și modele. În aceste lucrări, atracția artei sovietice către monumentalism și-a găsit expresie.
Unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai picturii de șevalet ai acestei perioade este artistul Boris Vladimirovici Ioganson (1893 - 1973), care în opera sa s-a orientat către cele mai înalte tradiții ale picturii rusești ale secolului al XIX-lea. El interpretează moștenirea lui Surikov și Repin, introducând un nou conținut revoluționar în operele sale, în consonanță cu epoca. Din acest punct de vedere, picturile lui Ioganson Interrogation of the Communists (1933) și At the Old Ural Factory (1937) sunt deosebit de importante.
Tabloul „Interogatoriul comuniștilor” a fost expus pentru prima dată la expoziția „15 ani de Armata Roșie”. În ea, artistul a arătat comuniștii care s-au ridicat pentru a apăra patria revoluționară și oponenții lor - Gărzile Albe, care au încercat să sugrume statul sovietic în timpul războiului civil. Artistul își conduce generalizarea istorică în tradiția lui Repin, prin demonstrarea unei acțiuni specifice într-un cadru specific. Nu cunoaștem numele oamenilor descriși aici, cu atât mai mult din punct de vedere istoric imaginea în ansamblu este percepută de noi ca universală. Comuniștii din tabloul lui Ioganson sunt sortiți morții. Artistul își arată însă calmul, curajul, forța și rezistența, care contrastează cu anxietatea, nervozitatea, dezbinarea psihologică care domnește în grupul Gărzilor Albi, neputincioși nu numai în această situație, ci, parcă, în fața istoriei. .
În tabloul „La Vechea Uzină din Ural”, pictat pentru expoziția „Industria socialismului”, Ioganson pune în contrast imaginile crescătorului și ale muncitorului, în care dezvăluie un sentiment de conștiință de clasă emergentă și superioritate internă față de exploatator. Cu acest tablou, artistul a arătat conflictul istoric dintre vechi și nou, reacționar și progresist, și a afirmat puterea victorioasă a revoluționarului și progresistului. Acestea sunt cele noi trăsături de caracter a genului istorico-revoluţionar sovietic pe exemplul picturii lui Ioganson.
Un loc special în această perioadă îl ocupă lucrarea cu mai multe fețe a lui Serghei Vasilyevich Gerasimov în ceea ce privește imaginile, temele și genurile. Cea mai frapantă lucrare a genului istoric din opera sa este pictura „Jurământul partizanilor siberieni” (1933), izbitoare prin expresivitatea sa deschisă, a dezvăluit expresivitate coloristică, desen ascuțit și compoziție dinamică. A lucra in gen domestic, SV Gerasimov a acordat atenția principală temei țărănești. Pentru a o rezolva, artistul a trecut prin portret, creând o serie de convingătoare imagini ţărăneşti. În perioada de construcție a satului fermei colective, el a pictat unul dintre cele mai izbitoare portrete ale Veghetorului Fermei Colective (1933). Printre cele mai semnificative lucrări de pictură de gen din anii 1930 a fost tabloul Vacanța la fermă colectivă (1937), care a fost expus la expoziția Industria socialismului. Caracterizează cu acuratețe și succint această imagine, cel mai mare istoric de artă sovietic, academicianul I. E. Grabar: „Când a apărut minunata pânză „Vacanța la fermă colectivă”, una dintre cele mai bune poze expoziţia „Industria socialismului”, a devenit evidentă o nouă, extraordinară creştere a maestrului. Cu greu niciunul dintre artiștii sovietici, cu excepția lui Serghei Gerasimov, ar fi făcut față unei astfel de sarcini de compoziție, iluminare și culoare și chiar cu ajutorul unor mijloace și tehnici atât de simple. A fost cel mai însorit tablou din arta rusă din timpul revoluției, în ciuda faptului că a fost executat într-un plan restrâns” (1, p. 189).
„Cântărețul” țărănimii sovietice a fost Arkadi Alexandrovici Plastov (1893 - 1983), asociat cu satul rusesc prin origine. A fost foarte influențat de-a lungul vieții de impresiile copilăriei petrecute în strâns contact cu natura, cu pământul, cu țăranii care locuiesc pe acest pământ.
După Marea Revoluție Socialistă din Octombrie, Plastov, dus de muncă în satul natal Prislonikhe, devotandu-se timp liber pictură, a acumulat schițe și impresii pentru viitoarele sale lucrări dedicate vieții țărănești. Unul dintre primii munca semnificativa Plastov - plin de aer și lumină, tabloul „Scăldat la cai” - a fost realizat de acesta pentru expoziția „20 de ani ai Armatei Roșii”. Pentru expoziția „Industria socialismului” Plastov a pictat o pânză mare „Vacanța la fermă colectivă”. O altă lucrare strălucitoare a lui Plastov din acea vreme este „Treamă de fermă colectivă” (1938). Toate aceste imagini arată unele aspecte comune. Plastov nu se gândește la scena de gen în afara peisajului, în afara naturii rusești, interpretată mereu liric, dezvăluindu-și frumusețea în cele mai simple manifestări. O altă caracteristică opere de gen Plastova - absența oricărui conflict sau moment special în intriga aleasă de artist. Uneori, în tablourile sale, ca, de exemplu, în „Turma Fermă Colectivă”, nu există deloc evenimente, nu se întâmplă nimic. Dar, în același timp, artistul atinge întotdeauna expresivitatea poetică a tabloului.
În anii 1930, talentul lui A. A. Deineka s-a dezvoltat în felul său. El a continuat să adere la temele sale anterioare, intrigile, imaginile preferate, culoarea și sistemul compozițional. Adevărat, maniera sa picturală este oarecum înmuiată, exemple din care sunt cel mai bun lucru Anii 30 - „Mama” (1932), „Pauza de prânz în Donbass” (1935), „Viitorii piloți” (1938). Sportul, aviația, un corp antrenat gol, laconismul și simplitatea limbajului pitoresc, combinațiile sonore de maro-portocaliu și albastru sunt înmuiate în unele cazuri de lirism, un moment de contemplare. Deineka a extins, de asemenea, cadrul tematic al operei sale, incluzând scene din viața țărilor străine, care au apărut ca urmare a călătoriilor în SUA, Franța, Germania și Italia.
O alta fost membru OST - Yu. I. Pimenov (1903-1977) a creat una dintre cele mai bune picturi ale anilor 30 „Noua Moscova” (1937). Peisajul centrului Moscovei (Piața Sverdlov) pare a fi văzut dintr-o mașină cu viteză condusă de o tânără cu spatele la privitor. Clădiri noi ridicate, mersul rapid al unei mașini, culori deschise, abundență de aer, lățimea spațiului și cadrul compoziției - totul este impregnat de o viziune optimistă asupra lumii.
În anii ’30 s-a desfășurat arta peisagistică a lui G. G. Nissky (1903 - 1987), un adept al ostoviților, care au adoptat de la aceștia laconismul, ascuțimea soluțiilor compoziționale și ritmice. Acestea sunt picturile sale „Toamna” (1932) și „În drum” (1933). În peisajele din Nyssa, activitatea transformatoare a omului este întotdeauna vizibilă.
Dintre pictorii peisagişti ai generaţiei mai vechi, opera lui N. P. Krymov (1884 - 1958), care a creat în 1937 tablou faimos„Dimineața în Parcul Central de Cultură și Agrement Gorki din Moscova”. O vedere panoramică largă a parcului, distanțele deschizându-se în spatele lui, o linie plată a orizontului care conduce privirea privitorului dincolo de pânză - totul respiră prospețime și spațialitate.
A. Rylov, a cărui operă s-a format la începutul secolului al XX-lea, în tabloul „Lenin în Razliv” (1934) îmbină peisajul cu genul istoric, realizând un simț al întinderii naturii, gândirii, simțirii, afirmând istoricul. optimism.
Atracția pentru peisajul panoramic s-a manifestat în lucrările multor pictori din diferite republici. Această gravitație a fost asociată cu acel simț acut al Patriei, pământ natal, care în anii 30 s-a întărit și a crescut. D. N. Kakabadze (1889 - 1952) în „Peisajul imeretian” (1934) oferă o largă răspândire a munților caucazieni, întinzându-se în depărtare - creastă după creastă, pantă după pantă. În opera lui M. S. Saryan, anii 1930 au fost marcați și de un interes pentru peisajul național, pentru vederile panoramice ale Armeniei.
În această perioadă, genul portretului a primit și o dezvoltare fructuoasă, în care artiștii generației mai vechi P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov și alții se dezvăluie cel mai bine.
P. P. Konchalovsky, cunoscut pentru lucrările sale în cele mai diverse genuri de pictură, a creat o serie întreagă de portrete ale figurilor științei și artei sovietice în anii 1930 și 1940. Printre cele mai bune portrete ale lui V. V. Sofronitsky la pian (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937). În aceste lucrări, Konchalovsky aduce capacitatea sa excelentă de a exprima viața prin sistemul plastic-color. El combină cele mai bune tradiții ale artei vechi cu claritatea inovatoare a viziunii culorilor, sunetul puternic al imaginii care afirmă viața și puternic emoțional.
Adevăratul culme al dezvoltării portretului din acea perioadă au fost lucrările lui M. V. Nesterov. De-a lungul operei sale, care a unit secolele al XIX-lea și al XX-lea, Nesterov a păstrat o legătură vie cu viața. În anii 1930, a cunoscut o ascensiune strălucitoare, redescoperindu-și talentul de portretist. Sensul figurativîn portretele lui Nesterov - afirmarea spiritului creator al vremii prin identificarea patosului creator al celor mai diversi oameni reprezentând acest timp. Cercul eroilor lui Nesterov este reprezentanți ai inteligenței sovietice ale generației mai vechi, oameni cu profesii creative. Deci, printre cele mai semnificative lucrări ale lui Nesterov se numără portretele artiștilor - frații Korin (1930), sculptorul I. D. Shadr (1934), academicianul I. P. Pavlov (1935), chirurgul S. S. Yudin (1935), sculptorul V. I. Mukhina (1940). ). Nesterov acționează ca un succesor al tradițiilor portretistice ale lui V. A. Serov. El subliniază caracteristicile, accentuează gesturile, posturile caracteristice personajelor sale. Academicianul Pavlov și-a strâns ferm pumnii așezați pe masă, iar această poziție dezvăluie puterea minții, care contrastează cu bătrânețea evidentă. Chirurgul Yudin este și el înfățișat în profil, stând la masă. Dar expresivitatea acestei imagini se bazează pe gestul caracteristic, „zburător” al mâinii ridicate. Degetele întinse ale lui Yudin sunt degetele tipice ale chirurgului, dibace și puternice, gata să-și îndeplinească voința. Mukhina este înfățișată în momentul creației. Ea sculptează o sculptură - cu concentrare, fără a acorda atenție artistei, ascultând complet impulsului ei.
Accesoriile sunt prezentate succint în aceste portrete. Sunt incluși în mod corect și activ în caracteristicile oamenilor reprezentați cu culoarea, iluminarea, silueta lor. Colorarea portretelor este dramatic activă, saturată de tonuri suplimentare sonore, subtil armonizate. Astfel, culoarea complexă din portretul lui Pavlov, construită pe o combinație a celor mai fine nuanțe de tonuri reci și calde, caracterizează claritatea și integritatea spirituală. lumea interioara om de stiinta. Și în portretul fraților Korin, acesta se îngroașă până la albastru profund, negru, maro bogat, exprimând natura dramatică a stării lor creative. Portretele lui Nesterov au introdus în artă un început fundamental nou, de afirmare a vieții, arderea creativă ca fiind cele mai tipice și mai vii manifestări ale stării oamenilor într-o epocă de mare entuziasm al muncii.
Artistul Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967) este cel mai apropiat de Nesterov. A fost crescut printre pictorii lui Palekh, ai lui mod creativ a început prin a picta icoane, iar în 1911, la sfatul lui Nesterov, a intrat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. Sever exigent cu sine și cu oamenii, Korin a purtat această calitate prin toată munca sa. A. M. Gorki, pe care l-a cunoscut în 1931, a jucat un rol semnificativ în dezvoltarea sa creativă și, într-adevăr, în viața artistului în general.Gorki l-a ajutat pe Korin să facă o călătorie în străinătate pentru a studia cele mai bune monumente ale artei mondiale.
Poate de aceea galeria de portrete a oamenilor de știință, artiștilor, scriitorilor timpului nostru, pe care Korin o creează de mulți ani, a început cu imaginea lui A. M. Gorky (1932). În esență, deja în această lucrare sunt dezvăluite principalele trăsături ale portretistului Korin. Portretul lui Gorki este o lucrare cu adevărat monumentală, în care o siluetă clar definită, un fundal contrastant, o umplere largă de culori a suprafețelor mari ale pânzei, un desen expresiv ascuțit exprimă generalizarea istorică a personalității scriitorului. Pentru aceasta, ca și pentru alte portrete ale lui Korin, o gamă severă este caracteristică cu o abundență de tonuri de gri închis, albastru închis, uneori ajungând la negru. Această gamă, precum și forma clar sculptată a capului și a figurii persoanei portretizate, exprimă calitățile emoționale ale naturii artistului (6).
În anii 1930, Korin a creat portrete ale actorilor L. M. Leonidov și V. I. Kachalov, artistului M. V. Nesterov, scriitorului A. N. Tolstoi și savantului N. F. Gamaleya. Este evident că pentru el, precum și pentru profesorul său spiritual M.V. Nesterov, interesul pentru personalitate creativă departe de a fi aleatoriu.
Succesele picturii din anii 1930 nu înseamnă că calea dezvoltării ei a fost simplă și lipsită de contradicții. În multe lucrări ale acelor ani au apărut și s-au stabilizat trăsăturile generate de cultul lui I.V.Stalin. Acesta este un fals patos al unei atitudini pseudo-eroice, pseudo-romantice, pseudo-optimiste față de viață, care determină esența și sensul artei „ceremoniale”. Între artiști a luat naștere o competiție în lupta pentru „super comploturi” inconfundabile asociate cu imaginea lui I. V. Stalin, succesele industrializării, succesele țărănimii și colectivizarea. Au apărut o serie de artiști care „se specializează” în subiect. Cel mai tendențios în acest sens a fost Alexander Gerasimov („Stalin și K. E. Voroșilov la Kremlin” și celelalte lucrări ale sale).
Bibliografie
1. Vereshchagin A. Artist. Timp. Poveste. Eseuri despre istoria picturii istorice ruse XVIII - timpurie. secolele XX - L .: Art, 1973.
2. Pictura 20 - 30 ani / Ed. V.S.manin. - Sankt Petersburg: Artist al RSFSR, 1991.
3. Zezina M. R., Koshman L. V., Shulgin V. S. Istoria culturii ruse. - M.: Mai sus. scoala, 1990.
4. Lebedev P.I. Arta sovietică în perioada intervenției străine și a războiului civil. - M., 1987.
5. Lihaciov D.S. Arta rusă din antichitate până în avangardă. - M.: Art, 1992.
6. Ilyina T. V. Istoria artelor. Arta internă. - M.: Mai sus. scoala, 1994.
7. Istoria artei popoarelor din URSS. În 9 volume - M., 1971 - 1984.
8. Istoria artei ruse și sovietice / Ed. M.M. Alenova. - M .: Liceu, 1987.
9. Polikarpov V.M. Culturologie. – M.: Gardarika, 1997.
10. Rozin V.M. Introducere în studiile culturale. – M.: Forum, 1997.
11. Stepanyan N. Arta Rusiei secolului XX. O privire din anii 90. - Moscova: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Suzdalev P.K. Istoria picturii sovietice. - M., 1973.
© Plasarea materialului pe alte resurse electronice numai însoțit de un link activ
Lucrări de control în Magnitogorsk, cumpărați lucrări de control, referate la termenîn drept, cumpără acte de drept, documente de termen în RANEPA, acte de drept în RANEPA, tezeîn drept la Magnitogorsk, diplome în drept la MIEP, diplome și studii la VSU, hârtii de testîn SGA, teze de master în drept la Chelga.
Această secțiune prezintă picturi ale artiștilor sovietici, sunt colectate picturi de diferite genuri: aici puteți găsi atât peisaj, cât și natură moartă, portrete și diverse scene de gen.
Pictura sovietică în acest moment a câștigat o mare popularitate, atât în rândul profesioniștilor, cât și al iubitorilor de artă: se organizează numeroase expoziții și licitații. În secțiunea noastră de pictură sovietică, puteți alege o imagine nu numai pentru decorarea interiorului, ci și pentru colecție. Multe lucrări din epoca realismului socialist au semnificație istorică: de exemplu, peisajele urbane ne-au păstrat aspectul pierdut al locurilor familiare din copilărie: aici veți găsi vederi ale Moscovei, Leningradului și ale altor orașe ale fostei URSS.
Scenele de gen prezintă un interes deosebit: ca și filmele de știri documentare, au înregistrat trăsăturile vieții unei persoane sovietice. Portretele acestui timp transmit perfect starea de spirit a epocii, vorbesc despre oameni de diverse profesii și destine: aici sunt muncitori, și țărănești și lideri militari și, desigur, liderii proletariatului. Portretele pentru copii ale erei realismului socialist sunt o întruchipare directă a conceptului de „copilărie fericită”. Site-ul prezintă, de asemenea, pe scară largă genul de peisaj industrial, caracteristic artei sovietice.
Experții noștri vă vor ajuta să alegeți un tablou potrivit sau să vindeți lucrări din colecția dvs. pe site-ul nostru.
La categoria antichități „Sovietic artă» prezintă peste 2 mii de lucrări diferite ale maeștrilor din perioada revoluției din 1917 până în 1991. Creatorii acestei perioade au fost foarte influențați de gândirea ideologică oficială, ceea ce se reflectă în multe lucrări tematice prezentate în acest catalog. Arta a devenit mai aproape de om obisnuit, după cum o demonstrează portretele unice ale muncitorilor obișnuiți, pionieri, membri ai Komsomolului. Aceste lucrări sunt pe care magazinul de antichități le prezintă pe paginile sale.
Temele militare au devenit o zonă separată a artei inventive sovietice. Astfel de antichități sunt valoroase nu numai prin tehnica de execuție, ci și prin istoria în sine, afișată pe pânză. Costul fiecărei pânze este determinat individual, în funcție de următorii factori importanți:
- unicitatea intrigii sale;
- direcție tematică;
- tehnica de scriere aleasă și calitatea ei de execuție.
„Cumpărați un tablou” oferă utilizatorilor o oportunitate unică de a cumpăra antichități din acele vremuri la prețuri accesibile. Picturile transmit perfect sentimentele și experiențele unei persoane sovietice, reflectă viața de zi cu zi. Utilizatorului i se prezintă antichități care înfățișează marea conducere a URSS, postere cu sloganuri cunoscute în toată țara, naturi moarte, ilustrații din cărți, lucrări de grafică și, bineînțeles, peisaje frumoase din diverse părți ale statului sovietic.
În magazinul de antichități găsești picturi tradiționale din acea perioadă. Mulți artiști sovietici au lucrat în genul realismului și, începând cu anii 60, direcția „stilului sever” a devenit populară. Picturile cu natură moartă pe diverse teme au fost, de asemenea, foarte populare. Astfel de antichități sunt și ele prezentate pe site și puteți vizualiza toate ofertele.
Este de remarcat faptul că afișele pe subiecte politice au devenit un tip separat de artă plastică din perioada sovietică. Ei au jucat un rol social și ideologic important. Aceste antichități au supraviețuit până în zilele noastre, unele mostre sunt prezentate în categoria corespunzătoare „Cumpărați un tablou”. Peisajele frumoase ale maeștrilor sovietici eminenti au o mare valoare artistică; astăzi ele împodobesc cele mai bune galerii interne. În catalog puteți găsi reproducerile acestora și puteți face o achiziție.
Acestea nu sunt deloc opera fotografilor profesioniști, pe care se poate încerca să-i acuze că sunt unilaterali. Acestea sunt fotografii din albume private - viata reala, care a fost trăit de oamenii sovietici obișnuiți din anii 20 - 50.
Desigur, nu pot fi comparate cu nivelul de muncă al fotojurnaliştilor profesionişti, majoritatea fiind realizate de amatori. Dar ei reflectă viața așa cum au văzut-o, acești oameni și au reușit parțial să o salveze în fotografiile de familie...
Au rămas multe în culise. De exemplu, programele educaționale în care 80% din populația analfabetă a țării era învățată să scrie și să citească – de unde au luat țăranii acelor ani aparate de fotografiat? Dar nu este asta. Priviți ce înconjoară poporul sovietic din acei ani, hainele, fețele care reflectă timpul lor. Uneori vor vorbi despre timpul lor mai bine decât orice istoric, propagandist și analist.
Copii de la mijlocul anilor 20
Manuale școlare - pentru prima dată în viața mea. Educația pentru toți pentru prima dată în lume a fost dată de puterea sovietică. 
1926 Cherepovets. Sărbătoarea de 1 mai
Copii fără adăpost lângă podium - consecințele războiului civil. Persoanele fără adăpost vor fi eliminate abia la începutul anilor 30. 
1928 Regiunea Krasnoyarsk. Congresul muncitorilor de partid.
Vezi cum sunt îmbrăcați lucrătorii de partid - la fel persoana medie acei ani.
În anii 1920, nu toată lumea avea un costum. Și lucrătorii de partid aveau 2 tunici, sau chiar una, în garderoba lor obișnuită. 
Sărbătoare în familie, 20-30 ani 
Poza unei femei. 1930 Moscova 
Grup de oameni 1930. Locație necunoscută 
Consiliul Satului 30 de ani. Pavlo-Posadsky districtul Moscovei regiune 
Mașină cu lemne (!) Kilometraj auto 1931
Designeri entuziaști ai anilor 30. La acea vreme, cu petrolul nu era prea bine în URSS - aproape toate rezervele explorate erau concentrate în Caucaz. Câmpurile petroliere din Tataria și Siberia au fost descoperite abia în anii 1940 și 1950, când a fost creată o bază pentru studii geologice. Înainte de aceasta, în țară îi lipsea foarte mult geologi, echipamente, ingineri, transporturi... practic nu era nimic. Toate acestea au fost create în anii 30. 
1931 Cea mai bună echipă la construcția fabricii de siderurgie din Kuznetsk, Novokuznetsk.
Se pun bazele industriei grele.
Uită-te la fețele acestor oameni. Ei, necruțându-se, au construit fabrici și orașe pentru urmașii lor, pentru noi. În 10 ani, vor apăra ceea ce au făcut cel mai mult război teribil istoria umană, murind ca să putem trăi. Și am permis ca totul să fie furat și distrus. Am putea să-i privim în ochi? 
Familie. Leningrad 1930-31
Inteligența și specialiștii în acei ani câștigau bani foarte buni. 
Odihnește-te pe apă. Regiunea Kirov 1932 - 1936 
18 apr. 1934. „Brigada de lucru”. Artel agricol Neverovsko-Sloboda „Testamentul lui Lenin” S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. districtul Şuysk. înv.
Muncitori agricoli într-o provincie îndepărtată din Siberia. Un artel este o organizație neguvernamentală și o cooperativă de antreprenori uniți care au încheiat ei înșiși acorduri cu statul și alte cooperative, au plătit taxe etc.
Mișcarea cooperatistă a fost extrem de dezvoltată în URSS stalinistă. Pe lângă fermele colective, care erau organizații cooperatiste, existau atunci peste 114.000 de ateliere industriale, care angajau aproximativ 2 milioane de oameni. Ei au produs aproape 6% din producția industrială brută a URSS în componența sa: 40% din toată mobila țării, 70% din toate ustensilele metalice, 35% din tricotaje, aproape 100% din jucării.
În artele rurale cooperative, muncitorii (atât fermierii colectivi, cât și fermierii individuali) erau de obicei angajați cu normă parțială. Au inclus în anii 30 până la 30 de milioane de oameni.
Mișcarea cooperatistă din URSS a fost distrusă de Hrușciov concomitent cu desfășurarea isteriei anti-staliniste. 
1934 Excursie de camping de-a lungul Autostrăzii Militare Georgiane
Vă puteți imagina un muncitor din Rusia țaristă care a plecat într-o excursie pe cheltuiala statului? După cum a spus G. Wells, aceasta este singura țară din lume în care muncitorilor se cântă muzică clasică. 
„După baie” Mijlocul anilor 30.
„Oamenii sovietici intimidați. » © Vezi dacă există frică pe aceste fețe? în oricare dintre fotografii. Fețe deschise, optimiste și strălucitoare. 
Fermierii colectivi. Regiunea Kirov între 1932 și 1936
Fermierii colectivi sovietici obișnuiți în câmpul de fân. 
Regiunea Kolomna. Mijlocul anilor 30. 
1935, regiunea Oryol, casa de odihnă Bogdanovsky.
Toată țara era implicată în sport. Acestea sunt fete sovietice obișnuite, deloc o echipă de gimnastică. Încercați să repetați ceea ce fac. 
Studenți ai unui colegiu pedagogic, 1935, regiunea Kirov
Uniforma a fost eliberată studenților de către statul sovietic. Aceasta este o țară care în urmă cu câțiva ani purta pantofi și nu știa să citească și să scrie. 
Tineri ai anilor 30, regiunea Kirov.
Insigne - au trecut standardele TRP (Pregătit pentru Muncă și Apărare) și GTSO (la fel, dar sanitar). În acei ani, era absolut necesar ca un băiat care se respectă să primească o astfel de insignă. O persoană era prețuită după calitățile personale, și nu după portofelul și conexiunile părinților. Cei care foloseau conexiuni erau disprețuiți.
Astfel de oameni în câțiva ani vor câștiga războiul, vor construi o putere mondială aproape de la zero, vor lansa un om în spațiu.
Fiți atenți la fețele adulte adunate, voinice, ale acestor băieți - au aproximativ 16 ani. Și comparați-le cu cele actuale. 
Jocul „Pioneer Bench”. Tabăra de pionieri 1937
Aproape gratuit, fiecare copil putea merge într-o tabără de pionier pentru toată vara, unde era crescut, instruit și predat. În țările occidentale, acest lucru este încă de neconceput. Și asta a fost obișnuit încă din anii 30. 
Snowmobil pe gheața Volga lângă podul Kanavdinsky. Mijlocul anilor 30.
High-tech din acei ani. Ele au jucat un rol important în dezvoltarea tehnologiilor aviatice și au fost utilizate pe scară largă în dezvoltarea Războiului de Nord, Finlandei și Mondial.
Vera Voloshina, 1 octombrie 1941. Două luni mai târziu - pe 29 noiembrie, aceasta este extrem de fată frumoasă va muri.
Sculptura de opt metri Fata cu vâsla de remarcabilul sculptor Ivan Shadr (Ivanov), modelul a fost minunata atletă sovietică Vera Voloshina, care a dispărut în noiembrie 1941 în timpul unei operațiuni de sabotaj în spatele liniilor inamice.
Cu o lună înainte de moartea ei, sculptura a fost distrusă de o bombă germană. Abia un sfert de secol mai târziu, au fost cunoscute detaliile morții ei - a fost grav rănită la întoarcerea dintr-o misiune, capturată de germani și, după lungi torturi, spânzurată în pădure. Acest lucru s-a întâmplat la 10 km de locul morții lui Zoya Kosmodemyanskaya, în aceeași zi. Vera Voloshina, care a realizat aceeași ispravă, a fost organizatorul Komsomol al grupului de recunoaștere și sabotaj, care a inclus Zoya.
Vera era și o excelentă parașutist, iar sculptorul a spus, pe jumătate în glumă, că a pus-o special să se uite la turnul de parașute. 
Studenți la geologie 1937 
Despre ce este fotografia este clar din inscripția de sus. Atenție – aproape toți tinerii au insigne TRP. A fi un membru distrofic al Komsomol a fost pur și simplu sălbatic. Membrii Komsomolului și comuniștii ar putea avea arme personale. 
Familia obișnuită din Moscova 1939-1940 
1939 Khakassia. Sat
O bicicletă în Țara Sovietelor a devenit obișnuită - aproape toată lumea și-o permitea și copiii lor. În Occident, de exemplu, nu toată lumea își permitea o bicicletă în acei ani. Planul cincinal pentru bunuri de larg consum a început și a fost realizat cu un succes excepțional. Nivelul de trai al poporului sovietic a crescut rapid din 1939... până la 22 iunie 1941. 
1942, în două luni va muri în luptele de lângă Vyazma. 
Pe ruinele casei natale 1942. Regiunea Moscova. 
Jurământ. 1944 
1947 scoala ruralaîn regiunea Vologda
În fotografiile primilor ani de după război, chiar și pe chipurile copiilor, sunt vizibile urme de stres sever și de viață grea. Urmele Războiului sunt vizibile pe fețele umane chiar și la începutul anilor 50, apoi dispar treptat, iar fețele copiilor de 10 ani încetează să mai fie adulți necopilași.
Aproape toți au pierdut sau au rănit grav pe unul dintre apropiații lor, dacă nu din familie, atunci de la prieteni, familiile lor, colegii de clasă. Multe dintre mamele lor erau văduve. 
Băieții de la țară 1947 
4 clasa „A”, sfârșitul lunii octombrie 1948, un sat de lângă Smolensk. 
„Trinity, 1949”. Regiunea Kirov
În ultimii 20 de ani, „toată lumea știe” că riturile religioase au fost strict interzise în URSS, iar teroarea a fost deosebit de feroce pe vremea lui Stalin. După cum suntem asigurați: puneți o cruce pe mormânt, îmbrăcați un brad de Crăciun - și mărșăluiți în coloană spre Kolyma. Și a fost așa. 
Clasa 1950. Una dintre școlile din Moscova. 
„Recreere în aer liber” - sfârșitul anilor 40 - începutul anilor 50 
La biroul instituţiei. 1949, regiunea Kirov 
Vacanţă revoluția din octombrie. La începutul anilor 50 
Ediția Ziarului Local. Ascultă știrile. Regiunea Vladimir, început anii 50 
Locuitorii din Kaunas 1950 
Student, 50 de ani. 
Tânăr. Ufa, 1953. 
Village Boys, vil. Chupakhino, regiunea Oryol 1953
Cumva au spus la televizor că „fermoarul” a apărut în URSS abia în anii ’60, era atât de mult în urma „țărilor civilizate” în bunuri de larg consum. Însemna, „de ce avem nevoie de spațiu dacă nu putem face fulgere”. Se pare că tipul din partea stângă a imaginii l-a jupuit pe americanul mort. 
1954. Gata de muncă și apărare. Trecerea standardelor GTO.
"Nadya" - mijlocul anilor 50, Moscova
Fețele lor nu mai reflectă Războiul, devin lipsiți de griji și răutăcioși. Copii care au încercat să „îngrașă” mai bine în anii 50 după anii de război înfometat. 
Riga anii '50. 
În cursa Societății Dinamo 1955 
Intr-un apartament nou. Lucrător de personal al uzinei „Octombrie roșie” Shubin A.I. Moscova, Tushino, 1956 
Băieți, Kolomna, 1958. 
Kislovodsk. Ceremonia de a bea apă minerală. 1957 Autor - Javad Baghirov 
Apartament Kiev 1957 
Baku, mergi obosit. 1959 Autor - Javad Baghirov 
Aparate de vanzare parfum si apa de colonie. anii 50
Începând cu anii 50, a fost posibil să te „pufești” cu parfum sau colonie în magazinele mari. A costat 15 copeici, înainte de „reforma Hruşciov”.