Rolul artei în viața umană: ce ne pregătește lumea frumuseții. Principalele direcții și tehnici ale artei contemporane

Toate tipurile de arte servesc celei mai mari arte - arta de a trăi pe pământ.

Bertolt Brecht

Acum este imposibil să ne imaginăm că viața noastră nu ar fi însoțită de artă, creativitate. Oriunde și oricând a trăit o persoană, chiar și în zorii dezvoltării sale, el a încercat să înțeleagă lumea din jurul său, ceea ce înseamnă că a căutat să înțeleagă și, la figurat, să transmită în mod inteligibil cunoștințele dobândite generațiilor următoare. Așa au apărut picturile murale în peșteri - tabere antice ale omului. Și aceasta s-a născut nu numai din dorința de a-și proteja descendenții de greșelile deja trecute de strămoșii lor, ci și din transferul frumuseții și armoniei lumii, admirația pentru creațiile perfecte ale naturii.

Omenirea nu a stagnat, s-a înaintat progresiv și mai sus și s-a dezvoltat și arta care îl însoțește pe om în toate etapele acestui drum lung și dureros. Dacă te îndrepți către Renaștere, admiri culmile pe care le-au atins artiștii și poeții, muzicienii și arhitecții. Creațiile nemuritoare ale lui Rafael și Leonardo da Vinci încă fascinează prin perfecțiunea și conștientizarea profundă a rolului omului în lume, unde este sortit să parcurgă drumul său scurt, dar frumos, uneori tragic.

Arta este unul dintre cei mai importanți pași în evoluția umană. Arta ajută o persoană să privească lumea din diferite puncte de vedere. Cu fiecare epocă, cu fiecare secol, este din ce în ce mai îmbunătățit de om. În orice moment, arta a ajutat o persoană să-și dezvolte abilitățile, să îmbunătățească gândirea abstractă. De secole, omul a încercat să schimbe din ce în ce mai mult arta, să o îmbunătățească, să-și aprofundeze cunoștințele. Arta este mare mister lume, în care se ascund secretele istoriei vieții noastre. Arta este istoria noastră. Uneori, în el puteți găsi răspunsuri la acele întrebări la care nici cele mai vechi manuscrise nu pot răspunde.

Astăzi, o persoană nu-și mai poate imagina viața fără un roman citit, fără un film nou, fără o premieră în teatru, fără un hit la modă și iubit. grup muzical, fără expoziții de artă ... În artă, o persoană găsește cunoștințe noi și răspunde la întrebări vitale și pace din agitația cotidiană și bucurie. O adevărată operă de artă este întotdeauna în ton cu gândurile cititorilor, spectatorilor, ascultătorilor. Romanul poate spune despre o epocă istorică îndepărtată, despre oameni, se pare, de un mod și stil de viață complet diferit, dar sentimentele de care oamenii au fost impregnați în orice moment sunt de înțeles cititorului actual, în consonanță cu el dacă romanul este scris de un adevărat maestru. Lasă-l pe Romeo și Julieta să trăiască în Verona în vremurile străvechi. Nu momentul sau locul acțiunii îmi determină percepția mare dragosteși prietenie fidelă, descrisă de genialul Shakespeare.

Rusia nu a devenit o provincie îndepărtată a artei. Chiar și în zorii apariției sale, a declarat cu voce tare și cu îndrăzneală despre dreptul său de a sta alături de cei mai mari creatori ai Europei: „Povestea campaniei lui Igor”, icoane și picturi de Andrei Rublev și Teofan Grecul, catedralele din Vladimir, Kiev. și Moscova. Nu doar că suntem mândri de proporțiile uimitoare ale Bisericii Mijlocirii de pe Nerl și Catedralei de Mijlocire din Moscova, mai cunoscută sub numele de Catedrala Sf. Vasile, dar cinstim și cu sfințenie numele creatorilor.

Nu numai creațiile antice ne atrag atenția. Ne confruntăm constant cu opere de artă în Viata de zi cu zi. Vizitând muzee și săli de expoziție, vrem să ne alăturăm asta lume frumoasă, care este disponibil la început doar pentru genii, iar apoi pentru restul, învățăm să înțelegem, să vedem, să absorbim frumusețea care a devenit deja parte a vieții noastre obișnuite.

Imaginile, muzica, teatrul, cărțile, filmele oferă unei persoane bucurie și satisfacție incomparabilă, îl fac să simpatizeze. Elimină toate acestea din viața unei persoane civilizate, iar el se va transforma, dacă nu într-un animal, atunci într-un robot sau un zombi. Bogăția artei este inepuizabilă. Este imposibil să vizitezi toate muzeele lumii, să nu asculți toate simfoniile, sonatele, operele, să nu treci în revistă toate capodoperele arhitecturii, să nu recitiști toate romanele, poeziile, poeziile. Da, și nimic. Cei care știe totul se dovedesc de fapt a fi oameni superficiali. Din toată varietatea, o persoană alege pentru suflet ceea ce este mai aproape de el, ceea ce dă teren minții și sentimentelor sale.

Înțelegi arta contemporană? Un alt pad pare lipsit de sens? Ești sigur că trăiești în lumea modernă (reală)?

― Arta este o minciună care ne face capabili să realizăm adevărul

(Pablo Picasso).

Ce este Arta? Definiție și termeni.

Dicționar enciclopedic mare.

1. Artă- creativitatea artistică în general. Literatură, arhitectură, sculptură, pictură, grafică, arte și meșteșuguri, muzică, dans, teatru, cinema și alte varietăți de activitate umană, combinate ca forme artistice și imaginative de explorare a lumii. În istoria esteticii, esența artei a fost interpretată ca imitație (mimesis) - o expresie senzuală a suprasensibilului etc.
2. Artă- Un grad ridicat de pricepere, pricepere în orice domeniu de activitate.
3. Artăîn sens restrâns – artele plastice.
4. Artă alături de știință, este una dintre căile de cunoaștere, atât în ​​știința naturii, cât și în tabloul religios al percepției lumii.

Majoritatea oamenilor din ziua de azi sunt înconjurați de noi tehnologii. Fără unele noutăți ale lumii, omenirea nu își mai imaginează existența. Fiecare persoană are inovații diferite. Cineva nu poate trăi fără iPhone, tablete, cărți electroniceși alte gadget-uri. Aproape toți oamenii nu pot trăi fără telefoane, smartphone-uri, magazine online, rețele sociale. rețele și „chile” asemănătoare.

Este rău sau bun?

E normal, e firesc. Desigur, unele noutăți ale lumii moderne ne pot strica și ne înnobila. Principalul lucru este să nu vă lăsați capul în lumea trecută și să o uitați acolo, în ciuda modernității.

Dacă atât de mulți oameni acceptă inovația, de ce nu o fac ei? artă Modernă deci ce este?

De ce cred ei că spionarea fotografiilor altora de pe VKontakte este normal și chiar mai bine decât să accepte picturi ale artiștilor pe care nu încearcă să-i înțeleagă?

De ce „Tweetarea” și exprimarea propriului „eu” este norma, în timp ce un artist se exprimă printr-un tablou realizat în tehnologie moderna si publica pentru popor - este o prostie si o prostie pe dos?

Nu este ca „a tăia creanga pe care stai”? Te înșeli singur? Te contrazici?

Este o prostie să negi și să certați artă Modernă, în care trăiești și în fiecare zi „gătești”. Mai mult, fiecare dintre noi consumă această artă în fiecare zi fără să se gândească la ea.

Mai mult, unii părinți, veniți la o expoziție, de exemplu, la Moscova, de artă contemporană, își învață copiii că acest lucru nu este necesar. Unchiul ăsta nu știe să deseneze și este bolnav mintal. Se pune întrebarea:

De ce au venit părinții la expoziție și DE CE și-au adus copilul cu ei?

Și cine poate desena? Răspunsurile populare privesc artiștii și designerii care își fac munca într-un stil realist. "- Esti un artist? Poți să-mi desenezi portretul? Un artist este cineva care poate desena. E chiar asa? Nu este necesar. Un artist poate să nu fie capabil să deseneze, dar trebuie să fie capabil să-și transmită sentimentele, să arate frumusețea, urâțenia, libertatea, evenimentele, timpul, problemele etc. În primul rând, „artistul” este în capul tău, nu în mână. Oamenii care au un „artist” în mână nu sunt un artist, ci sunt buni desenatori.

Din păcate, oamenii care iubesc mai mult desenatorii. Sunt sigur că în fiecare an această amăgire va fi distrusă în mintea oamenilor. Acest tip de artist studiază de 100.500 de ani pentru a arăta tuturor cum pot desena, aproape o fotografie. De ce să desenezi așa dacă ai o cameră?

Desenați o poză timp de 100 de ani sau faceți clic pe un buton de pe cameră într-o secundă?

Toate acestea au dreptul să fie dacă există o idee artistică sau un scop pe care artistul nu îl ascunde, de exemplu, bani (o întâmplare frecventă la Moscova pe Arbat). Puteți arăta ceea ce nu ați văzut înainte folosind tehnica realismului.

Arta contemporana ca rezultat al creativitatii

Tipuri și funcții ale creativității.

Scopul artei contemporane

Scopul artei contemporane- surprinde, vorbește despre problemă, arată ceea ce era interzis anterior, ajută la realizarea oricărui obiect și subiect. Arta contemporană schimbă lumea modernă, iar lumea modernă schimbă arta contemporană. Aceasta este o relație care nu trebuie refuzată. Negi pe unul, îl negi pe celălalt. La urma urmei, arta este cea care conduce lumea. Așa a fost, așa este și așa va fi atâta timp cât va exista omul.

În lumea modernă, evaluarea oricărei opere de artă se reduce la „place” și „displace”. Este greu de evaluat arta care încalcă atât de puternic toate canoanele și regulile tehnologiei tradiționale.

Să rezumam

Acest text nu are scopul de a certa și de a nega o anumită direcție în art. Articolul încearcă să explice oamenilor asta arta contemporana esti TU. Acceptă-te așa cum ești. Nu trebuie să vă arătați nivelul scăzut de educație, cultură, inteligență, dezvoltare etc., exprimându-vă opinia cu autoritate asupra subiectului art. Pare puțin prostesc și, cel mai important, îngustează cercul percepției noastre asupra lumii, făcându-ne mai stângaci, piatră.Încearcă să-i înțelegi pe ceilalți și să-i accepti așa cum sunt. Acest lucru va face posibilă înțelegerea mai largă și profundă, realizarea întregii naturi și a naturii artei contemporane.

Ajutor la pregătirea articolului:

Artist și designer Popov Vitaly

Alți vorbitori: ,

Lumea modernă în arta contemporană

Întreaga civilizație tehnogenă din istoria omenirii, care a început în Renaștere și continuă până în zilele noastre, se bazează pe progresul științelor fizice, matematice și a altor științe ale naturii (fundamentale și aplicate), care au generat realizări în domeniul industriei și tehnologiei. . Progresul stiintific si tehnologic a oferit posibilitatea cresterii confortului si beneficiilor externe viata umana. Dar din cauza contradicțiilor dezvoltării sociale, aceste posibilități au fost realizate parțial sau chiar incorect. Odată cu perioadele de prosperitate, au apărut fenomene de sălbăticie, ascensiuni ale rațiunii alternate cu izbucniri ale barbariei, creșterea binelui a fost înlocuită cu forme noi, din ce în ce mai sofisticate și teribile ale răului.
Jean-Jacques Rousseau, în timpul iluminismului francez din secolul al XVIII-lea, a fost primul care a subliniat că progresele tehnologice nu fac oamenii mai fericiți. Și de atunci această idee a fost variată și dezvoltată în multe învățături filozofice și sociologice până în zilele noastre.
Teoriile umaniste, științele omului în istorie, bineînțeles, și-au avut realizările lor, dar au rămas în urmă și, poate, încă în urma științelor tehnice. Marile sisteme filozofice din timpurile moderne au apărut mai târziu decât cele științifice, iar influența lor asupra vieții omenirii era departe de a fi atât de mare. suflet uman predominant religie, dar dogmele ei rămân neschimbate de secole.
Cu toate acestea, dezvoltarea umanismului în istorie a avut loc și are loc. Mai mult, este decisiv. Dacă nu ar fi așa, atunci omenirea ar pieri pur și simplu. Ar fi zdrobit de forțele răului și îngropat sub ruinele propriei civilizații, care s-a prăbușit din cauza contradicțiilor insolubile. Mulți îi promit asta în viitor. Dar sunt posibile și concepte mai optimiste.
Desigur, religia, cu preceptele sale umane de iubire și milă, și științele umaniste, în special filosofia, au jucat un rol în dezvoltarea umanismului. Dar valoarea principală a aparținut și aparține art. Tocmai arta cuprinde toate fațetele sistemului speciei sale. ființă umană, dezvoltă o persoană ca personalitate creativă, îmbunătățindu-și și aprofundându-și percepția asupra lumii, trezirea fanteziei, forțându-l să experimenteze, să simtă, să reacționeze emoțional la fenomene reale, determinându-l să înțeleagă viața ca un întreg. Cântând frumusețea, afirmă bunătatea. Oferă plăcere estetică, te pune pe gânduri. Formează personalitatea unei persoane ca întreg. Dacă știința face din om un om de știință, atunci arta îl face Om, adică își dezvoltă toate forțele creatoare, care formează originalitatea personalității sale.
Dar arta afectează nu numai viața unui individ, ci și a societății în ansamblu. Și nu numai prin formarea lumii spirituale a membrilor societății, ci și direct. Unește oamenii, depășește lipsa de comunicare, zboară peste granițe, ajută națiunile să se înțeleagă. Toate acestea determină marea semnificație umanistă a artei și rolul acesteia în dezvoltarea umanismului în istoria omenirii.
Cu toate acestea, deja în sfârşitul XIX-lea secole au existat îndoieli cu privire la puterea artei. În secolul XX, sub influența catastrofelor zdrobitoare fără precedent, a războaielor mondiale și a revoluțiilor sângeroase, a atrocităților fascismului și dictaturilor totalitare, terorismului și conflictelor interetnice, multor gânditori și artiști, oameni de știință și personalități publice au început să pară că idealurile umaniste în general s-a dovedit a fi o utopie, frumos, dar nu justificat de iluzia că sunt epuizați, și-au pierdut semnificația, au intrat în trecut, iar dezvoltarea lumii este acum determinată de forțe complet diferite.
Compozitorul Mahler are un cântec, a cărui muzică a inclus-o ulterior în Simfonia a II-a. Cântecul spune cum Sfântul Antonie a predicat bine peștilor. Dar nu l-au ascultat și au continuat să se mănânce unul pe altul. Ar putea fi citate multe astfel de exemple, care mărturisesc dezamăgirea în valorile umaniste, în puterea bunăvoinței și a influenței artistice asupra oamenilor.
Arta de avangardă a secolului al XX-lea a reacționat la astfel de mentalități răspândite, arătând dezumanizarea omului, alogismul ființei, iraționalitatea vieții, istoria haotică și imprevizibilă, existența catastrofală și fără speranță. Este suficient să ne amintim de suprarealism și de teatrul absurdului. Dar toate mișcările de avangardă sunt legate direct sau indirect de această tendință.
Ei au reflectat în felul lor ceea ce s-a întâmplat în istoria socială reală. Dar aceasta este toată povestea? Și nu există în el nicio forță care să se opune tendințelor de dezintegrare? În cele din urmă, aceasta este o întrebare despre unde se îndreaptă omenirea: spre moarte sau către o nouă etapă a dezvoltării sale. Faptul că acum trecem printr-o perioadă de tranziție este evident pentru toată lumea. Dar direcția de dezvoltare este neclară.
Gogol din „Suflete moarte” a asemănat Rusia cu un trio de păsări care se grăbesc pe distanțe necunoscute. Și a întrebat: "Rus, unde te grăbești? Dă-mi un răspuns. Nu-mi da un răspuns." Această întrebare Gogol rămâne actuală astăzi. Și nu există nici un răspuns. Nu știm unde se grăbește acum nu numai țara noastră, ci întreaga umanitate. Și aici nici ghicirea, nici presupunerile, nici prognozele științifice nu vor ajuta. Doar timpul însuși se va arăta.
Omenirea se confruntă acum cu o criză multilaterală care afectează aproape toate domeniile existenței sale. Să ne oprim doar asupra chestiunii crizei culturii.
Ei vorbesc despre asta la noi Persoane publice iar oamenii de știință, jurnaliștii scriu, presa strigă. În același timp, criza culturii privește nu numai țara noastră, ci și multe alte țări civilizate; ea are un caracter global.
Mulți dintre noi suntem îngrijorați de criza culturii. Se discută căi de ieșire, dar încă nu au fost găsite.
În primul rând, voi observa că această criză, desigur, există, dar nu este absolută. Există zone ale culturii în care putem vorbi despre dezvoltare fructuoasă. Acest lucru se aplică, de exemplu, artelor muzicale ale spectacolului și creativității coregrafice (și interpretative). Aici, fiecare deceniu aduce noi generații de muzicieni și dansatori de balet străluciți pe arena artistică, câștigând multe competiții internaționale, câștigând faimă și glorie mondială, devenind vedetele culturii secolului XXI. Probabil că puteți găsi fenomene similare în alte domenii, de exemplu, în munca artiștilor de teatru dramatic.
Dar artele spectacolului sunt activitatea de interpretare a unor opere deja existente, create anterior, și nu nașterea altora noi. Acolo unde vorbim de apariția unor noi fenomene artistice în orice fel de artă, situația este mai complicată. De exemplu, există într-adevăr o criză în compunerea și munca de coregraf. Nu există cifre proporționale cu realizările de vârf ale secolului al XX-lea, nici lideri, nici conducători ai gândurilor. Același lucru este probabil și în alte domenii ale activității artistice.
Criza culturii are două componente: materială și spirituală. Latura materială este asociată cu o lipsă de finanțare în toate domeniile culturii și artei. Creativitate artistică nu poate fi niciodată autosusținut și profitabil. A fost aproape întotdeauna finanțat de putere, indiferent de formele acestei puteri în istorie. A fost ordonat sau încurajat într-un fel sau altul de către stat, biserică, puterile care sunt, patroni și sponsori. Aceasta se află în însăși natura activității artistice și nu contrazice deloc libertatea creativității. Transformarea artei în valoare de piață, subordonarea ei comerțului, înlocuirea libertății de exprimare cu dorința de profit, bani, o distrug. Acest lucru a fost arătat de mulți scriitori ai secolului al XIX-lea, de exemplu, Balzac, Gogol și alții.
În zilele noastre, arta din toate țările civilizate este finanțată de stat după așa-numitul „principiu rezidual”. Dar dacă în alte țări este de la 2 la 5 la sută din bugetul de stat, atunci avem 0,5 la sută din buget. Și în plus, patronajul și sponsorizarea în alte țări oferă mult mai mult sprijin pentru artă decât la noi.
Probabil că Ministerul Culturii și-ar dori și ar putea face mai mult bine și mai necesar pentru artă, dar posibilitățile sale financiare sunt limitate, iar în aceste limite înguste nu sunt cu greu suficienți bani pentru a face rost și pentru a oferi un fel de minim.
Din toate acestea provine componenta materială a crizei. Teatrele se închid, producția de film se micșorează, monumentele arhitecturale se prăbușesc, revistele se închid, activitatea editorială se deteriorează, milioane de muzicieni, artiști, artiști, în special la periferie, primesc salarii mizerabile, iar spectacolele comerciale suprimă adevăratele artistice. creativitate.
Se poate obiecta că ceea ce s-a spus caracterizează în principal anii 1990, iar acum imaginea pare să fie diferită. Da, ceva s-a schimbat în bine, dar, din păcate, foarte puțin. Liderii de stat se întâlnesc cu personalități culturale, le ascultă, în unele cazuri rezolvă probleme stringente și, uneori, chiar oferă sprijin financiar industriilor care sunt în pragul dezastrului. Dar toate acestea nu sunt absolut suficiente și există mai multe cuvinte despre susținerea culturii decât fapte.
Până în prezent, în ciuda protestelor publicului larg și ale presei, legea absurdă nr. 94 „Cu privire la plasarea comenzilor și a serviciilor...” nu a fost abrogată, conform căreia este imposibil să se implementeze un singur proiect de artă sau editorial, al cărui cost depășește 100.000 de ruble, fără a se anunța o licitație (concurs ). Această licitație necesită întârzieri birocratice nesfârșite, care în sine îngreunează deja activitatea instituțiilor artistice și științifice. Dar principalul lucru este că organizația care asigură cea mai ieftină implementare a proiectului câștigă licitația, chiar dacă este de zece ori mai scăzută ca calitate decât este necesar pentru dezvoltarea autentică a culturii.
Până acum, legile privind uniunile creative și patronatul, care zac de ani de zile în Duma de Stat, nu au fost adoptate. Nu este de mirare că atât Uniunile creative, cât și filantropia sunt în declin.
Însă culmea prostiei criminale este proiectul „Legei educației” elaborat sub conducerea ministrului Științei și Educației Fursenko, de fapt, care vizează distrugerea culturii artistice din țara noastră. Fără să ating absurditatea multor prevederi ale acestui proiect, nu voi face decât să reamintesc că acesta prevede transformarea instituțiilor de învățământ secundar special pentru copiii deosebit de supradotați - precum Centrala. Scoala de Muzica la Conservatorul din Moscova, liceele Academiei de Arte, Academia de Coregrafie din Moscova și alte școli similare (există 29 de ele în toată țara) - la școli obișnuite, doar cu o părtinire specială (cum ar fi școlile cu părtinire în matematică, în Limba englezăși așa mai departe.). În același timp, copiilor sub 15 ani li se predau doar discipline de învățământ general, iar după aceea cele speciale.
Permiteți-mi să vă reamintesc că aproape toți maeștrii de seamă ai artei ruse din epoca sovietică și post-sovietică au ieșit din școli speciale pentru copiii deosebit de dotați: Gilels și Oistrakh, Ulanova și Plisetskaya, cei mai buni muzicieni, dansatori de balet și multe figuri din toate. tipuri de arte plastice din a doua jumătate a secolului XX. Literal, întreaga țară s-a răzvrătit împotriva proiectului de lege, care de fapt distruge bazele culturii artistice naționale. Timp de doi ani, toate instituțiile relevante, inclusiv Academia de Arte, mulți oameni mari de artă și știință, publicul larg au protestat și au luptat împotriva adoptării unei astfel de Legi. Dar Ministerul Științei era surd și încăpățânat, nedorind să socotească niciun argument. Și numai datorită intervenției conducerii de vârf a țării, această lege a fost revizuită în Duma de Stat și acum a fost pregătită o nouă versiune a acesteia. Dar toată această poveste arată cât de greu este pentru cultura noastră să se dezvolte în condițiile în care o parte a birocrației, inclusiv statul, este interesată doar de două lucruri: economisirea banilor pe cultură și medierea, standardizarea personalității oamenilor - astfel de oameni sunt mai ușor de gestionat. și manipulează.
Mulți artiști, scriitori, artiști și jurnaliști, în buna lor intenție de a proteja și ridica nivelul de cultură, prezintă și încearcă să impresioneze autoritățile cu următorul argument. Fără cultură, dezvoltarea fructuoasă fie a economiei, fie a jurisprudenței, fie a vieții politice este imposibilă. Prin urmare, cultura ar trebui să fie printre prioritățile politicii de stat, ceea ce nu este cazul în prezent. Fără aceasta, inovațiile și modernizarea tuturor celorlalte sfere, inclusiv a economiei, nu vor reuși, ceea ce este acum pus în prim-plan de autorități.
Dar acest argument este doar parțial adevărat. Nu poate fi acceptat decât în ​​sensul că, dacă, în egală măsură, șeful conducerii oricărei industrii sau organizații nu este un ignorant, străin de cultură, ci o persoană educată și cultă, atunci lucrurile vor merge mai bine în acest caz. .
Amintiți-vă cum, în „Vai de înțelepciune” al lui Griboyedov, Skalozub îi amenință pe liberi gânditori: „Doamnelor sergent major în Voltaire”. Acum, dacă marii oficiali sunt, relativ vorbind, nu sergenți, și chiar dacă nu Voltaire, ci oameni cu adevărat cultivați și înalți profesioniști, atunci se poate conta pe o dezvoltare progresivă.
Acest lucru, desigur, este adevărat, iar acest argument în atragerea atenției autorităților asupra culturii, desigur, poate fi folosit. Dar totuși, în esența sa, este inexact și chiar incorect, pentru că reduce cultura la un sens aplicat, la a ajuta la dezvoltarea altor domenii. Cultura, desigur, poate juca uneori un astfel de rol, dar aceasta este doar una dintre funcțiile sale, și nu cea principală. În esența sa, cultura este independentă, autosuficientă, valoroasă. Este un mod de existență și dezvoltare a omenirii. Iar gradul de libertate personală al unei persoane depinde în mare măsură de cultura sa internă. Valoarea aplicată a culturii este posibilă, dar este secundară, derivată din scopul ei principal. Și acesta este scopul principal - în conținutul său spiritual, în dezvoltarea umanitară a unei persoane, în formarea personalității sale și a lumii interioare. Acesta este ceea ce ar trebui să vizeze sprijinul cultural.
Astfel am ajuns la o altă componentă spirituală a crizei moderne a culturii.
Marea artă din istoria culturii mondiale a fost întotdeauna inspirată de idei mărețe și are un mare conținut spiritual. Acest lucru i-a dat putere reală. Cu toată varietatea fenomenelor artistice diferite epoci, în fiecare epocă din cultura artistică a existat o paradigmă, o dominantă spirituală, un set de idei conducătoare, care a lăsat amprenta asupra tuturor activităților din domeniul artei.
În zilele noastre, nu există o astfel de paradigmă, nici o dominantă spirituală a epocii. De multă vreme vorbim despre absența unei idei naționale comune. Se întristează din cauza asta și chiar încearcă să inventeze ceva. Dar ideile naționale nu sunt inventate, ele se nasc organic din viața însăși, din potențialitățile ei spirituale, din mișcarea istoriei. Și dacă această mișcare este determinată numai bun simț, obiective pragmatice și repararea găurilor, ceea ce este tipic timpului nostru, atunci nu există unde să luăm o idee națională mare care să inspire ascensiunea culturii.
Respingerea oficialității comuniste, dogmatismul ideologic și proclamarea principiului pluralismului în sfera publică și spirituală este o realizare necondiționată a erei post-sovietice. Am câștigat libertatea, dar mulți nu știu ce să facă cu ea. Poți să scrii și să vorbești despre orice, dar pentru ca o mare artă să se nască, trebuie să știi despre ce să vorbești, trebuie să ai ceva de spus oamenilor. Între timp, mulți reprezentanți ai sferei spirituale a vieții sunt într-un fel de confuzie. Arta se estompează. Și aceasta este și una dintre expresiile crizei.
În toate sferele de activitate artistică, operele de artă se nasc acum număr mare. Există, desigur, mari artiști. Dar este încă greu să vorbim despre fenomene mărețe, care fac epocă.
Așa-zisa cultură pop a căpătat proporții amenințătoare. Arta concepută pentru consumatorul de masă, programată pentru popularitate, a existat și în vremurile sovietice. Dacă atunci era amenințat de ideologizarea deliberată, acum, dimpotrivă, este gol spiritual. Ea lovește scena modernă primitivă, diverse spectacole și discoteci. Iar principalul nu este nici măcar în vulgaritatea care pătrunde uneori acolo, ci în uimitoarea simplitate și elementaritate spirituală. Volumul asurzitor și ritmicitatea exagerată a muzicii pop extrem de primitive, adeseori însoțite de trăsăturile cântăreților pop, captează mulțimile de tinerețe care sărită, țipă, flutură atât de mult încât se limitează la psihoza de masă. Ce este aceasta dacă nu una dintre expresiile unei crize spirituale?
Desigur, problema nu se limitează la fenomene negative. Putem vorbi și despre tendința opusă: despre săli de concerte aglomerate, teatre, muzee, unde există artă mare, serioasă. Dar el locuiește acolo. mare clasic, față de care, din fericire, sper, nu s-a pierdut încă interesul majorității populației. Este dificil de a numi noi lucrări contemporane care ar deveni maeștri ai gândurilor. Generația „şaizecilor”, care a jucat un asemenea rol în societate, pleacă. Există multe fenomene noi, diversitatea lor este izbitoare. Dar chiar și cele mai semnificative dintre ele nu sunt întotdeauna diseminate și recunoscute pe scară largă.
Cultura pop este agresivă, avansează, caută să înlocuiască clasicii și arta contemporană serioasă. Dar chiar și în aceste condiții, este probabil cel mai corect lucru să te bazezi pe tradițiile și principiile vârfurilor culturii mondiale. Cum altfel să faci față crizei?
Academia Rusă de Arte, condusă de președintele ei Z.K. Tsereteli se străduiește în munca sa să reziste crizei, menținând o școală de artă profesionistă, unind mulți artiști remarcabili din diferite direcții, rezolvând sarcini majore de program la scară națională, afirmând principiile artei înalte. Dar eforturile ei singure, desigur, nu sunt suficiente. Este necesar ca toate instituțiile de creație, întreaga comunitate artistică și, cel mai important, autoritățile, să investească eforturile maxime în dezvoltarea unei culturi veritabile, ceea ce nu se poate spune încă.
În arta de avangardă a timpului nostru există multă șarlamănie și diletantism, dar există și fenomene care înțeleg probleme. viața modernă. În arta tradițională, există o mulțime de epigon și secundar, dar există și o păstrare onesta a fundamentelor realiste și sinceritate în înfățișarea vieții. Poate cea mai promițătoare este a treia cale: un fel de sinteză a tradițiilor realiste și a realizărilor avangardiste. O cale care dă naștere unor noi forme de artă contemporană, dar bazată pe principiile umaniste ale clasicilor de înaltă lume.
Caracteristicile unei astfel de sinteze pot fi observate într-o serie de lucrări grafice și sculpturale pitorești ale lui Z.K. Tsereteli. Pe această cale urmează artiștii N. Mukhin, B. Messerer, T. Nazarenko, N. Nesterova, sculptorii A. Burganov, L. Baranov, M. Dronov, V. Evdokimov. Printre compozitori se numără R. Shchedrin, A. Eshpay, B. Tishchenko, S. Slonimsky, G. Kancheli, A. Pyart. În arta coregrafică, această tendință a apărut în secolul al XX-lea în opera lui Y. Grigorovici și coregrafii O. Vinogradov, N. Kasatkina și V. Vasilev și alții care l-au urmat, iar acum este cel mai clar exprimat în lucrările lui B. Eifman, A. Ratmansky. Cu toate diferențele lor individuale, toți acești artiști sunt fiecare în felul său, în felul său și în conformitate cu diferit traditii nationale, au rădăcini adânci în cultura trecutului, dar nu ocoli realizările celor mai recente tendințe. Și se dovedește un aliaj organic, foarte în consonanță cu modernitatea.
Acum și în viitor, această direcție pare a fi cea mai fructuoasă. Acum este imposibil să creați artă inovatoare modernă, ignorând rădăcinile ei profunde, naționale și cele mai diverse tradiții clasice ale culturii artistice mondiale. Dar nu se poate pretinde că Picasso și Matisse, Modigliani și Chagall, Kandinsky și Malevici nu au existat în artele vizuale; Stravinsky și regretatul Scriabin, Hindemith și Messiaen, Schoenberg, Berg și Webern în muzică. Toți au devenit acum clasici ai secolului al XX-lea. De aceea sursele artei contemporane pot fi foarte diverse, inclusiv sintetice.
Istoria modernă a umanității se caracterizează prin procese de globalizare în desfășurare activă, adică o tendință spre unitatea întregii omeniri, acoperind cele mai diverse sfere ale ființei. Oricat de multi antiglobalisti lupta impotriva ei, globalizarea este un proces inevitabil, necesar, obiectiv. Merge în domeniul culturii. Și aici, ca și în alte domenii, există costuri și aspecte negative. Adesea adoptăm din alte culturi nu numai bune, ci și rele, iar entuziasmul excesiv pentru procesele de globalizare poate amenința fundamentele naționale ale unei anumite culturi.
Dar, în ansamblu, globalizarea este un proces pozitiv, progresiv. Ne-a extins orizonturile culturale și creează oportunități de îmbogățire a culturii noastre naționale cu realizările autentice ale altor popoare. Poate că aceasta este raza de lumină de la capătul tunelului care va duce la o ieșire din criză. Să așteptăm. Timpul se va arăta. Între timp, ne vom afirma atât în ​​creativitate, cât și în cercetare științifică, iar în critică principiile și criteriile artei înalte, bazate pe cele mai înalte realizări ale istoriei clasicilor artei mondiale. Dacă nu noi, atunci cine le va putea păstra și dezvolta? Și noi, vreau să sper, vom fi demni să îndeplinim această misiune istorică.

Unul dintre principalele moduri în care gândim. Rezultatul său este educația celor mai mulți concepte generaleși judecăți (abstractări). În arta decorativă, abstracția este procesul de stilizare a formelor naturale.

În activitatea artistică, abstracția este prezentă constant; în expresia sa extremă în arta plastică, duce la abstractionism, o tendință deosebită în artele plastice ale secolului XX, care se caracterizează prin respingerea imaginii obiectelor reale, generalizarea ultimă sau respingerea completă a formei, non-obiective. compoziții (din linii, puncte, pete, planuri etc.), experimente cu culoarea, exprimarea spontană a lumii interioare a artistului, subconștientul acestuia în forme abstracte haotice, neorganizate (expresionismul abstract). Picturile artistului rus V. Kandinsky pot fi atribuite acestei direcții.

Reprezentanții unor tendințe în arta abstractă au creat structuri ordonate logic, făcând ecou căutării unei organizări raționale a formelor în arhitectură și design (suprematismul pictorului rus K. Malevich, constructivismul etc.). Abstracționismul s-a exprimat mai puțin în sculptură decât în pictura.

Abstracționismul a fost un răspuns la dizarmonia generală a lumii moderne și a avut succes pentru că a proclamat respingerea conștientului în artă și a cerut „cedarea inițiativei formelor, culorilor, culorilor”.

Realism

De la fr. realisme, din lat. realis - real. În artă în sens larg, o reflectare veridică, obiectivă, cuprinzătoare a realității prin mijloace specifice inerente tipurilor de creativitate artistică.

Trăsăturile comune ale metodei realismului sunt fiabilitatea în reproducerea realității. În același timp, arta realistă are o mare varietate de moduri de cunoaștere, generalizare, reflectare artistică a realității (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. . Korin și alții)

Arta realistă a secolului XX. dobândește trăsături naționale strălucitoare și o varietate de forme. Realismul este opusul modernismului.

avangardă

De la fr. avan - avansat, garde - detașare - un concept care definește întreprinderile experimentale, moderniste, în artă. În fiecare epocă, în artele vizuale au apărut fenomene inovatoare, dar termenul de „avangardă” a fost instituit abia la începutul secolului XX. În acest moment, au apărut tendințe precum fauvismul, cubismul, futurismul, expresionismul, abstracționismul. Apoi, în anii 20-30, pozițiile de avangardă au fost luate de suprarealism. În perioada anilor 60-70 s-au adăugat noi varietăți de abstractionism - diverse forme de acționism, lucru cu obiecte (art pop), artă conceptuală, fotorealism, kinetism etc. Artiștii de avangardă își exprimă genul de protest împotriva culturii tradiționale. cu munca lor.

În toate tendințele de avangardă, în ciuda marei lor diversitate, se poate evidenția aspecte comune: respingerea normelor imaginii clasice, noutate formală, deformare a formelor, expresie și diverse transformări de joc. Toate acestea duc la estomparea granițelor dintre artă și realitate (ready-made, instalație, mediu), creând idealul unei opere de artă deschise care invadează direct mediul. Arta avangardei este concepută pentru dialogul dintre artist și privitor, interacțiunea activă a unei persoane cu o operă de artă, participarea la creativitate (de exemplu, artă cinetică, întâmplări etc.).

Lucrările de tendințe avangardiste își pierd uneori originea picturală și sunt echivalate cu obiecte ale realității înconjurătoare. Tendințele moderne de avangardă sunt strâns împletite, formând noi forme de artă sintetică.

Subteran

Engleză subteran - subteran, temniță. Un concept care înseamnă o cultură „subterană” care s-a opus convențiilor și limitărilor culturii tradiționale. Expozițiile artiștilor din această direcție au fost adesea organizate nu în saloane și galerii, ci direct pe sol, precum și în pasaje subterane sau în metrou, care în mai multe țări este numit subteran (subteran). Probabil, această împrejurare a influențat și faptul că în spatele acestei tendințe în arta secolului XX. numele a fost aprobat.

În Rusia, conceptul de underground a devenit o desemnare pentru o comunitate de artiști care reprezintă arta neoficială.

Suprarealism

pr. suprarealism - super-realism. Direcția în literatura și arta secolului XX. stabilit în anii 1920. Originar din Franța la inițiativa scriitorului A. Breton, suprarealismul a devenit curând o tendință internațională. Suprarealiștii credeau că energia creativă vine din subconștient, care se manifestă în timpul somnului, hipnozei, delirului dureros, intuițiilor bruște, acțiunilor automate (rătăcirea aleatorie a creionului pe hârtie etc.)

Artiștii suprarealiști, spre deosebire de abstracționiști, nu refuză să înfățișeze obiecte din viața reală, ci le reprezintă în haos, lipsit în mod deliberat de relații logice. Absența sensului, respingerea unei reflectări rezonabile a realității este principiul principal al artei suprarealismului. Despre desprinderea de viata reala chiar numele direcției vorbește: „sur” în franceză „mai sus”; artiștii nu au pretins că reflectă realitatea, ci și-au plasat mental creațiile „mai sus” de realism, trecând fanteziile delirante drept opere de artă. Deci, numărul picturilor suprarealiste a inclus lucrări similare, inexplicabile, ale lui M. Ernst, J. Miro, I. Tanguy, precum și obiecte prelucrate dincolo de recunoașterea suprarealistilor (M. Oppenheim).

Direcția suprarealistă, care era condusă de S. Dali, s-a bazat pe acuratețea iluzorie a reproducerii unei imagini ireale care ia naștere în subconștient. Picturile sale se disting printr-un mod atent de a scrie, transmiterea precisă a clarobscurului, perspectivă, care este tipică pentru pictura academică. Privitorul, cedând în fața persuasivității picturii iluzorii, este atras într-un labirint de înșelăciuni și mistere de nerezolvat: obiectele solide se răspândesc, obiectele dense devin transparente, obiectele incompatibile se răsucesc și se răsucesc pe dos, volumele masive devin imponderabile și toate acestea creează o imagine. asta este imposibil in realitate.

Acest fapt este cunoscut. Odată ajuns la o expoziție în fața unei lucrări a lui S. Dali, privitorul a stat mult timp, privind atent și încercând să înțeleagă sensul. În cele din urmă, cu disperare totală, a spus cu voce tare: „Nu înțeleg ce înseamnă asta!” Exclamația publicului a fost auzită de S. Dali, aflat la expoziție. „Cum poți înțelege ce înseamnă dacă nu înțeleg eu însumi”, a spus artista, exprimând în acest fel principiul de bază al artei suprarealiste: a picta fără a gândi, fără a gândi, abandonând rațiunea și logica.

Expozițiile de lucrări suprarealiste erau de obicei însoțite de scandaluri: publicul era indignat, privind ridicolul, poze de neînțeles, credeau că sunt înșelați, nedumeriți. Suprarealiștii au dat vina pe public, au declarat că au rămas în urmă, nu au crescut până la creativitatea artiștilor „avansați”.

Trăsăturile generale ale artei suprarealismului sunt fantezia absurdului, alogismul, combinațiile paradoxale de forme, instabilitatea vizuală, variabilitatea imaginilor. Artiștii s-au orientat către imitație arta primitiva, creativitatea copiilor și a bolnavilor mintal.

Artiștii acestui trend au dorit să creeze pe pânzele lor o realitate care să nu reflecte realitatea determinată de subconștient, dar în practică aceasta a avut ca rezultat crearea unor imagini respingătoare patologic, eclectism și kitsch (germană - kitsch; producție de masă ieftină, fără gust concepută). pentru un efect extern).

Unele dintre descoperirile suprarealiste au fost folosite în zone comerciale. arte decorative, De exemplu iluzii optice, permițându-vă să vedeți două imagini sau scene diferite într-o singură imagine, în funcție de direcția de vizualizare.

Lucrările suprarealiştilor evocă cele mai complexe asocieri, ele pot fi identificate în percepţia noastră cu răul. Viziuni terifiante și vise idilice, violență, disperare - aceste sentimente apar în diverse versiuni în lucrările suprarealiştilor, influenţând activ privitorul, absurditatea operelor suprarealismului afectează imaginaţia asociativă şi psihicul.

Suprarealismul este un fenomen artistic controversat. Multe personalități culturale cu adevărat avansate, dându-și seama că această tendință distruge arta, au abandonat ulterior vederile suprarealiste (artiștii P. Picasso, P. Klee și alții, poeții F. Lorca, P. Neruda, regizorul spaniol L. Bunuel, care au realizat filme suprarealiste). Până la mijlocul anilor 1960, suprarealismul a lăsat locul unor noi ramuri și mai strălucitoare ale modernismului, dar lucrările bizare, mai ales urâte, fără sens ale suprarealiştilor încă umplu sălile muzeelor.

Modernism

pr. modernism, din lat. modernus - nou, modern. Desemnarea colectivă a tuturor celor mai recente tendințe, direcții, școli și activități ale maeștrilor individuali de artă ai secolului al XX-lea, rupând cu tradiția, realismul și luând în considerare experimentul ca bază metoda creativa(fauvism, expresionism, cubism, futurism, abstractionism, dadaism, suprarealism, pop art, op art, artă cinetică, hiperrealism etc.). Modernismul este apropiat ca semnificație de avangardism și este opus academismului. Modernismul a fost evaluat negativ de criticii de artă sovietici ca fiind un fenomen de criză al culturii burgheze. Arta are libertatea de a-și alege căile istorice. Contradicțiile modernismului, ca atare, trebuie considerate nu static, ci în dinamică istorică.

Arta pop

Engleză arta pop, din arta populara - arta populara. Direcția în art Europa de Vestși Statele Unite de la sfârșitul anilor 1950. Perioada de glorie a artei pop a venit în anii ’60, când au izbucnit revolte ale tinerilor în multe țări din Europa și America. Mișcarea de tineret nu avea un singur scop - era unită de patosul negării.

Tinerii erau gata să arunce peste bord toată cultura trecută. Toate acestea se reflectă în art.

O trăsătură distinctivă a artei pop este combinația dintre provocare și indiferență. Totul este la fel de valoros sau la fel de neprețuit, la fel de frumos sau la fel de urât, la fel de demn sau nu. Poate că doar afacerea de publicitate se bazează pe aceeași atitudine nepăsătoare de afaceri față de tot ce este în lume. Nu întâmplător a fost publicitatea care a avut un impact uriaș asupra artei pop, iar mulți dintre reprezentanții săi au lucrat și lucrează în continuare în centre de publicitate. Creatorii de reclame și spectacole sunt capabili să zdrobească în bucăți și să combine praful de spălat și faimoasa capodopera artă, pastă de dinţiși fuga lui Bach. Pop art face la fel.

Motivele culturii populare sunt exploatate de arta pop în moduri diferite. Obiectele reale sunt introduse în imagine prin colaj sau fotografii, de obicei în combinații neașteptate sau complet absurde (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Pictura poate imita tehnici de compoziție și tehnica panourilor publicitare, o imagine de benzi desenate poate fi mărită la dimensiunea unei pânze mari (R. Lichtenstein). Sculptura poate fi combinată cu manechine. De exemplu, artistul K. Oldenburg a creat asemănări ale modelelor de afișare ale produselor alimentare de dimensiuni uriașe din materiale neobișnuite.

Adesea nu există o graniță între sculptură și pictură. Piesă de artă arta pop adesea nu are doar trei dimensiuni, ci umple și întreg spațiul expozițional. Datorită unor astfel de transformări, imaginea originală a unui obiect de cultură de masă este transformată și percepută într-un mod complet diferit decât într-un mediu real de zi cu zi.

Principala categorie de artă pop nu este imagine artistică, ci „desemnarea” ei, care salvează autorul de procesul făcut de om al creării sale, imaginea a ceva (M. Duchamp). Acest proces a fost introdus pentru a extinde conceptul de artă și a include activități non-artistice în el, „ieșirea” artei în domeniul culturii de masă. Artiștii de artă pop au fost inițiatorii unor forme precum happening-ul, instalarea obiectelor, mediul și alte forme de artă conceptuală. Tendințe similare: underground, hiperrealism, op-art, ready-made etc.

Op art

Engleză op art, prescurtat. din arta optică - arta optică. O tendință în arta secolului XX, care s-a răspândit în anii 1960. Artiștii op art au folosit diverse iluzii vizuale, bazate pe percepția platului și figuri spațiale. Efectele mișcării spațiale, îmbinării, formelor plutitoare au fost obținute prin introducerea repetărilor ritmice, a contrastelor ascuțite de culoare și tonal, intersecția configurațiilor în spirală și rețea, a liniilor șerpuitoare. În op art, au fost adesea folosite instalații de lumină schimbătoare, construcții dinamice (discutate în continuare în secțiunea despre arta cinetică). Iluziile de mișcare curgătoare, o schimbare succesivă a imaginilor, o formă instabilă, în continuă reconstrucție, apar în op art doar în senzația privitorului. Regia continuă linia tehnică a modernismului.

artă cinetică

Din gr. kinetikos - punerea în mișcare. O tendință în arta contemporană asociată cu utilizarea pe scară largă a structurilor în mișcare și a altor elemente de dinamică. Cinetismul ca tendință independentă a luat contur în a doua jumătate a anilor 1950, dar a fost precedat de experimente de creare a plasticității dinamice în constructivismul rus (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodcenko), dadaism.

Anterior, arta populară ne-a arătat și mostre de obiecte și jucării în mișcare, cum ar fi păsările fericirii din lemn din regiunea Arhangelsk, jucării mecanice care imită procesele de muncă din satul Bogorodskoye etc.

În arta cinetică, mișcarea este introdusă în moduri diferite, unele lucrări sunt transformate dinamic de către privitorul însuși, altele - prin fluctuațiile mediului aerian, iar altele sunt puse în mișcare de un motor sau de forțe electromagnetice. Varietatea materialelor folosite este nesfârșită - de la mijloace tehnice tradiționale la ultramoderne, până la calculatoare și lasere. Oglinzile sunt adesea folosite în compozițiile cinetice.

În multe cazuri, iluzia mișcării este creată prin schimbarea luminii - aici cinetismul se îmbină cu op art. Tehnicile cinetice sunt utilizate pe scară largă în organizarea de expoziții, târguri, discoteci, în proiectarea de piețe, parcuri, interioare publice.

Cinetismul tinde spre sinteza artelor: mișcarea unui obiect în spațiu poate fi completată de efecte de lumină, sunet, muzică ușoară, un film etc.
Tehnici ale artei moderne (avangardiste).

hiperrealism

Engleză hiperrealism. O direcție în pictură și sculptură care a apărut în Statele Unite și a devenit un eveniment în lumea artelor plastice în anii 70 ai secolului XX.

Un alt nume pentru hiperrealism este fotorealismul.

Artiștii acestei tendințe au imitat o fotografie cu mijloace picturale pe pânză. Au descris lumea unui oraș modern: vitrine și restaurante, stații de metrou și semafoare, clădiri rezidențiale și trecători de pe străzi. Totodată, s-a acordat o atenție deosebită suprafețelor strălucitoare, reflectorizante de lumină: sticlă, plastic, lustruit auto, etc. Jocul de reflexii pe astfel de suprafețe creează impresia de întrepătrundere a spațiilor.

Scopul hiperrealiştilor a fost să înfăţişeze lumea nu doar în mod fiabil, ci şi super-probabil, super-real. Pentru a face acest lucru, au folosit metode mecanice de copiere a fotografiilor și de mărire a acestora la dimensiunea unei pânze mari (proiecție aeriană și grilă de scară). Vopseaua, de regulă, a fost pulverizată cu un aerograf pentru a păstra toate caracteristicile imaginii fotografice, pentru a exclude manifestarea scrisului individual al artistului.

În plus, vizitatorii expozițiilor din această direcție puteau întâlni în săli figuri umane realizate din materiale polimerice moderne la dimensiune mare, îmbrăcate în haine gata făcute și pictate în așa fel încât să nu se deosebească deloc de public. Acest lucru a provocat multă confuzie și a șocat oamenii.

Fotorealismul și-a propus sarcina de a ne ascuți percepția asupra vieții de zi cu zi, simbolizând mediul modern, reflectând timpul nostru sub forme de „ arte tehnice”, larg răspândit tocmai în era noastră a progresului tehnologic. Fixând și expunând modernitatea, ascunzând emoțiile autorului, fotorealismul în lucrările sale programatice s-a găsit la granița artei plastice și aproape a trecut-o, pentru că a căutat să concureze cu viața însăși.

Gata făcută

Engleză gata făcut - gata. Una dintre tehnicile comune ale artei moderne (avangardiste), care constă în faptul că subiectul producției industriale iese din mediul obișnuit de zi cu zi și este expus în sala de expoziție.

Semnificația readymade-ului este următoarea: atunci când mediul se schimbă, se schimbă și percepția asupra obiectului. Privitorul vede în obiectul de pe podium nu un lucru utilitar, ci un obiect artistic, expresivitatea formei și a culorii. Denumirea readymade a fost folosită pentru prima dată în 1913-1917 de M. Duchamp în legătură cu „obiectele gata făcute” ale sale (pieptene, roată de bicicletă, uscător de sticle). În anii 60, ready-made-ul s-a răspândit în diverse domenii ale artei avangardiste, în special în dadaism.

instalare

Din engleza. instalare - instalare. O compoziție spațială creată de un artist din diverse elemente - articole de uz casnic, produse și materiale industriale, obiecte naturale, informații textuale sau vizuale. Fondatorii instalaţiei au fost dadaistul M. Duchamp şi suprarealiştii. Creând combinații neobișnuite de lucruri obișnuite, artistul le oferă un nou sens simbolic. Conținutul estetic al instalației este în jocul semnificațiilor semantice, care se schimbă în funcție de locul în care se află obiectul - într-un mediu cotidian familiar sau într-o sală de expoziție. Instalația a fost creată de mulți artiști de avangardă R. Rauschenberg, D. Dine, G. Ucker, I. Kabakov.

Instalarea este o formă de artă răspândită în secolul al XX-lea.

Mediu inconjurator

Engleză mediu - mediu, mediu. O compoziție spațială extinsă, care îmbrățișează privitorul ca un mediu real, este una dintre formele caracteristice artei de avangardă a anilor 60 și 70. Mediul naturalist care imit un interior cu figuri de oameni a fost creat de sculpturile lui D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg, D. Hanson. Astfel de repetiții ale realității ar putea include elemente de ficțiune delirante. Un alt tip de mediu este un spațiu de joacă care implică anumite acțiuni ale publicului.

Se întâmplă

Engleză intamplare - intamplare, intamplare. Un fel de acționism, cel mai des întâlnit în arta avangardă a anilor 60-70. Happening-ul se dezvoltă ca un eveniment, mai degrabă provocat decât organizat, dar inițiatorii acțiunii implică neapărat publicul în el. Happening-ul a apărut la sfârșitul anilor 1950 ca o formă de teatru. În viitor, artiștii sunt cel mai adesea implicați în organizarea de întâmplări direct în mediul urban sau în natură.

Ei privesc aceasta forma ca pe un fel de lucrare in miscare in care mediu inconjurator, obiectele joacă un rol nu mai puțin decât participanții vii la acțiune.

Acțiunea întâmplării provoacă libertatea fiecărui participant și manipularea obiectelor. Toate acțiunile se desfășoară conform unui program planificat în prealabil, în care, totuși, se acordă o mare importanță improvizației, care dă aer liber la diverse impulsuri inconștiente. Evenimentul poate include elemente de umor și folclor. Evenimentul a exprimat în mod clar dorința avangardei de a îmbina arta cu cursul vieții în sine.

Și, în sfârșit, cea mai avansată formă de artă contemporană - Superplanul

Superplan

Superflat este un termen inventat de artistul japonez contemporan Takashi Murakami.

Termenul Superflat a fost creat pentru a explica noul limbaj vizual folosit în mod activ de o generație de tineri artiști japonezi, precum Takashi Murakami: „Mă gândeam la realitățile desenului și picturii japoneze și la modul în care acestea diferă de arta occidentala. Pentru Japonia, sentimentul de planeitate este important. Cultura noastră nu este 3D. Formele 2D stabilite în pictura istorică japoneză sunt asemănătoare cu limbajul vizual simplu și plat al animației, benzilor desenate și al designului grafic modern.”