100 RUR bonus pentru prima comandă
Selectați tipul locului de muncă Munca de absolvent Lucrări de curs Rezumat Teză de master Raport de practică Articol Raport de revizuire Test Monografie Rezolvarea problemelor Plan de afaceri Răspunsuri la întrebări Munca creativa Eseu Desen Eseuri Traducere Prezentări Dactilografiere Altele Creșterea unicității textului Teză de master Lucrări de laborator Ajutor online
Aflați prețul
Secolul al XX-lea a intrat în istoria culturală ca un secol de experimentare, care mai târziu a devenit adesea norma. Acesta este momentul apariției diferitelor declarații și școli, care au încălcat adesea tradițiile lumii. Deci, să spunem, a fost criticată inevitabilitatea imitației frumosului, despre care G. Lessing a scris în lucrarea sa „Laocoon, or On the Boundaries of Painting and Poetry”. Dimpotrivă, artistul a început să imite dezgustătorul, care în antichitate era interzis sub pedeapsa.
Punctul de plecare al esteticii a fost urâtul; respingerea proporțiilor armonioase a încălcat aspectul artei, în care accentul se pune pe deformare și pe figuri geometrice.
Termenul de „modernism” apare la sfârșitul secolului al XIX-lea și este atribuit, de regulă, fenomenelor nerealiste din arta care urmează decadenței. Cu toate acestea, ideile care i-au dat conținut fuseseră întâlnite înainte. Este suficient să ne amintim „Florile răului” de Charles Baudelaire.
Modernismul (modernism francez - din moderne - newest, modo - just) ca mișcare filozofică și estetică are următoarele etape (le evidențiem condiționat):
Avangardă, situată în timp între războaie;
Neoavangardă (anii 50–60);
Postmodernismul (anii 70–80).
Vorbind despre avangardă ca parte a modernismului, observăm că critica occidentală adesea nu folosește acești termeni, preferând „avangarda”.
Modernismul continuă tendința nerealistă în literatura din trecut și trece în literatura din a doua jumătate a secolului XX.
Modernismul este metoda creativa, iar sistemul estetic, reflectat în activitate literară un număr de școli, adesea foarte diferite în declarațiile lor de program.
1) pierderea unui punct de sprijin;
2) o ruptură cu viziunea tradițională asupra lumii a Europei creștine;
3) subiectivism, deformare a lumii sau a textului literar;
4) pierderea unui model integral al lumii, crearea unui model al lumii de fiecare dată din nou la discreția artistului;
5) formalism.
Modernismul este o mișcare literară, pestriță în alcătuirea, aspirațiile politice și manifestele ei, care include multe școli, grupări diferite, unite de o viziune pesimistă asupra lumii, dorința artistului de a nu reflecta realitatea obiectivă, ci de a se exprima, cu accent pe subiectivism și deformare.
Originile filozofice ale modernismului se regăsesc în lucrările lui S. Freud, A. Bergson, W. James.
Modernismul poate fi decisiv în opera unui scriitor în ansamblu (F. Kafka, D. Joyce) sau poate fi resimțit ca una dintre tehnicile care au avut o influență semnificativă asupra stilului artistului (M. Proust, W. Wolfe).
Modernismul ca mișcare literară care a măturat Europa la începutul secolului are următoarele varietăți naționale:
suprarealismul francez și ceh;
futurism italian și rus;
Imagismul englez și școala „fluxul conștiinței”;
expresionismul german;
Hermetismul american și italian;
primitivism suedez;
unanimismul și constructivismul francez;
ultraism spaniol;
creaționismul latino-american.
Care este caracteristica avangardismului ca etapă a modernismului? Cuvântul avangardă însuși (din franceză avangardă - detașament avansat) provine din vocabularul militar, unde denotă un mic detașament de elită care pătrunde în teritoriul inamic înaintea armatei principale și deschid calea acesteia, și sensul istoric al artei. al acestui termen, ca neologism, a fost folosit de Alexander Benois (1910), dobândit în primele decenii ale secolului al XX-lea. De atunci, avangarda clasică a fost numită o colecție de mișcări, mișcări și școli artistice eterogene și semnificative diferit.
Contururile avangardismului, care unește din punct de vedere istoric diverse direcții - de la simbolism și cubism la suprarealism și arta pop, sunt, de asemenea, evazive; Se caracterizează printr-o atmosferă psihologică de rebeliune, un sentiment de gol și singurătate și o orientare spre viitor, care nu este întotdeauna clar reprezentată.
După cum notează omul de știință ceh Jan Mukarzovsky, „avangarda se străduiește să scape de imperfecțiunile trecutului și ale tradițiilor”.
Este semnificativ faptul că arta de avangardă care s-a dezvoltat rapid în anii zeci și douăzeci s-a dovedit a fi îmbogățită cu o idee revoluționară (uneori doar condiționat simbolică, așa cum a fost cazul expresioniștilor, care au scris despre revoluție în sfera spiritului, revoluție în general). Aceasta a dat optimism avangardei, pictându-și pânzele în roșu și a atras atenția artiștilor revoluționari care au văzut în avangardism un exemplu de protest anti-burghez (B. Brecht, L. Aragon, V. Nezval, P. Eluard). ). Avangarismul nu îndepărtează pur și simplu realitatea - se îndreaptă spre realitatea ei, bazându-se pe legile imanente ale artei. Avangarda a respins formele stereotipe ale conștiinței de masă, nu a acceptat războiul, nebunia tehnocrației sau înrobirea omului. Avangarda a pus în contrast mediocritatea și ordinea burgheză, logica canonizată a realiștilor cu rebeliune, haos și deformare, iar moralitatea filistenilor cu libertatea sentimentelor și imaginația nelimitată. Înaintea timpului său, avangarda a actualizat arta secolului XX, a introdus teme urbane și noi tehnici în poezie, noi principii de compoziție și diferite stiluri funcționale de vorbire, design grafic (ideograme, refuzul punctuației), vers liber și variațiile sale.
3. Principalele mișcări artistice și estetice din prima jumătate a secolului XX
Să considerăm dadaismul, suprarealismul, expresionismul, futurismul și imagismul drept cele mai proeminente mișcări de avangardă literatură străină prima treime a secolului XX.
DADAISMUL (din franceza dada - baby talk without sens) este predecesorul imediat al suprarealismului. S-a conturat la Zurich, capitala Elveției neutre, prin eforturile poeților emigranți din țările în război (T. Tzara, R. Gulsenbeck), care au publicat revista „Cabaret Voltaire” (1916–1917). Dadaiștii au declarat absurditate și o atmosferă de scandal, dezertare, exprimând proteste împotriva Primului Război Mondial și dorința de a scoate publicul din automulțumire. Forma estetică a protestului lor a fost arta ilogică și irațională, adesea seturi de cuvinte și sunete fără sens, compilate folosind metoda colajului Dada. „Aceste două silabe și-au atins scopul, au atins „foarte lipsă de sens”, o nesemnificație absolută”, a scris Andre Gide în articolul „Dada”. „Cea mai mare recunoștință față de arta trecutului și capodoperele sale perfecte”, reflectă scriitor francez, - este de a lăsa orice pretenții la reînnoirea acestora. Perfectul este ceva care nu mai poate fi reprodus, iar a pune trecutul în față înseamnă a bloca calea către viitor.”
Cel mai remarcabil dintre dadaiști este poetul elvețian Tristan Tzara (1896–1963), autorul cărților „Șapte manifeste ale Dada” (1924), „Omul aproximativ” (1931), celebrele „Cântece ale Dada”, care joacă pe imagini aleatorii, asocieri neașteptate și, în același timp, există și un element de parodie a romanului pulp și a poeziei naturaliste. Într-o oarecare măsură, sensul poeziei lui Tzara și al dadaiștilor în general este transmis prin cuvintele sale: „Scriu un manifest și nu vreau nimic, între timp spun ceva și, în principiu, sunt împotriva manifestelor. , așa cum sunt împotriva principiilor.” În aceste cuvinte există o negație care își va găsi dezvoltarea ulterioară în suprarealismul francez și expresionismul german, ale căror programe se vor alătura dadaiștii.
SURREALISMUL (din francezul sure?alite - super-realitate) dezvoltat în Franţa; programul său este prezentat în „Manifestul suprarealismului”, scris de A. Breton cu participarea lui L. Aragon în 1924, și în manifestul apărut în ianuarie 1925. În loc să înfățișeze realitatea obiectivă, scopul artei în ele este declarat a fi o supra-realitate suprasensibilă și lumea subconștientului, iar ca principală metodă de creație, „scrierea automată”, o metodă de expresivitate necontrolată și combinarea dintre lucruri incompatibile.
Suprarealismul a căutat să elibereze esența omului, suprimată de civilizație, și să comunice influențând impulsurile subconștiente. „Manifestul suprarealismului” a adus un omagiu descoperirilor lui S. Freud în domeniul psihicului uman și a atras atenția asupra viselor ca aspect important al activității mentale. A. Breton nota în lucrarea sa: „Suprarealismul... Automatism mental pur, cu scopul de a exprima fie oral, fie în scris, fie în orice alt mod funcționarea reală a gândirii. Dictarea gândirii este dincolo de orice control al rațiunii, dincolo de orice considerație estetică sau morală.” Cuvântul „suprrealism” în sine a fost folosit pentru prima dată de G. Apollinaire în prefața dramei sale „Sânii lui Tiresias”, unde autorul a cerut iertare pentru neologismul pe care l-a inventat. Avea nevoie de ea pentru a reînnoi teatrul, pentru a-l returna naturii însăși, fără a o repeta: „Când o persoană a decis să imite mersul, a creat o roată - un obiect spre deosebire de un picior. A fost suprarealism inconștient.” Componentele unei imagini suprareale sunt deformarea, o combinație de lucruri incompatibile și asociativitatea liberă. Cuvântul a fost folosit de suprarealiști într-o funcție de joc.
Poetica suprarealismului se caracterizează prin: separarea unui obiect în părțile sale componente și „rearanjarea” acestora, spațiul cosmic convențional, atemporalitate și statica colajului. Toate acestea sunt ușor de văzut în picturile lui S. Dali, în poezia lui F. Soupault, J. Cocteau. Iată poezia „Din basm” a poetului ceh Vitezslav Nezval, care creează o impresie suprarealistă bazată pe realități obișnuite, combinate capricios contrar logicii și sensului, dar conform legii fanteziei:
Cineva la pianul vechi
Zvonul este chinuit de minciună.
Și sunt într-un castel de sticlă
Am lovit muște cu aripi de foc.
Mâner de alabastru
Nu m-am îmbrățișat.
Prințesa îmbătrânește.
A devenit o bătrână...
Pianul deplânge încet:
Imi pare rau pentru ea...
Și inima mea adormită cântă:
A fost - nu,
A fost - nu,
Bim - Bam.
(Trad. de V. Ivanov)
Istoria școlii suprarealismului s-a dovedit a fi de scurtă durată. Școala franceză, precum cea cehă, poloneză și chiar mai devreme spaniolă și multe altele care au apărut în tari diferite Europa și-a simțit inadecvarea în fața amenințării fascismului și a iminentului Al Doilea Război Mondial și s-a dizolvat. Suprarealismul a influențat însă arta secolului al XX-lea: poezia lui P. Eluard, L. Aragon, V. Nezval, F. Lorca, pictura și artele decorative, cinematograful, totul în jur. omul modern spaţiu.
EXPRESIONISM (expresie franceză – expresie). ÎN anii dinainte de război iar în timpul Primului Război Mondial, expresionismul, arta expresiei, a cunoscut o perioadă scurtă, dar strălucitoare. Principalul postulat estetic al expresioniştilor nu este acela de a imita realitatea, ci de a-şi exprima atitudinea negativă faţă de aceasta. Poetul și teoreticianul expresionist Casimir Edschmid a susținut: „Lumea există. Nu are rost să o repeți.” Făcând acest lucru, el și adepții săi au contestat realismul și naturalismul. Artiști, muzicieni și poeți, grupați în jurul pictorului rus V. Kandinsky, au publicat almanahul „Călărețul albastru” la Munchen. Ei și-au propus sarcina de a se elibera de dependența de subiect și de complot, atrăgând direct cu culoarea sau sunetul la lumea spirituală a omului. În literatură, ideile expresionismului au fost preluate de poeți care au căutat să exprime experiențe erou liricîn stare de pasiune. De aici imaginea exagerată a versului, confuzia de vocabular și arbitraritatea sintaxei și ritmul isteric. Poeții, dramaturgii și artiștii apropiați expresionismului au fost rebeli în artă și în viață. Ei căutau forme noi, scandaloase de auto-exprimare; lumea în lucrările lor era prezentată într-o formă grotească, realitatea burgheză - sub formă de caricaturi.
Astfel, după ce a proclamat teza despre prioritatea artistului însuși, și nu realitatea, expresionismul a pus accent pe expresia sufletului artistului, a eului său interior. Expresie în loc de imagine, intuiție în loc de logică - aceste principii, în mod firesc, nu puteau decât să influențeze apariția literaturii și artei.
Reprezentanți ai expresionismului: în artă (E. Barlach, E. Kirchner, O. Kokoschka, A. Schoenberg, B. Bartok), în literatură (F. Werfel, G. Grackl, G. Heim etc.).
Stilul poeziei expresioniste este marcat de patos, hiperbolă și simbolism.
Lucrarea artiștilor expresioniști a fost interzisă în Germania nazistă ca fiind dureroasă, decadentă și incapabilă de a servi politicilor nazismului. Între timp, experiența expresionismului este productivă pentru mulți artiști, ca să nu mai vorbim de cei care au fost direct influențați de programul său (F. Kafka, J. Becher, B. Kellerman, L. Frank, G. Hesse). Lucrările acestuia din urmă reflectau o trăsătură esențială a expresionismului - gândirea în categorii filozofice. Una dintre cele mai importante teme ale artei secolului XX - alienarea ca urmare a civilizației burgheze care a suprimat omul în stat, o temă filosofică centrală pentru viziunea asupra lumii a lui Kafka - a primit o dezvoltare detaliată de la expresioniști.
FUTURISM (futurismo italian din latină futurum - viitor) este o mișcare artistică de avangardă din anii 1910 - începutul anilor 1920 ai secolului XX, cel mai pe deplin manifestată în Italia (locul de naștere al futurismului) și Rusia. Au fost futuriști în alte țări europene - Germania, Anglia, Franța, Polonia. Futurismul s-a făcut cunoscut în literatură, pictură, sculptură și, într-o măsură mai mică, în muzică.
futurismul italian. Ziua de naștere a futurismului este considerată a fi 20 februarie 1909, când „Manifestul futurist” scris de T. F. Marinetti a apărut în ziarul parizian Le Figaro. T. Marinetti a devenit teoreticianul și liderul primului grup milanez de futuriști.
Nu întâmplător a apărut futurismul în Italia, o țară-muzeu. „Nu avem viață, ci doar amintiri ale unui trecut mai glorios... Trăim într-un sarcofag magnific, în care capacul este înșurubat strâns pentru a nu pătrunde aerul proaspăt”, s-a plâns T. Marinetti. Aducerea compatrioților tăi în Olimpul culturii europene moderne este ceea ce a stat, fără îndoială, în spatele tonului șocant de tare al manifestului. Un grup de tineri artiști din Milano, apoi din alte orașe, au răspuns imediat apelului lui Marinetti - atât cu creativitatea lor, cât și cu propriile manifeste. La 11 februarie 1910 apare „Manifestul Artiștilor Futuristi”, iar la 11 aprilie a aceluiași an - „Manifestul Tehnic al Picturii Futuriste”, semnat de U. Boccioni, G. Balla, C. Carr, L. Russolo. , G. Severeni de cei mai marcanți artiști - futuriști. În toate lucrările sale, atât teoretice, cât și artistice (poezii, romanul „Mafarka futuristul”) T. Marinetti, ca și asociații săi, au negat nu numai valorile artistice, ci și etice ale trecutului.
Milă, respect pentru persoana umană, iubire romantica. Intoxicati de ultimele realizari ale tehnologiei, futuristii au cautat sa taie „tumoarea canceroasa” a vechii culturi cu cutitul tehnicismului si ultimele realizari ale stiintei. Futuristii au susținut că noua tehnologie schimbă și psihicul uman, iar acest lucru necesită o schimbare a tuturor mijloacelor vizuale și expresive ale artei. ÎN lumea modernă au fost în special fascinați de viteză, mobilitate, dinamică și energie. Și-au dedicat poeziile și picturile mașinii, trenului și electricității. „Căldura care emană dintr-o bucată de lemn sau de fier ne entuziasmează mai mult decât zâmbetul și lacrimile unei femei”, „Arta nouă nu poate fi decât violență, cruzime”, a declarat Marinetti.
Viziunea asupra lumii a futuriștilor a fost puternic influențată de ideile lui Nietzsche cu cultul său „supraomului”; filozofia lui Bergson, care afirmă că mintea este capabilă să cuprindă numai tot ce este osificat și mort; lozinci rebele ale anarhiștilor. Un imn la putere și eroism - în aproape toate lucrările futuriștilor italieni. Omul viitorului, în opinia lor, este un „om mecanic cu părți înlocuibile”, omnipotent, dar fără suflet, cinic și crud.
Ei au văzut curățarea lumii de „gunoi” în războaie și revoluții. „Războiul este singura igienă din lume”, „Cuvântul „libertate” trebuie să se supună cuvântului Italia”, a proclamat Marinetti. Chiar și numele colecțiilor de poezie - „Lovituri de pistol” de Lucini, „Poezii electrice” de Govoni, „Baionete” de A. D. Alba, „Avioane” de Buzzi, „Cântecul motoarelor” de L. Folgore, „Incendiarul” de Palazzeschi - vorbesc de la sine.
Sloganul cheie al futuriștilor italieni în literatură a fost sloganul - „Cuvintele sunt libere!” - nu exprima sensul în cuvinte, ci lasă cuvântul însuși să controleze sensul (sau nonsensul) poeziei. În pictură și sculptură, futurismul italian a devenit precursorul multor descoperiri și mișcări artistice ulterioare. Astfel, Boccioni, care a folosit o varietate de materiale într-o singură sculptură (sticlă, lemn, carton, fier, piele, păr de cal, îmbrăcăminte, oglinzi, becuri etc.), a devenit vestitorul artei pop.
IMAGISMUL a apărut ca mișcare în 1908 în măruntaiele „Clubului Poeților” din Londra. Fosilizarea formelor poetice familiare i-a forțat pe tinerii scriitori să caute noi căi în poezie. Primii imagiști au fost Thomas Ernest Hume și Francis Flint. În 1908, a fost publicată faimoasa poezie „Toamna” a lui Hume, surprinzând pe toți cu comparații neașteptate: „Luna stătea lângă gard, // Ca un fermier cu fața roșie”, „Stelele ciubucioase s-au înghesuit, // Similar copiilor orașului” ( traducere de I. Romanovici) . În 1909, poetul american Ezra Pound s-a alăturat grupului.
Liderul și autoritatea incontestabilă din grup a fost Thomas Ernest Hume. Până atunci, el și-a format convingeri ferme: „Imaginile din poezie nu sunt doar decorațiuni, ci însăși esența limbajului intuitiv”, iar scopul poetului este să caute „brută, perspectivă neașteptată”. Potrivit lui Hume, „noile versuri seamănă mai mult cu sculptura decât cu muzica și se adresează mai mult vederii decât urechii”. Experimentele ritmice ale imagistilor sunt interesante. Hume a cerut „spărgerea rimei canonice” și abandonarea construcțiilor metrice corecte. În „Clubul Poeților” au apărut tradițiile versurilor în limba engleză și versurilor libere. Cu toate acestea, până în 1910, întâlnirile „Clubului Poeților” au devenit treptat din ce în ce mai rare, apoi au încetat să mai existe. Hume a murit câțiva ani mai târziu pe unul dintre fronturile Primului Război Mondial.
Al doilea grup de imagiști s-a adunat în jurul lui Ezra Pound. În octombrie 1912, Ezra Pound a primit de la tânăra poetă americană Hilda Doolittle, care se mutase în Anglia cu un an mai devreme, o selecție a poeziei sale care l-a uimit prin „laconismul lor imaginar”. Hilda Doolittle și-a adus iubitul și viitorul soț în grup. Acesta a fost celebrul romancier englez Richard Aldington. Un semn al celei de-a doua etape a Imagismului a fost un apel la antichitate (R. Aldington a fost și traducător al poeziei grecești antice). În acești ani, Pound și-a formulat celebrele „Câteva interdicții” - porunca imagismului, explicând cum ar trebui, sau mai degrabă, cum nu ar trebui să scrie poezie. El a subliniat că „poezia figurativă este ca sculptura înghețată în cuvinte” (amintiți-vă: Hume a scris despre același lucru).
Rezultatul celei de-a doua etape din istoria Imagismului a fost antologia poetică „Des Imagistes” culesă de Pound (1915), după care Pound a părăsit grupul și a plecat în Franța. Războiul a început, iar centrul imagismului a început să se mute din Anglia în război în America.
A treia etapă în dezvoltarea imagismului este americană. Liderul grupului de imagiști a fost poetul american Amy Lowell (1874–1925) din proeminenta familie Boston Lowell, care l-a produs pe faimosul poet James Russell Lowell în secolul al XIX-lea. Tema principală a poemelor lui Amy Lowell este admirarea naturii. Meritul poetesei sunt cele trei antologii imagistice pe care le-a pregătit una după alta.
Antologiile imagistice au prezentat poezii ale romancierilor celebri David Herbert Lawrence, James Joyce și Ford Madox Ford (1873–1939), precum și poezii de Thomas Stearns Eliot, precum și alți doi piloni viitori ai poeziei americane, Carl Sandburg (1878–1967). ). .) și foarte tânărul William Carlos Williams (1883–1963).
Compilatorul „Anthologiei imagisticii” publicat în Rusia în 2001, Anatoly Kudryavitsky, a scris în prefața acesteia:
„În poezia țărilor de limbă engleză, aproape un deceniu și jumătate a trecut sub semnul imagismului - aproape tot începutul secolului. Poeții imagiști au luptat pentru a actualiza limbajul poetic, au eliberat poezia din cușca versurilor obișnuite și au îmbogățit literatura cu noi forme poetice, cu o gamă largă de ritmuri, varietate de dimensiuni de strofe și versuri, imagini neașteptate.”
După ce am examinat mai multe mișcări de avangardă și opera unor scriitori majori, se poate susține că avangardismul ca mișcare artistică se caracterizează prin subiectivism și o viziune general pesimistă asupra progresului și istoriei, o atitudine non-socială față de om, o încălcare. a conceptului holistic de personalitate, armonia vieții externe și interioare, ea socială și biologică. În ceea ce privește viziunea asupra lumii, modernismul a argumentat cu imaginea apologetică a lumii și a fost anti-burghez; în acelaşi timp, era alarmat de inumanitatea activităţii practice revoluţionare. Modernismul a apărat individul, i-a proclamat valoarea intrinsecă și suveranitatea, natura imanentă a artei. În poetică, el a testat tehnici și forme neconvenționale, opuse realismului, s-a concentrat pe exprimarea liberă a creatorului și, prin urmare, a influențat arta realistă. Granița dintre modernism și realism într-o serie de exemple specifice din creativitate autori moderni este destul de problematică, deoarece, conform observației celebrului critic literar D. Zatonsky, „modernismul... nu apare în forma sa chimic pură”. Este o parte integrantă a panorama artistică a secolului XX.
Secolul al XX-lea a intrat în istoria culturală ca un secol de experimentare, care mai târziu a devenit adesea norma. Acesta este momentul apariției diverselor declarații, manifeste și școli, deseori încălcând tradiții vechi de secole și canoane imuabile. De exemplu, inevitabilitatea imitării frumosului, despre care Lessing a scris în lucrare celebră„Laocoon, sau la granițele picturii și poeziei”. Punctul de plecare al esteticii a fost urâtul.
Termenul de modernism apare la sfârșitul secolului și este atribuit, de regulă, fenomenelor nerealiste din arta ulterioară decadenței. Cu toate acestea, căutarea modernismului este precedată atât de precizie, cât și de manierism, de frescele suprarealiste ale lui Hieronymus Bosch, „Florile răului” de Charles Baudelaire și de programe de „artă pură”.
Modernismul ca fenomen filozofic și estetic are următoarele etape: avangardă (între războaie), neoavangardă (anii 50-60), care este destul de controversată, dar are temeiuri, postmodernismul (anii 70-80)
Modernismul continuă tendința nerealistă din literatura trecutului și trece în a doua jumătate a secolului XX.
Modernismul este atât o metodă creativă, cât și un sistem estetic, care se reflectă în activitățile literare ale unui număr de școli, adesea foarte diferite în declarațiile lor programatice. Trăsături comune: pierderea unui punct de sprijin, ruperea atât cu pozitivismul secolului, cât și cu viziunea tradițională asupra lumii a Europei creștine, subiectivism, deformarea lumii sau a textului artistic, pierderea unui model holistic al lumii, crearea unui model al lumii. lume de fiecare dată din nou la voința artistului, formalism.
Era la sfârșitul secolului. Mișcările formaliste apar în literatură și artă - formalism, naturalism . Naturaliștii o bazează pe filosofia pozitivismului, care refuză generalizarea cunoștințelor, stabilirea legilor realității și își pune sarcina doar de a descrie realitatea.
Devastări postbelice și apoi o perioadă de stabilizare în anii 20. a devenit solul social pe care a crescut arta modernistă a anilor 20-30. Prăbușirea fundamentelor obișnuite ale vieții în primul razboi mondial a implicat dorința de a actualiza și reface arta veche, deoarece nu mai putea satisface nevoile societății. Așa iau naștere mișcările formaliste din literatură și artă: futurism, dadaism și suprarealism etc. Ele cresc dintr-un sol social comun, reflectând în mod obiectiv confuzia unei persoane doborâte din rutina lui obișnuită de evenimentele Primului Război Mondial. El a încetat să mai înțeleagă lumea, care înainte era atât de stabilă și explicabilă. Unele forțe necunoscute l-au aruncat într-un haos sângeros de națiuni, într-un vârtej clocotitor de evenimente. Din acest masacru a ieșit viu, dar confuz; a reușit să urască aceste forțe fără să-și dea seama că erau guvernate de legi obiective. Tocmai și-a dat seama că totul în lume nu este stabil.
În fața unui pericol necunoscut, mulți oameni dezvoltă un sentiment de incertitudine și, în același timp, dorința de a se răzvrăti, de a protesta în fața societății.
Toate aceste direcții ale începutului de secol al XX-lea, în care au apărut trăsăturile unei crize și declin spiritual profund, spiritul îndoielii, nihilismul, descurajarea, începând de la cele apărute în secolul al XIX-lea. impresionism și simbolism, acționează sub steagul inovației, care exprimă cel mai pe deplin spiritul interior al noii ere.
Critica, susținând pretențiile de noutate, a început să numească aceste tendințe secolul XX. modernism. În timpul Primului Război Mondial, mișcările moderniste ( cubism, suprematism, suprarealism) V cantitati mari apar în literatură și artă. Modernismul ca mișcare literară care a măturat Europa la începutul secolului a avut următoarele varietăți naționale: suprarealismul francez și ceh, futurismul italian și rus, imagismul englez și școala „fluxul conștiinței”, expresionismul german, primitivismul suedez etc.
De regulă, toate mișcările moderniste au proclamat „arta de dragul artei”, respingând ideologia și realismul.
Metoda creativității lor este formalism: în loc de imagini ale lumii obiective, apar asocieri subiective, un joc de impulsuri subconștiente.
În perioada de stabilizare, largi secțiuni ale intelectualității găsesc satisfacție în renașterea teoriilor filozofice idealism subiectiv. S-au săturat de rațiune și de realism grosolan; sunt impresionați de învățătura despre impulsurile subconștiente ale omului, despre o lume necontrolată de rațiune. Ei tânjesc la libertate personală deplină.
Așa devin la modă teoriile bergsonianismului și freudianismului.
Psihiatrul austriac Sigmund Freud, bazându-se pe mulți ani de experiență, creează teoria psihanalizei, care a avut un impact semnificativ asupra conceptului de personalitate în literatura secolului XX. Freud a transformat teoria psihanalizei dintr-o metodă de tratare a nevrozelor într-o metodă universală de înțelegere a personalității umane la un nivel profund. Dar filozoful Freud este un idealist subiectiv consecvent. El susține că acțiunile umane se bazează pe forțele întunecate ale instinctului. Freud a pus în contrast Homo sapiens cu Omul instinctiv și inconștient.
Revenind la analiza experiențelor mentale umane, Freud consideră că sarcina principală este pătrunderea în lumea subconștientului și în lumea instinctelor, căci este convins că doar studiul acestor principii. existența umană poate explica comportamentul uman.
Studiind tot felul de abateri ale psihicului în clinică, Freud a ajuns la concluzia că „conștiința nu este stăpâna propriei case”, că cel mai adesea este absentă, iar „eu” uman se străduiește să evite necazurile și să obțină plăcere. . În același timp, Freud susține că începutul dominant al tuturor acțiunilor umane este subconștientul său, unde atribuie frica și foamea, adică Freud caută să explice cu categoriile subconștientului. fenomene sociale, negând influența cauzelor sociale asupra comportamentului uman și asupra psihicului. Freud a studiat mecanismele comportamentului patologic al oamenilor, a examinat alunecările de limbă, alunecările de limbă și visele, dovedind că tulburările mintale diferă de sănătatea mintală nu calitativ, ci cantitativ. Freud a exprimat ideea unei misiuni speciale pentru artă: ocupând o etapă intermediară între sănătate și nevroză, arta, după Freud, îndeplinește o funcție psihoterapeutică, compensând în activitatea spirituală și artistică ceea ce este de neatins în realitate.
Modernismul a luat psihanaliza și asocierea liberă de la Freud ca o modalitate de explorare a inconștientului, a luat conceptul de creator autonom care este autoritatea finală.
În literatura realistă, influența ideilor lui Freud este ușor de observat în atenția la ambivalența (antagonismul) sentimentelor ca fenomen al vieții mentale (dragoste – ură, atracție – repulsie, prietenie – invidie), în reabilitarea sexualității, care, grație psihanalizei, a intrat în paradigma culturală a secolului, în atenție sporită la instinctiv și subconștient în comportamentul uman.
Studentul și adeptul lui Freud, psihologul și psihiatru elvețian Carl Gustav Jung (1875-1961), a introdus conceptul de arhetip - un stereotip stabil și aproape neschimbat al comportamentului uman. Se dezvăluie la nivel subconștient, în stratul psihic unde se păstrează arhaicul mituri antice, fragmente de rituri magice primitive, imagini artisticeși temeri atavice. Conceptul de inconștient, introdus de Jung, a pătruns pe scară largă în cultura artistică a secolului, încorporând experiența generațiilor anterioare, experiența cu care se naște și există o persoană, chiar și fără a ști nimic despre aceasta. Inconștientul colectiv apare sub forma simbolurilor și arhetipurilor ca un limbaj universal, cifr și cod al întregii istorii a culturii umane.
Productiv pentru fictiune De asemenea, s-a dovedit că ideea unei măști propusă de Jung, care a continuat ideile psihologului american William James (1842-1910), care credea că în mintea unei persoane normale pot exista mai multe ipostaze, că în practica o persoană are atât de multe personalități sociale diferite câte grupuri de oameni sunt diferite, opinia pe care o prețuiește.
Filosofia intuiționismului a filozofului idealist francez Henri Bergson este strâns legată de teoria lui Freud.
Henri Bergson, care și-a publicat lucrările încă din secolul al XIX-lea, învață că factorii determinanți în viata umana nu este conștiința obiectivă, ci subconștientul, care poate fi înțeles doar intuitiv. Fluxul conștiinței, în care diverse asociații și amintiri involuntare curg ca niște râuri, s-a realizat doar treptat - acesta este ceea ce, potrivit lui Bergson, ar trebui să devină obiectul de studiu atât pentru filosof, cât și pentru om de știință. Doar intuiția poate face posibilă cunoașterea directă a adevărului, iar această cunoaștere are loc în afara procesului de percepție senzorială și rațională a mediului. Învățătura lui Bergson provine dintr-o neîncredere în intelect, care are o semnificație pur practică. Intelectul nu poate explica procesele profunde ale psihicului; numai intuiția este capabilă de acest lucru. Limbajul, potrivit lui Bergson, este, de asemenea, incapabil să exprime toate nuanțele experiențelor interne; în literatură, analiza realității este înlocuită. descriere artistică stări mentale.
Școala literară, care s-a bazat pe teoria lui S. Freud, care a atras scriitori cu posibilitățile sale largi de dezvăluire a psihicului uman, s-a răspândit.
„Psihanaliza” lui Freud a devenit baza pentru reprezentarea omului în lucrările lui M. Proust, Andre Gide și în dramele lui T. Williams.
Ideile de modernism în opera artiștilor și școlilor individuale, în fiecare lucrare specifică, primesc adesea o interpretare diferită. Modernismul poate fi decisiv în opera unui scriitor în ansamblu (F, Kafka, D. Joyce) sau poate fi resimțit ca una dintre tehnicile care are un impact semnificativ asupra stilului artistului (M. Proust, W. Wolfe). Modernismul a ajutat la atragerea atenției asupra unicității lumii interioare a omului, la dezlănțuirea imaginației creatorului ca fenomen al persoanei din jur. lumea reala. Artistul nu este mai puțin important decât ceea ce înfățișează, a spus Picasso, căruia îi plăcea să repete că știe cum arată merele, iar în pictura lui Cezanne era interesat de altceva.
În literatura engleză din domeniul romanului modernist, cele mai caracteristice figuri sunt James Joyce, Aldous Huxley și reprezentanții școlii de psihologie Virginia Woolf, May Sinclair, Dorothy Richardson.
Numele scriitorului anglo-irlandez James Joyce este asociat cu școala „fluxului conștiinței”. „Fluxul de conștiință” ca tehnică de scriere este un monolog intern ilogic care reproduce haosul gândurilor și experiențelor, cele mai mici mișcări ale conștiinței. Acesta este un flux asociativ liber de gânduri în succesiunea în care acestea apar, se întrerup reciproc și sunt aglomerate de grămezi ilogice. Pentru prima dată acest termen - „flux de conștiință” - a apărut în lucrările lui William James, unde a dezvoltat ideea că conștiința „nu este un lanț în care toate verigile sunt conectate în serie, ci un râu”.
Romanul lui Joyce, Ulise, a fost salutat drept culmea artei narative. Aceasta este o lucrare monumentală în care autorul caută să pătrundă în subconștientul personajelor sale, să restabilească fluxul gândurilor, sentimentelor și asocierilor lor. Lumea antica despre Ulise și rătăcirile sale este tradus de Joyce în povestea burghezului dublin Bloom, rătăcind prin Dublin pentru o zi, a soției sale Marion și a artistului neliniştit Dedalus (Daedalus). Ulise conține 18 episoade similare cu Odiseea lui Homer. Romanul se numea „ cea mai mare lucrare din zilele noastre”, „o lucrare magnifică, fantastică, unică, un experiment eroic al unui geniu excentric” (S. Zweig), „o expresie a inconștientului colectiv” și lipsa de sens a epocii (C . Jung), „o piesă cu limbajul în spiritul artei pop (H. Kenner), „evanghelia esteticii moderniste” (E. Genieva). Spațiul vast al romanului, o mie și jumătate de pagini, spune povestea doar unei zile, 16 iunie 1904, tipică personajelor: profesor de istorie, intelectual Stephen Dedalus, Leopold Bloom, un evreu botezat, un agent de publicitate, și soția sa, cântăreața Marion (Molly). Explorând labirinturile conștiinței eroilor săi, Joyce își supune eroii aproape scanării cu raze X cu ajutorul diferitelor modificări ale fluxului de conștiință.
Joyce descrie în detaliu ceea ce au făcut eroii, la ce se gândeau, transmite fluxul conștiinței lor, monologurile lor interne, se străduiește să urmărească impulsurile independente de conștiință care îi conduc, încearcă să dezvăluie complexitatea complexelor erotice inerente fiecare dintre eroi. Zeci de pagini reproduc trenul haotic al gândirii lui Bloom, Marion și Dedalus. Joyce refuză semnele de punctuație, nu folosește litere mari pe alocuri și folosește tehnici de înregistrare a sunetului. Transmițând uneori fragmentarea și incertitudinea gândurilor lui Bloom, Joyce pur și simplu întrerupe fraze și cuvinte, lăsând cititorul să-și dea seama singur.
„...ciorapii se încrețesc la glezne. Nu suport, e atât de lipsit de gust. Acești scriitori, toți au capul în nori. Cețos, somnoros, simbolic. Esteți, așa sunt ei. Nu m-aș mira dacă s-ar dovedi că astfel de alimente produc aceleași gânduri poetice în creier. Luați-i pe oricare dintre acești polițiști, cu tocană transpirată în cămăși și nu poți strânge din el un vers de poezie. Ei nici măcar nu știu ce este poezia. Ai nevoie de o dispoziție specială.
Pescăruș cețos care bate din aripi
Cu un țipăt pătrunzător zboară peste valuri...
... Sau du-te la bătrânul Harris și vorbește cu tânărul Sinclair? O persoană bine educată. Trebuie să iau micul dejun. Trebuie să-mi repar binoclul vechi. Lentile Hertz, șase guinee. Nemții vor trece peste tot. Îl vând ieftin doar pentru a cuceri piața. La o pierdere. L-ai putea cumpăra pentru ocazie de la biroul de obiecte pierdute din gară. Este uimitor ceea ce oamenii nu uită în trenuri și în vestiare. Și la ce se gândesc? Femeile de asemenea. Incredibil... există un mic ceas pe acoperișul băncii pe care îl poți folosi pentru a-ți verifica binoclul.” Acest pasaj este foarte caracteristic modului lui Joyce și, în același timp, este unul dintre cele mai accesibile pasaje din roman.
Folosit în roman Mitologia greacă, dar romanul în sine este și un mit, modern și străvechi. Simbolismul principal al romanului este întâlnirea dintre tată și fiu, Ulise și Telemachus (Bloom îl duce pe Dedalus beat la el, salvându-l de poliție și își imaginează că acesta este fiul său mort Rudy). Decorul romanului, Dublin, care este reprodus pe paginile romanului cu o atenție extraordinară: diagrame, planuri de cartiere, străzi, case, devine și el un simbol unic. Romanul conține o mulțime de materiale interpolate: reportaje din ziare, date autobiografice, citate din tratate științifice, opuse istorice și manifeste politice.
Virginia Woolf (1882-1941) a fost recunoscută drept șefa „școlii psihologice”, care a demonstrat o varietate de posibilități în munca sa roman psihologic. Reprezentanții „școlii psihologice” au considerat ca sarcina principală a artei lor să fie studiul vieții psihologice umane, pe care au izolat-o de mediul social. Lumea din jurul lor i-a interesat doar în măsura în care se reflecta în mintea eroilor.
Toate romanele lui Woolf sunt un fel de călătorie în adâncurile personalității, pe care cititorul o poate accepta sau nu, dar pe care nu are dreptul să o dicteze. Wulf a căutat cu insistență, fiind un experimentator îndrăzneț, noi căi în artă, străduindu-se pentru cea mai mare profunzime analiza psihologica, pentru a dezvălui profunzimile nelimitate ale principiului spiritual din om. De aici forma liberă a dialogurilor și monologurilor, maniera impresionistă de a descrie situația și peisajul, compoziția originală a romanelor, care se bazează pe reproducerea fluxului de sentimente, experiențe, emoții ale personajelor și nu transferul de evenimente. .
Certându-se cu realiștii care au urmat tipicul sau generalul, Woolf s-a convins de necesitatea de a fi atent la ceea ce este considerat mic - la lumea sufletului. Toate romanele ei sunt despre această viață interioară, în care găsește mai mult sens decât în procesele sociale. Ea a explicat particularitățile lumii interioare ale unei persoane prin calitățile eterne ale naturii umane, dar a simpatizat cu oamenii. Ea a perceput viața ca o împletire bizară, dar naturală, de lumină și întuneric, bine și rău, frumusețe și urâțenie, tinerețe și bătrânețe, înflorire și stingere.
Cele mai cunoscute romane ale ei sunt Camera lui Jacob (1922), Mrs. Dalloway (1925), To the Lighthouse (1927) și The Waves (1931).
Modernismul ca mișcare artistică se caracterizează prin subiectivism și o viziune general pesimistă asupra progresului și istoriei, o atitudine non-socială față de om, o încălcare a conceptului holistic de personalitate, armonia vieții externe și interne, a celei sociale și biologice în ea. . În ceea ce privește viziunea asupra lumii, modernismul a argumentat cu imaginea apologetică a lumii și a fost anti-burghez; în același timp, era vădit alarmat de inumanitatea activității practice revoluționare.
Modernismul a apărat individul, și-a proclamat scopul și suveranitatea, natura imanentă a artei.
Granița dintre modernism și realism într-o serie de exemple specifice din opera autorilor moderni este destul de problematică, deoarece, conform observației criticului literar de la Kiev D. Zatonsky, „modernismul... nu apare într-o formă pură din punct de vedere chimic. .” Este o parte integrantă a panorama artistică a secolului XX.
Școli precum dadaismul, suprarealismul și expresionismul s-au exprimat cel mai mult în conformitate cu modernismul anilor 20-30. Vom vorbi despre ele.
Disputele cu realiștii, cel puțin teoretici, pot fi considerate fundamentale pentru modernism ca metodă. Critica literară marxistă (P. Lafargue, G. Plekhanov) de la sfârşitul secolului trecut a luat o poziţie negativă faţă de modernism, văzând în ea o manifestare a crizei şi prăbuşirii culturii burgheze. În același timp, în Rusia sovietică, la început, au fost expuși artiști de avangardă, poeți și prozatori atât de departe de estetica realistă precum J. Cocteau, J. Joyce, M. Proust, în acei ani se putea citi pe Freud. și Nietzsche. Întoarcerea către dictatură și totalitarism, cu atitudinea sa suspectă față de individ, a condamnat arta la zeci de ani de lipsă de libertate.
Care este caracteristica avangardismului ca etapă a modernismului? Avangardă (avangarda franceză - avangarda) este un termen care are un câmp semantic mai larg în știința străină, acționând adesea ca sinonim pentru modernism în înțelegerea noastră. Contururile avangardismului, care unește din punct de vedere istoric diverse direcții - de la simbolism și cubism la suprarealism și arta pop, sunt, de asemenea, evazive; Se caracterizează printr-o atmosferă psihologică de rebeliune, un sentiment de gol și singurătate și o orientare către un viitor care nu este întotdeauna clar reprezentat.
Semnificativ este faptul că arta de avangardă care se dezvolta rapid în anii 10-20 s-a dovedit a fi îmbogățită cu o idee revoluționară (uneori doar condiționat simbolică, ca și la expresioniștii care au scris despre revoluție în sfera spiritului, adică , în general). Acest lucru a dat optimism avangardei, pictându-și pânzele în roșu și a atras la ea artiști cu minte revoluționară, care au văzut în avangardism un exemplu de protest anti-burghez (Brecht, Aragon, Eluard).
Secolul XX a fost secolul distrugerii lumii vechi și a artei sale. Rebeliunea s-a dizolvat în toate: nu întâmplător a apărut cuvântul „sălbatic” ca denumire a teatrului în care Brecht a jucat cu cântece, ca parte integrantă și concept al școlii de pictură (fauvism). Arta de avangardă a recurs la mascaradă și caricatură. Defalcarea formelor tradiționale a fost însoțită de renașterea unor noi genuri – circ, music hall, pantomimă, black jazz – și o simplificare a formelor. Rafinamentul culorilor impresioniștilor nu corespundea spiritului vremurilor: „țipătul” și dizarmonia s-au instalat în picturile „moștenitorilor” lor - expresioniștii.
În exterior, părea că avangarda respinge tradițiile, dar protestul său era îndreptat în primul rând împotriva canoanelor și a formelor consacrate. Vorbind despre dorința artei de a ieși din spațiul tridimensional, Cocteau l-a comparat pe Picasso cu un condamnat evadat, luptă pentru libertate dincolo de limitele propriului „eu”.
Avangarda credea că arta nu trebuie să fie recunoscută și plăcută la prima vedere. Au refuzat să înșele publicul și au cerut înțelegerea lumii, ceea ce este mai dificil decât recunoașterea familiarului. Adevărat, Aristotel a mai observat că publicul experimentează bucurie atunci când vede ceva familiar.
Avangarismul nu îndepărtează pur și simplu realitatea - se îndreaptă spre realitatea ei, bazându-se pe legile imanente ale artei. Avangarda a respins formele stereotipe ale conștiinței de masă, nu a acceptat războiul, nebunia tehnocrației sau înrobirea omului.
În general, avangarda apolitică a fost unită de ideea de libertate, deși suprarealiștii considerau revoluția rusă o „criză ministerială”. Avangarda a pus în contrast mediocritatea și ordinea burgheză, logica canonizată a realiștilor cu rebeliunea, haosul și deformarea, iar moralitatea burghezului cu libertatea sentimentelor și imaginația nelimitată.
Înaintea timpului său, avangarda a actualizat arta secolului al XX-lea, a introdus teme urbane și noi tehnici în poezie, noi principii de compoziție și diferite stiluri funcționale de vorbire, design grafic (refuzul punctuației, ideograme), vers liber și variațiile sale și versificarea europeană actualizată.
Modernismul este o trăsătură caracteristică a esteticii secolului XX, independentă de păturile sociale, țări și popoare.
În cele mai bune exemple ale sale, arta modernismului îmbogățește cultura mondială prin noi mijloace de exprimare.
În procesul literar al secolului al XX-lea. schimbările survenite din motive socio-economice și politice. Printre principalele caracteristici ale literaturii de atunci se numără:
politizarea, întărirea legăturii curentelor literare cu diverse mișcări politice,
consolidarea influenței reciproce și întrepătrunderea literaturilor naționale, internaționalizarea,
negarea tradițiilor literare,
intelectualizarea, influența ideilor filozofice, dorința de analiză științifică și filozofică,
fuziune și amestecare de genuri, varietate de forme și stiluri.
În istoria literaturii secolului XX. Se obișnuiește să se distingă două perioade majore:
1)1917-1945
2) după 1945
Literatura în secolul XX. dezvoltat pe linia a două direcții principale - realismul și modernismul.
Realismul a permis experimente îndrăznețe, utilizarea noului tehnici artistice cu un singur scop: o înțelegere mai profundă a realității (B. Brecht, W. Faulkner, T. Mann).
Kafka, care se caracterizează prin ideea lumii ca un început absurd, ostil omului, neîncrederea în om, respingerea ideii de progres în toate formele sale, pesimism.
Dintre principalele mișcări literare de la mijlocul secolului XX. ar trebui să fie numit existențialism, care este ca direcție literară originar din Franța (J-P. Sartre, A. Camus).
Caracteristicile acestei direcții sunt:
aprobarea unei acțiuni „pure” nemotivate,
afirmarea individualismului,
reflectarea singurătății unei persoane în ostilitatea față de ea lume absurdă.
Literatura de avangardă a fost un produs al erei apariției schimbărilor sociale și a cataclismului. S-a bazat pe o respingere categorică a realității, pe negarea valorilor burgheze și pe ruperea energică a tradițiilor. Pentru caracteristici complete literatura de avangardă ar trebui să se concentreze asupra unor astfel de mişcări ca expresionism, futurism și suprarealism.
Pentru estetică expresionism iar prioritatea expresiei asupra imaginii este caracteristică, iese în prim plan „eu” strigăt al artistului, care deplasează obiectul imaginii.
futurişti Ei au negat complet orice artă anterioară, au fost proclamate vulgaritatea și idealul nespiritual al unei societăți tehnocrate. Principiile estetice ale futuriştilor se bazau pe ruperea sintaxei, negarea logicii, crearea cuvintelor, asocieri libere şi respingerea punctuaţiei.
Suprarealism principiul estetic de conducere a fost scrierea automată, bazată pe teoria lui Z. Freud. Scriere automată - creativitate fără control al minții, înregistrarea asocierilor libere, vise, vise. O tehnică preferată a suprarealiştilor este „imaginea uluitoare”, constând din elemente disparate.
Modernismul s-a dezvoltat în mai multe etape și s-a manifestat în multe mișcări. Începând cu anii 60, modernismul a intrat în stadiul postmodernismului.
2. Romanul lui P. Suskind „Parfum”: istoricismul romanului, teme și probleme, intertext
Romanul are loc în Franța, la mijlocul secolului al XVIII-lea, în timpul Epocii Luminilor.
Tehnica pe care autorul o folosește în „Parfum” este principiul pseudo-istoricismului. El pare să convingă cititorul că ceea ce este descris s-a întâmplat într-adevăr odată, dând exactitate cronologică evenimentelor din roman. Textul este plin de date. Deci, între cele două întâlniri, întreaga viață a eroului trece (toate evenimentele sunt datate: întâlnirea cu fata cu prune, sentința lui Grenouille, moartea, nașterea lui).
Adresându-se personajelor pe care le întâlnește Grenouille, Suskind notează momentul și circumstanțele morții lor. Așa că cititorul, urmărind în timp real romanul moartea tăbăcarului Grimal și a parfumierului Baldini, află că Madame Gaillard va muri de bătrânețe în 1799, iar marchizul Taillade-Espinasse va dispărea în munți în 1764.
În imaginația lui Grenouille, marcată cu curmale, ca niște sticle de vin învechit, sunt păstrate aromele pe care le mirosit: „un pahar de aromă din 1752”, „o sticlă din 1744”.
Datele care piperează romanul creează un sentiment tangibil că privim Franța în ajunul Marii Revoluții. Suskind își amintește că Franța epocii descrise este o țară nu numai a viitorilor revoluționari, vagabonzi și cerșetori, ci și a magicienilor, vrăjitorilor, otrăvitorilor, hipnotizatorilor și a altor șarlatani, aventurieri, criminali.
Paralel cu creativitatea (?)
Intertext: 1) În același mod, citatele lui Hoffmann sunt citite în mod neașteptat în contextul general al „Povestea unui criminal”. Asociațiile dintre Grenouille și micul Tsakhes, poreclit Zinnober, din povestea cu același nume de E.T.A. Hoffmann (1819) sunt destul de evidente. Cuvântul grenouille, asemănător cu un nume de familie personaj central„Parfumer” este tradus din franceză ca „broaște”. 2) Suskind umple cu conținut literal fraza metaforică pe care Isus le-a spus ucenicilor săi în timpul cinei legendare: „Și luând pâine și mulțumind, a frânt-o și le-a dat-o, zicând: Acesta este trupul Meu, care este dat pentru voi; fă aceasta în amintirea Mea. De asemenea, paharul după cină, spunând: Acesta este Noul Testament în sângele Meu, care este vărsat pentru voi (Luca 22, 19-20). Sacramentul creștin al comuniunii - Euharistia - este literalizat și interpretat pe paginile romanului ca un fel de act canibal, orchestrat de însuși Grenouille.
Modernismul în literatura rusă „Epoca de argint” a culturii ruse a secolului 20. Sfârșitul secolului al XIX-lea – începutul secolului al XX-lea. - relativ scurt
dar incredibil de bogat în public,
segmentul evenimentelor politice și culturale
istoria Rusiei. Acest timp este numit și
„Epoca de argint”, în comparație cu „Epoca de aur”
- epoca celei mai înalte înfloriri a literaturii ruse
iar arta – secolul al XIX-lea. Comparativ
mică zonă geografică a Moscovei și
Petersburg la acel moment, densitatea diferitelor
talentul artistic era atât de mare
că nu există exemple corespunzătoare pentru ea nu numai în
rusă, dar și în istoria lumii. Unii poeți -
mare, mare și pur și simplu semnificativ - zeci.
Caracteristicile modernismului în literatură:
negarea artei clasicepatrimoniu;
a recitat discrepanţă cu teoria şi
practica realismului;
concentrați-vă pe persoana individuală,
nu social;
atenție sporită mai degrabă spirituală decât
sfera socială a vieții umane;
concentrați-vă pe formă în detrimentul conținutului.
Reprezentanți ai modernismului în literatură în Rusia:
Borii s Leoniidovich Pasternai (29 ianuarie 1890, Moscova - 30 mai 1960,Peredelkino, regiunea Moscova) -
scriitor, poet, traducător rus; unul dintre
cei mai mari poeți ai secolului al XX-lea.
În 1955, Pasternak a scris romanul
„Doctor Jivago”. Trei ani mai târziu scriitorul
a fost distins cu Premiul Nobel pentru
literatură, după aceasta a fost
supus hărțuirii și persecuției din exterior
BLOC
Alexandru
Aleksandrovici
sovietic
guvern.
, poet rus. BUNIN Ivan Alekseevici (1870-1953), scriitor și poet rus,
laureat Premiul Nobel De
literatură (1933).
AKHMATOVA (numele real Gorenko)
Anna Andreevna (11 (23) iunie 1889
- 5 martie 1966) poetesă rusă,
traducător și critic literar,
una dintre cele mai semnificative figuri
Literatura rusă a secolului XX.
Nominalizat la premiul Nobel
asupra literaturii. ESENIN Serghei Alexandrovici
(1895-1925), poet rus,
reprezentant al noului ţăran
poezie și versuri și multe altele
perioada târzie a creativității -
imagism.
MAIAKOVSKI Vladimir
Vladimirovici (7 (19) iulie 1893-
14 aprilie 1930), poet rus,
unul dintre cei mai străluciți reprezentanți
arta de avangardă a anilor 1910-1920. Una din cele mai mari
poeţii secolului al XX-lea.
Pe lângă poezie, s-a arătat clar
ca dramaturg, scenarist,
regizor de film, actor de film,
artist, editor de reviste. Gumiliov i-a tratat la fel,
Hlebnikov, Klyuev, Severyanin, Bely,
Sologub, Balmont, Bryusov, Voloshin,
Ivanovs (Viaceslav și Georgy), Kuzmin,
Țvetaeva, Hodasevici, Gippius,
Mandelstam este cel mai mult
vizibile, dar nu toate.
Nașterea modernismului.
Primul periodic modernist dinRusia a devenit revista „Lumea artei”,
organizat de tinerii artiști A.N. Benois,
K.A. Somov, L. S. Bakst, E. E. Lansere,
S.P. Diaghilev în 1899, scriitori (Zinaida
Gippius și Dmitri Merezhkovsky) au fost
invitat să conducă departamentul literar al revistei,
al cărui scop principal era promovarea unui nou
pictura. Pe paginile revistei „World of Art”
și-au tipărit primele lucrări Blok, Gippius,
Rozanov, Merezhkovsky, Bryusov, Bely, Sologub. ÎN
Korney Chukovsky a acționat ca un critic.
Diviziunea modernismului.
Literatura rusă după revoluția din 1917împărțit soartă tragicăţări şi
dezvoltat în continuare în trei direcții:
Literatura rusă din străinătate - I. Bunin,
V. Nabokov, I. Shmelev; literatură, nu
recunoscută oficial la vremea sa în URSS
nepublicat - M. Bulgakov, A. Akhmatova,
A. Platonov și alții; sovietic rusesc
literatura (mai ales
realism socialist) - M. Gorki,
V. Mayakovsky, M. Sholohov.
Reprezentanți ai modernismului în literatura străină:
Anne de Noailles (15 noiembrie 1876- 30 noiembrieaprilie 1933) - francez
poetesă, amantă a literaturii
salon
Paul Eluair (14 decembrie 1895-
18 noiembrie 1952) - francez
poet care a publicat mai mult de o sută
culegeri de poezie. Guillois m Apollineir (26 august 1880
- 9 noiembrie 1918) - francez
poet, unul dintre cei mai
figuri influente
Avangarda europeană de la începutul secolului al XX-lea
secol.
Jacques Prévert (4 februarie 1900-11
aprilie 1977) - poet francez
și dramaturg de film.
Modernismul în artele plastice.
Modernismul este un ansamblu de mișcări artistice înal doilea art jumătate a secolului al XIX-lea- mijlocul secolului XX.
Cele mai semnificative tendințe moderniste au fost
impresionism, expresionism, neo- și post-impresionism,
Fauvism, Cubism, Futurism. Și, de asemenea, mișcări ulterioare -
artă abstractă, dadaism, suprarealism. În sens restrâns
modernismul este considerat un stadiu incipient al avangardismului,
începutul unei revizuiri a tradiţiilor clasice. Data nașterii
Modernismul este adesea menționat ca 1863 - anul deschiderii sale la Paris
„Salonul respinsăților”, unde au fost acceptate lucrări ale artiștilor.
În sens larg, modernismul este „o altă artă”, principala
al cărui scop este de a crea lucrări originale,
bazată pe libertatea interioară și pe o viziune specială asupra lumii
de autor şi purtând noi mijloace de exprimare
limbaj figurat, adesea însoțit de șocant
și o anumită provocare la canoanele stabilite.
Direcții ale modernismului.
Expresionismul abstract este un stil special de pictură când artistulpetrece o cantitate minimă de timp creativității sale, împrăștie
pictează pe pânză, atinge la întâmplare tabloul cu pensule, la întâmplare
aplică lovituri.
dadaism - opere de artăîn stil colaj, aspect pe
pânză din mai multe fragmente din aceeași temă. Imaginile sunt de obicei
impregnat cu ideea de negare, o abordare cinică a subiectului. Stilul a apărut
imediat după sfârşitul primului război mondial şi a devenit o reflectare a sentimentului
deznădejdea domnind în societate.
Cubismul – aranjat haotic figuri geometrice. Stilul în sine
extrem de artistic, a creat adevărate capodopere în stilul cubismului
Pablo Picasso. Artistul Paul și-a abordat opera oarecum diferit
Cezanne - picturile sale sunt incluse și în vistieria artei mondiale.
Postimpresionism - respingerea realității vizibile și înlocuirea realului
imagini cu stilizare decorativă. Un stil cu mare potential
dar a fost realizat pe deplin doar de Vincent van Gogh și Paul Gauguin.
Reprezentanți ai modernismului în artă:
Kazimir Severinovici Malevici–mare artist rus.
Stiluri de pictură: avangardă,
Cubism, Suprematism etc. (11
februarie 1878 – 15 mai 1935).
Kazimir Malevici este
o figură iconică nu numai în
Arta rusă, dar și în
istoria mondială a picturii. ÎN
în special el a fost
fondatorul unei noi specii
arta - suprematism,
marcându-i înfățișarea
o poză care este cunoscută în
peste tot în lume ca - Negru
Pătrat. Pictura Negru
Piața a fost pictată în 1915
an și numit cel adevărat
o senzaţie printre cunoscători şi
criticii. A existat „Pătrat negru”
„Un englez la Moscova” "Polca argentiniană"
Auto portret „Spălătorie pe gard”
"Bulevard" Fu'lla Ludovit pictor slovac
„Băiat cu pălărie”
M. Pashteka: Artist și
şezători. M. A. Bazovsky: Fermierii.
E. Shimerova: Natura moartă cu un ziar.
Modernismul în arhitectură.
Spații largi deschise pentru arhitectura modernistădeschisă ca urmare a consecinţelor celui de-al Doilea Război Mondial.
Multe orașe europene au fost distruse. A fost planificat
lumea unei noi formații. Un fundamental
capacitatea de a proiecta cartiere întregi fără special
legături la „vechiul” ansamblu arhitectural al orașelor.
Cele mai mari clădiri în stil modernist
a avut loc în orașele cu cele mai mari distrugeri -
Berlin și Le Havre. Pe aceste șantiere uriașe
au lucrat mari echipe internaționale
arhitecți moderniști celebri - Hans Scharoun,
Walter Gropius, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer,
Pier Luigi Nervi, Marcel Breuer, Auguste Perret, Bernard
Zehrfuss și mulți alții.
Principiile de bază ale modernismului arhitectural:
folosirea celor mai modernemateriale și structuri de construcție,
abordare rațională a soluției
spații interioare (funcționale
o abordare),
lipsa tendințelor de decorare,
respingerea fundamentală a istoricului
reminiscențe în aspectul clădirilor,
caracterul lor „internaţional”.
Casa lui Vicens (1883-1888) Barcelona.
Casa lui Vicens (18831888) Barcelona.Arhitectul Antonio Gaudi
(1852-1926). Casa lui Vicens
dezvoltă tema arabă
basme „O mie și una de nopți”.
Turnuri rotunjite, grațioase
ornamente metalice în
sub formă de frunze de palmier
curele alternante ritmic
arcade, ferestre oarbe cu fier forjat
baruri... Creativitatea lui A.
a aruncat Gaudi
un fel de pod din
Casa Batllo (1904-1906) Barcelona.
Casa Batllo (19041906) Barcelona.Fațada verde-albăstruie a casei
Batllo seamănă cu ceva spumos
val de mare, apoi stropi
lavă vulcanică, apoi piele
animale ciudate.
Sagrada Familia (1883-1926) Barcelona.
Principala creație a lui Gaudi este catedralaSagrada Familia (Sf.
familie), pentru care nu a avut timp
complet în timpul vieții tale. De proiectare
trebuia să fie
întruchipare arhitecturală
povestiri ale Noului Testament. Faţadă
Catedrala este formată din trei portaluri,
simbolizând Credința, Speranța
si iubire. Mijlocul reprezintă
o grotă adâncă a Betleemului; El
Casa lui Tassel (1892-1893) Luxemburg.
House of Tassel (18921893) Luxemburg.Arhitectul Victor Orta. (1861-1947). „Un arhitect perfect
modernism de artă” este numit un arhitect belgian
Victor Orta. Casa lui Tassel este considerată pe bună dreptate primul exemplu de „
modernism pur”, care a adus faimă și glorie în întreaga lume
arhitect aspirant.
Zgârie-nori din Chicago, SUA.
Arhitectul LouisSullivan. (18561924).
Primul zgârie-nori al arhitectului Louis din Chicago
Sullivan în orașul St. Louis a produs
o adevărată revoluție în arhitectură. Oţel
rame cu structuri verticale,
pline cu lifturi de mare viteză și altele
tehnologia, a contestat clar clasicii.
Muzeul de Artă Modernă, New York (1943-1959).
ArhitectFrank Lloyd
Wright.
Muzeu artă contemporanăîn New York este unul dintre
primele muzee de artă modernă din lume. Acum asta
muzeul, situat în Manhattan, se bucură
a meritat faima și este foarte popular printre vizitatori.
Clădiri de locuit în stil modernist. Franţa.
Arhitectul LeCorbusier (18871965)
Casa companiei Singer (1902-1904) Sankt Petersburg.
House of the Singer Company (1902-1904) Sankt Petersburg.
Arhitectul Pavel Yulievici Syuzor. În Rusia una dintre cele mai multe
monumente notabile și tipice de Art Nouveau este Casa Companiei
„Singer” (acum „Casa Cărților”) pe Nevsky Prospekt din Sankt Petersburg. Pe de o parte, clădirea nu este legată de împrejurimile sale
ansamblu, care este considerată o greșeală de urbanism, pe de altă parte
Pe de altă parte, acesta este un exemplu de planificare de succes în condiții dificile
Clădirea gării Kazansky. Moscova. (1902-1904)
Clădirea Kazanskystatie. Moscova. (19021904)
Arhitectul A.V.
Shchusev
etc.), prin urmare, este necesar să se facă distincția între aceste două concepte pentru a evita confuzia.
Modernismul în artele vizuale
Modernism- un ansamblu de mișcări artistice în arta celei de-a doua jumătate a secolului XIX - mijlocul secolului XX. Cele mai semnificative tendințe moderniste au fost impresionismul, expresionismul, neo- și post-impresionismul, fauvismul, cubismul și futurismul. La fel și mișcările ulterioare - artă abstractă, dadaism, suprarealism. În sens restrâns, modernismul este văzut ca o etapă timpurie a avangardismului, începutul unei revizuiri a tradițiilor clasice. Data nașterii modernismului este adesea numită 1863 - anul deschiderii „Salonului respinsaților” la Paris, unde au fost acceptate lucrările artiștilor. În sens larg, modernismul este „o altă artă”, al cărei scop principal este acela de a crea opere originale bazate pe libertatea internă și pe o viziune specială asupra lumii de către autor și purtătoare de noi mijloace expresive ale limbajului vizual, adesea însoțite de șocant și o anumită provocare pentru canoanele stabilite.
Modernismul în literatură
În literatură, modernismul a înlocuit romanul clasic. În locul unei biografii, cititorului a început să i se ofere interpretări literare ale diferitelor concepte filosofice, psihologice și istorice (a nu se confunda cu cele psihologice, istorice și istorice). roman filozofic, care sunt clasice), a apărut un stil numit Stream of Consciousness (în engleză. Flux de conștiință), caracterizată prin pătrundere adâncă în lumea interioara eroii. Tema înțelegerii războiului și a generației pierdute ocupă un loc important în literatura modernismului.
Principalii precursori ai modernismului au fost: Dostoievski (1821-81) ( Crimă și pedeapsă (1866), Frații Karamazov(1880); Whitman (1819-92) ( frunze de iarbă) (1855-91); Baudelaire (1821-67) ( Florile Răului), A. Rimbaud (1854-91) ( Perspective, 1874); Strindberg (1849-1912), în special piesele sale de mai târziu.
Modernismul a eliminat vechiul stil în primele trei decenii ale secolului al XX-lea și a redefinit radical posibilele forme literare. Principalii scriitori ai acestei perioade:
Modernismul în arhitectură
Expresia „modernism în arhitectură” este adesea folosită ca sinonim pentru termenul „arhitectură modernă”, dar ultimul termen este încă mai larg. Modernismul în arhitectură îmbrățișează munca pionierilor arhitectura modernași adepții lor în perioada de la începutul anilor 1920 până la anii 1970-1980 (în Europa), când au apărut noi tendințe în arhitectură.
În literatura de specialitate, termenul „modernism arhitectural” corespunde termenilor englezi „ arhitectura moderna», « mișcarea modernă" sau " modern„, folosită în același context. Expresia „modernism” este uneori folosită ca sinonim pentru conceptul „arhitectură modernă”; sau ca numele stilului (în literatura engleză - „ modern»).
Modernismul arhitectural include mișcări arhitecturale precum funcționalismul european din anii 1920 și 1930, constructivismul și raționalismul din anii 1920 în Rusia, mișcarea Bauhaus din Germania, stilul arhitectural art deco, stilul internațional, brutalismul, arhitectura organică. Astfel, fiecare dintre aceste fenomene este una dintre ramurile unui arbore comun, modernismul arhitectural.
Principalii reprezentanți ai modernismului arhitectural sunt pionierii arhitecturii moderne Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Richard Neutra, Ludwig Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer, precum și alții.
Mișcările moderniste în artă
Critică
Oponenții modernismului au fost Maxim Gorki și Mihail Lifshits.
Vezi si
Scrieți o recenzie despre articolul „Modernism”
Note
Literatură
- Nilsson Nils Åke. Arhaism și modernism // Poezie și pictură: colecție de lucrări în memoria lui N. I. Khardzhiev / Compilare și editare generală de M. B. Meilakh și D. V. Sarabyanov. - M.: Limbi ale culturii ruse, 2000. - P. 75-82. - ISBN 5-7859-0074-2.
Legături
- Lifshits M. A.
|
||||||||||||||||||
Un fragment care caracterizează Modernismul
Pierre a fost condus în sala de mese mare, iluminată; câteva minute mai târziu s-au auzit pași, iar prințesa și Natasha au intrat în cameră. Natasha era calmă, deși o expresie severă, fără un zâmbet, era acum din nou stabilită pe chipul ei. Prințesa Marya, Natasha și Pierre au experimentat în egală măsură acel sentiment de stângăcie care urmează de obicei la sfârșitul unei conversații serioase și intime. Este imposibil să continui aceeași conversație; Este rușinos să vorbești despre fleacuri, dar e neplăcut să taci, pentru că vrei să vorbești, dar cu această tăcere parcă te prefaci. S-au apropiat în tăcere de masă. Chelnerii au împins înapoi și au tras scaune. Pierre desfăcu șervețelul rece și, hotărând să rupă tăcerea, se uită la Natasha și la prințesa Marya. Amândoi, evident, în același timp au decis să facă același lucru: mulțumirea vieții și recunoașterea că, pe lângă durere, există și bucurii, au strălucit în ochii lor.- Bei vodcă, conte? – spuse Prințesa Marya, iar aceste cuvinte au împrăștiat brusc umbrele trecutului.
„Spune-mi despre tine”, a spus prințesa Marya. „Ei spun miracole atât de incredibile despre tine.”
— Da, răspunse Pierre cu zâmbetul lui acum familiar de batjocură blândă. „Ei chiar îmi povestesc despre astfel de miracole pe care nu le-am văzut niciodată în visele mele.” Marya Abramovna m-a invitat la ea și îmi tot spunea ce mi s-a întâmplat sau era pe cale să se întâmple. Stepan Stepanych m-a învățat și cum să spun lucrurile. În general, am observat că a fi o persoană interesantă este foarte pașnic (eu acum persoana interesanta); mă sună și îmi spun.
Natasha a zâmbit și a vrut să spună ceva.
„Ni s-a spus”, a întrerupt-o prințesa Marya, „că ai pierdut două milioane la Moscova”. E adevărat?
„Și am devenit de trei ori mai bogat”, a spus Pierre. Pierre, în ciuda faptului că datoriile soției sale și nevoia de clădiri i-au schimbat treburile, a continuat să spună că a devenit de trei ori mai bogat.
„Ceea ce am câștigat fără îndoială”, a spus el, „este libertatea...” a început el serios; dar a decis să nu continue, observând că era un subiect de conversație prea egoist.
-Construiți?
- Da, ordonă Savelich.
– Spune-mi, nu știai de moartea contesei când ai stat la Moscova? – spuse Prințesa Marya și se înroși imediat, observând că făcând această întrebare după cuvintele lui că este liber, ea a atribuit cuvintelor lui un sens pe care ele, poate, nu l-au avut.
— Nu, răspunse Pierre, evident că nu găsise incomodă interpretarea pe care o dădea prințesa Marya menționării sale despre libertatea ei. „Am învățat asta în Orel și nu vă puteți imagina cum m-a impresionat.” Nu am fost soți exemplari”, a spus el repede, uitându-se la Natasha și observând în fața ei curiozitatea cu privire la modul în care îi va răspunde soției sale. „Dar această moarte m-a lovit îngrozitor.” Când doi oameni se ceartă, ambii sunt întotdeauna de vină. Și propria vinovăție devine brusc teribil de grea în fața unei persoane care nu mai există. Și apoi o astfel de moarte... fără prieteni, fără mângâiere. „Îmi pare foarte, foarte rău pentru ea”, a încheiat el și a fost încântat să observe aprobarea plină de bucurie de pe chipul Natasha.
„Da, iată-te din nou, burlac și mire”, a spus Prințesa Marya.
Pierre s-a înroșit brusc purpuriu și a încercat multă vreme să nu se uite la Natasha. Când s-a hotărât să o privească, chipul ei era rece, sever și chiar disprețuitor, așa cum i se părea.
– Dar chiar l-ai văzut și ai vorbit cu Napoleon, așa cum ni s-a spus? – spuse prințesa Marya.
Pierre râse.
- Niciodată niciodată. Toată lumea li se pare întotdeauna că a fi prizonier înseamnă a fi oaspete al lui Napoleon. Nu numai că nu l-am văzut, dar nici nu am auzit de el. Eram într-o companie mult mai proastă.
Cina sa încheiat, iar Pierre, care la început a refuzat să vorbească despre captivitatea sa, s-a implicat treptat în această poveste.
- Dar este adevărat că ai rămas să-l omori pe Napoleon? – l-a întrebat Natasha, zâmbind ușor. „Am ghicit când ne-am întâlnit la Turnul Sukharev; tine minte?
Pierre a recunoscut că este adevărat, iar de la această întrebare, ghidat treptat de întrebările Prințesei Marya și mai ales Natasha, s-a implicat într-o poveste detaliată despre aventurile sale.
La început a vorbit cu acea privire batjocoritoare, blândă, pe care o avea acum la oameni și mai ales la sine; dar apoi, când a ajuns la povestea ororilor și suferințelor pe care le văzuse, el, fără să observe, s-a lăsat purtat și a început să vorbească cu entuziasmul reținut al unei persoane care trăiește impresii puternice în memoria sa.
Prințesa Marya i-a privit pe Pierre și Natasha cu un zâmbet blând. În toată această poveste, ea l-a văzut doar pe Pierre și bunătatea lui. Natasha, sprijinită de braț, cu o expresie în continuă schimbare pe față, împreună cu povestea, l-a privit, fără să se uite nici un minut, pe Pierre, aparent trăind împreună cu el ceea ce spunea. Nu numai privirea ei, dar exclamațiile și întrebările scurte pe care le-a făcut i-au arătat lui Pierre că, din ceea ce spunea, ea înțelegea exact ce voia să transmită. Era clar că ea înțelegea nu numai ce spunea, ci și ceea ce și-ar dori și nu putea exprima în cuvinte. Pierre a povestit despre episodul său cu copilul și femeia pentru a cărei protecție a fost luat în felul următor:
„A fost o priveliște groaznică, copiii au fost abandonați, unii au luat foc... În fața mea au scos un copil... femei, de la care au scos lucruri, au smuls cercei...
Pierre se înroși și ezită.
„Atunci a sosit o patrulă și toți cei care nu au fost jefuiți, toți oamenii au fost luați. Si eu.
– Probabil că nu spui totul; „Trebuie să fi făcut ceva...” a spus Natasha și a făcut o pauză, „bine”.
Pierre a continuat să vorbească. Când a vorbit despre execuție, a vrut să evite detaliile groaznice; dar Natasha a cerut să nu-i lipsească nimic.
Pierre a început să vorbească despre Karataev (se ridicase deja de la masă și se plimba, Natasha îl privea cu ochii) și se opri.
- Nu, nu poți înțelege ce am învățat de la acest analfabet - un prost.
„Nu, nu, vorbește”, a spus Natasha. - Unde este el?
„A fost ucis aproape în fața mea.” - Și Pierre a început să povestească ultima dată a retragerii lor, boala lui Karataev (vocea îi tremura neîncetat) și moartea lui.
Pierre și-a povestit aventurile așa cum nu le-a povestit niciodată nimănui, așa cum nu și le-a amintit niciodată. Acum vedea, parcă, un nou sens în tot ceea ce experimentase. Acum, când îi spunea toate astea lui Natasha, simțea acea plăcere rară pe care o oferă femeile când ascultă un bărbat - nu femei deștepte care, în timp ce ascultă, încearcă fie să-și amintească ceea ce li se spune pentru a-și îmbogăți mintea și, ocazional, repovesti sau adaptează ceea ce ți se spune și comunică rapid discursurile tale inteligente, dezvoltate în mica ta economie mentală; ci plăcerea pe care o oferă femeile adevărate, înzestrate cu capacitatea de a selecta și de a absorbi în sine tot ce este mai bun care există în manifestările unui bărbat. Natasha, fără să știe ea însăși, a fost toată atenția: nu a ratat niciun cuvânt, o ezitare în voce, o privire, o smucitură a unui mușchi facial sau un gest al lui Pierre. Ea a prins din mers cuvântul nespus și l-a adus direct în inima ei deschisă, ghicind sensul secret al întregii lucrări spirituale a lui Pierre.
Prințesa Marya a înțeles povestea, a simpatizat cu ea, dar acum a văzut altceva care i-a absorbit toată atenția; a văzut posibilitatea iubirii și fericirii între Natasha și Pierre. Și pentru prima dată i-a venit acest gând, umplându-i sufletul de bucurie.
Era ora trei dimineaţa. Chelnerii cu chipuri triste și aspre au venit să schimbe lumânările, dar nimeni nu le-a băgat în seamă.
Pierre și-a încheiat povestea. Natasha, cu ochii strălucitori, însuflețiți, a continuat să se uite cu insistență și cu atenție la Pierre, de parcă ar fi vrut să înțeleagă altceva pe care poate nu l-ar fi exprimat. Pierre, stânjenit și fericit, arunca ocazional o privire la ea și se gândea ce să spună acum pentru a schimba conversația pe alt subiect. Prințesa Marya tăcea. Nimănui nu i-a trecut prin minte că era ora trei dimineața și că era timpul să doarmă.
„Se spune: nenorocire, suferință”, a spus Pierre. - Da, dacă mi-ar spune acum, în acest moment: vrei să rămâi ceea ce ai fost înainte de captivitate, sau să treci mai întâi prin toate astea? Pentru numele lui Dumnezeu, încă o dată captivitate și carne de cal. Ne gândim cum vom fi aruncați din calea noastră obișnuită, că totul este pierdut; și aici ceva nou și bun abia începe. Atâta timp cât există viață, există fericire. Sunt multe, multe înainte. — Îți spun asta, spuse el, întorcându-se către Natasha.