Esența artei
Cele mai vechi sculpturi în stâncă, conform oamenilor de știință, au fost făcute cu aproximativ 40 de mii de ani în urmă. Galeriile de artă din timpurile preistorice sunt peșteri cu pereții pictați cu coloranți naturali - lut, cărbune, cretă etc. Astfel de „muzee” se găsesc în Europa, Asia, America, Australia.
Desenele artiștilor antici au toate trăsăturile operelor reale Arte vizuale. Ei simt privirea ascuțită a observatorului, mâna fermă a desenatorului, expresivitatea combinațiilor de culori. Genurile picturii, create cu un număr de neconceput cu ani în urmă, vor fi relevante de-a lungul istoriei omenirii, sunt semnificative acum: imagini cu oameni și animale, scene de pace și război...
Esența artei plastice a rămas, de asemenea, neschimbată de multe secole: crearea de imagini vizuale care reflectă impresia unui creator uman din lumea obiectivă și fenomene spirituale, o cronică artistică a evenimentelor istorice de diverse scări, un joc de fantezie și imaginație. bazată pe muncă și talent. De mult timp, artiștii au dezvoltat diverse stiluri și genuri de pictură pentru a rezolva astfel de probleme. Numărul lor este mare, iar semnele sunt determinate de creativitatea unor maeștri specifici.
Pictură monumentală și de șevalet
Puterea impactului artistic al unui tablou depinde de factori care de multe ori nu găsesc o definiție clară. Mărimea unui tablou este unul dintre criteriile cele mai condiționate în evaluarea dimensiunii unei opere de artă plastică. O acuarelă de dimensiunea unei cărți poștale poate spune mai multe despre lume decât panourile multimetru cu mii de caractere.
Împărțirea picturii în monumental și șevalet nu vorbește despre măreția sarcinilor creative rezolvate de artist, ea determină mai mult metoda de expunere. Frescuri de pe pereții palatelor și catedralelor, picturile sălilor uriașe ocupă un loc important în opera titanilor Renașterii - tavanul Capelei Sixtine, pictat de Michelangelo, este monumental în toate sensurile. Dar cine va spune că portretul unei florentine pe nume Mona Lisa, pictat pe o placă de plop de 70 x 53 cm, este mai puțin semnificativ pentru arta mondială?
Imaginile create pe pânze separate, foi, scânduri, care au „mobilitate”, sunt denumite în mod obișnuit lucrări de pictură de șevalet. Pictura monumentală este întotdeauna asociată cu arhitectura, cu designul interior, așa că, pentru a vedea fresca „Cina cea de Taină” a lui Leonardo în direct pe peretele trapezei mănăstirii Santa Maria delle Grazie, va trebui să mergeți la Milano.
Principalele genuri de pictură
Fiecare nouă eră istorică dă naștere unor imagini tipice vizibile, maeștrii apar cu un mod unic de a le afișa, astfel încât numărul de „isme” din istoria artei este uriaș.
Un număr ceva mai mic definește genurile picturii - împărțirea operelor de artă plastică, în funcție de tema care l-a interesat pe artistul-pictor. Peisaj, natura moartă, portret, pictura narativă sau figurativă, abstracția sunt cele mai importante genuri de artă plastică.
Viața genurilor
Totul este într-o legătură clară cu perioada istoriei, precum și genurile - se nasc, se amestecă, se schimbă sau dispar. De exemplu, numai specialiștii cunosc astfel de genuri de pictură din secolul al XVIII-lea precum veduta, rossica sau vanitas anterioare. De fapt, acestea sunt doar varietăți de peisaj, portret și natură moartă.
Veduta (în italiană veduta - „vedere”) – o vedere a peisajului urban născut la Veneția cu detalii detaliate; cel mai strălucit maestru vedutist - Canaletto (1697-1768). Portretele create de pictorii vest-europeni care au venit la Sankt Petersburg se numesc Rossika.
Vanitas este o natură moartă alegorică (franceză nature morte - „natura moartă”), în centrul căreia există întotdeauna o imagine a unui craniu uman. Acest nume provine din cuvântul latin vanitas, care înseamnă deșertăciune, deșertăciune.
Adesea tema picturilor este izolată caracter national. De exemplu, hua-niao („imagini cu flori și păsări”) și direcțiile sale stilistice: mo-zhu („bambus, pictat cu cerneală”) și mo-mei („prun înflorit, pictat cu cerneală”) - toate acestea sunt genuri de pictură chineză care au importanță globală. Cele mai bune exemple ale lor pot încânta orice privitor cu acuratețea virtuoză a desenului și spiritualitatea deosebită, dar ei nu s-ar putea naște decât în atmosferă. cultura antica Ceresc.
Decor
Tradus din franceză, pays este o țară, o localitate. De aici și numele unuia dintre cele mai populare genuri picturale - peisajul. Deși primele încercări de a transmite natura inconjuratoare găsit printre exemplele de pictură pe rocă, iar maeștrii Japoniei și Chinei au atins culmi de neconceput în înfățișarea cerului, apei, plantelor cu mult înaintea erei noastre, peisajul clasic poate fi considerat un gen relativ tânăr.
Acest lucru se datorează subtilităților tehnologice. Oportunitatea de a ieși cu un caiet de schițe și vopsele în tuburi în aer liber - de a picta natura în lumină naturală - a avut impact asupra tuturor genurilor de pictură. Exemple de înflorire fără precedent a peisajului pot fi întâlnite atunci când studiem opera impresioniștilor. Tabloul răsăritului de pe râul de lângă Le Havre, pictat de Claude Monet (1840-1926), - „Impresie” („Impresie”) - a dat numele curentului în pictură, care a schimbat radical viziunea asupra scopurile si mijloacele art.
Dar chiar și mai târziu istoria păstrează numele marilor pictori de peisaj. Dacă în icoanele și picturile din Evul Mediu natura este un fundal schematic și plat pentru imaginea principală, atunci încă de la Renașterea timpurie, peisajul a fost un mijloc activ de conversație cu privitorul. Giorgione („Furtună”), Titian („Zbor în Egipt”), El Greco („Vedere la Toledo”) - în picturile acestor maeștri, priveliștile naturii devin conținutul principal al pânzei, iar în peisajele lui Pieter Brueghel Bătrânul (1525-1569) înțelegerea locului în care omul în lumea înconjurătoare atinge o scară cosmică.
În pictura rusă sunt bine cunoscute capodoperele maeștrilor peisagistici. „Dimineața în pădure de conifere„I. I. Shishkin, „Above Eternal Peace” de I. I. Levitan, „Moonlight Night on the Nipru” de A. I. Kuindzhi, „Rooks Have Arrived” de A. K. Savrasov și multe alte tablouri nu sunt doar vederi frumoase sau diverse condiții meteorologice. La fel ca muzica, ele pot evoca noi gânduri în privitor, emoții și sentimente puternice, pot duce la generalizări și adevăruri înalte.
Varietăți de peisaj: urban, peisaj marin
Peisaj urban (veduta, mai târziu - industrial) - sunt genuri de pictură cu exemple de adepți activi atât în rândul artiștilor, cât și în rândul iubitorilor acestui trend în artă. Cum să nu admiri „Vederea orașului Delft” de Jan Vermeer (1632-1675)?!
Elementul apă a fascinat întotdeauna o persoană, în special un artist. Porturile de agrement, adică varietăți de tablouri unde tema principală este marea, a început să se deosebească de peisajele obișnuite de la începutul secolului al XVII-lea în Olanda. La început au fost doar „portrete ale navelor”, dar apoi marea însăși a devenit obiectul principal care i-a captivat atât pe realiști, cât și pe romantici. A început să completeze alte genuri de pictură. Exemple de utilizare a temei marine pot fi găsite privind picturile religioase și mitologice ale lui Rembrandt, pictorilor de luptă olandezi, Delacroix și impresioniștii. Marele maestru pictor marin a fost englezul William Turner (1775-1851).
I. K. Aivazovsky (1817-1900), care a devenit cel mai mare artist-poet al mării, nu a schimbat niciodată tema mării. „Al nouălea val”, „Marea Neagră” și peste 6 mii de picturi sunt încă exemple de neegalat de porturi.
Portret
Imaginea aspectului exterior al unei anumite persoane, existente sau existente și prin aparență - o expresie a conținutului său interior - așa puteți determina esența unuia dintre cele mai importante genuri picturale. Această esență a rămas, deși moda s-a schimbat, au apărut noi stiluri de pictură, iar cele învechite au intrat în trecut, pentru că principalul lucru era individualitatea, unicitatea individului. În același timp, genul portret nu are rame de fier, poate fi un element de pictură intriga și figurativă și are multe subspecii de gen.
Portretul unui mare om este un gen istoric în pictură. „Cum este?” se va întreba cititorul. Eroul, având o asemănare exterioară și interioară cu o anumită personalitate, este înzestrat cu un mediu corespunzător genului „înalt”. Alte subspecii ale direcției portretului sunt numite costumat (mitologic, alegoric), tipic, familie, portret de grup.
Una dintre cele mai mari capodopere, care timp de trei secole și jumătate nu și-a dezvăluit pe deplin misterele, este ceasul de noapte al lui Rembrandt. Această imagine este un portret de grup al unui detașament de poliție militară, în care fiecare personaj are un nume și un caracter specific. Ei intră într-o interacțiune care dă naștere unei povești care entuziasmează pe oricine începe să privească chipurile oamenilor din secolul al XVII-lea.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1608-1669) este cunoscut și ca autorul a numeroase autoportrete, prin care se poate urmări soarta artistului, plină de lovituri tragice și scurte perioade fericite. Multe dintre ele pot fi văzute gen casnicîn pictură, dacă acordăm importanță împrejurărilor și hainelor în mod deliberat simple. Dar geniul maestrului umple autoportretele cu conținut cosmic. Această varietate de gen este plină de exemple ale celor mai mari suișuri și coborâșuri de îndemânare și talent, pentru că cine mai bun decât autorul cunoaște persoana înfățișată în acest caz?
Natură moartă
Un alt gen dintre cele mai populare este expresia înțelegerii individuale și publice a lumii prin imaginea conținutului subiectului său. Pentru un artist adevărat, alegerea componentelor naturii moarte este importantă până la cel mai mic detaliu - aici începe o poveste fascinantă, completată de mijloace pur artistice: compoziție, desen, culoare etc. Originalitatea stilistică se exprimă în mod deosebit în natură moartă. gen: implică o muncă atent gândită asupra unei naturi nemișcate cu iluminare selectată etc.
Și-a început istoria ca parte integrantă a compozițiilor religioase și de gen, natura moartă a devenit rapid un gen propriu. Natura moartă olandeză (oțel-life - „viață liniștită”) este o pagină specială în istoria artei. Compoziții luxoase de flori și alimente sau alegorii ascetice de natură intelectuală, „smecherii”... Da, natura moartă olandeză din secolul al XVII-lea are subspecii bine stabilite.
Capodoperele acestui gen pot fi găsite în lucrările artiștilor din toate stilurile și tendințele semnificative. Printre acestea se numără picturi decorative academice de I. F. Hrutsky (1810-1885), producții profunde și ambigue ale lui Cezanne (1839-1906) și impresioniștilor, Floarea-soarelui lui Van Gogh și mâncarea abundentă de la Moscova de I. I. Mashkov (1881-1944). Jack of Diamonds, căutarea figurativă a cubiștilor și supa conservată a lui Andy Warhol.
Pictură de genuri înalte și joase
În perioada clasicismului, împărțirea în genul înalt și în jos în pictură a fost stabilită de Academia Franceză de Arte Frumoase. În ierarhia, la care toate academiile de artă de conducere au început treptat să adere, genul istoric - genul Mare - a fost declarat principal. A inclus nu numai imagini cu bătălii și alte evenimente din trecut, ci și picturi pe subiecte alegorice și literare, precum și genul mitologic al picturii. Aceste teme au fost considerate demne pentru adevărații maeștri ai artelor plastice.
Genul mic - „gen scăzut” - inclus (în ordine descrescătoare): portret, gen de zi cu zi în pictură, peisaj, porturi, imagini cu animale (animalistică) și natură moartă.
Genuri vechi și noi
Pânze pe o temă istorică, înfățișând în principal bătălii militare, compoziții cu mai multe figuri pe subiecte religioase și mitologice au fost rezultatul pregătirii în multe academii de artă până la sfârşitul XIX-lea secol. Asemenea picturi precum „Ultima zi a Pompeii” de K. P. Bryullov (1799-1852) au fost un eveniment de talie mondială, au uimit prin amploarea ideii și stăpânirea întruchipării.
Cei care au deschis noi orizonturi, impresioniştii, s-au opus împărţirii academice în genuri. Ei au fost cei care au creat pânze pe care parcele din viață obișnuită, scenele de muncă și petrecere a timpului liber ale oamenilor de rând ale orășenilor și țăranilor au dobândit valoarea unui obiect de înaltă artă.
Mai târziu au apărut maeștri care nu aveau nevoie de comploturi sau chiar obiecte din lumea reală pentru a-și exprima ideile și picturi ale artiștilor abstracti care nu conțineau obiecte materiale sau chiar referiri la acestea, pot fi atribuite unui tip de gen separat.
Diversitate de stil și gen
Un artist adevărat își caută mereu stilul, chipul, paleta lui. Adesea, pentru a defini stilurile de pictură, istoricii de artă trebuie să inventeze termeni noi. Dar aplicarea corectă a acestor concepte și clasificarea corectă a genurilor nu pot depăși noutatea și originalitatea. talent artistic, semnificația contribuției unice a fiecărui artist la cultura lumii, la dezvoltarea înțelegerii lumii cu ajutorul imaginilor vizuale.
Pictura este un tip de artă plastică, care constă în crearea de tablouri, tablouri care reflectă cel mai deplin și mai realist realitatea.
O operă de artă realizată cu vopsele (ulei, tempera, acuarelă, guașă etc.) aplicate pe o suprafață tare se numește pictură. Principalul mijloc expresiv al picturii este culoarea, capacitatea sa de a evoca diverse sentimente, asocieri, sporește emoționalitatea imaginii. Artistul desenează de obicei culoarea necesară pictării pe o paletă, apoi transformă vopseaua în culoare pe planul imaginii, creând o ordine de culoare - colorare. Prin natura combinațiilor de culori, poate fi cald și rece, vesel și trist, calm și tensionat, deschis și întunecat.
Imaginile picturii sunt foarte clare și convingătoare. Pictura este capabilă să transmită în plan volumul și spațiul, natura, să dezvăluie lume complexă sentimentele și caracterele umane, întruchipează idei universale, evenimente din trecutul istoric, imagini mitologiceși zborul fanteziei.
Spre deosebire de pictură ca tip independent de artă plastică, abordarea (metoda) picturală poate fi folosită și în celelalte tipuri ale sale: în desen, grafică și chiar în sculptură. Esența abordării picturale constă în reprezentarea unui obiect în raport cu lumina spațială înconjurătoare și mediul aerian, într-o gradație fină a tranzițiilor tonale.
Varietate de obiecte și evenimente din lumea înconjurătoare, aproape
interesul artiștilor pentru ele a dus la apariția în timpul secolului XVII -
secolele XX genuri de pictură: portret, natură moartă, peisaj, animalistic, cotidian (pictură de gen), mitologic, istoric, genuri de luptă. În lucrările de pictură se poate găsi o combinație de genuri sau elementele acestora. De exemplu, o natură moartă sau un peisaj pot completa cu succes o imagine portret.
După tehnicile și materialele folosite, pictura poate fi împărțită în următoarele tipuri: ulei, tempera, ceară (encaustică), email, clei, vopsele pe bază de apă pe tencuială udă (freșcă) etc. În unele cazuri, este dificil. pentru a separa pictura de grafică. Lucrările realizate în acuarelă, guașă, pastel, se pot referi atât la pictură, cât și la grafică.
Vopsirea poate fi într-un singur strat, efectuată imediat, și multistrat, inclusiv subvopseaua și glazura, straturi transparente și translucide de vopsea aplicate pe stratul de vopsea uscat. Se obțin cele mai fine nuanțe și nuanțe de culoare.
mijloace importante expresivitatea artisticăîn pictură sunt, pe lângă culoare (culoare), o pată și natura unui accident vascular cerebral, prelucrarea unei suprafețe colorate (textura), valera, care prezintă cele mai subtile modificări de ton în funcție de iluminare, reflexe care apar din interacțiunea dintre adiacente. culorile.
Construcția volumului și a spațiului în pictură este asociată cu o perspectivă liniară și aeriană, proprietățile spațiale ale culorilor calde și reci, modelarea luminii și umbrelor formei și transferul tonului general de culoare al pânzei. Pentru a crea o imagine, pe lângă culoare, aveți nevoie de un desen bun și o compoziție expresivă. Artistul, de regulă, începe să lucreze pe pânză căutând cea mai de succes soluție în schițe. Apoi în numeroase schițe pitorești prin natura el
elaborează elementele necesare compoziției. Lucrarea la un tablou poate începe cu desenarea unei compoziții cu o pensulă, vopsirea și
scrierea directă a pânzei printr-unul sau altul mijloc pictural. Mai mult, chiar și schițele și schițele pregătitoare au uneori o valoare artistică independentă, mai ales dacă aparțin pensulei unui pictor celebru. Pictura este o artă foarte veche care a evoluat de-a lungul mai multor secole de la picturile rupestre din paleolitic la cele mai recente tendințe în pictură ale secolului al XX-lea. Pictura are o gamă largă de posibilități pentru a întruchipa o idee de la realism la abstractionism. În cursul dezvoltării sale s-au acumulat comori spirituale enorme. În cele mai vechi timpuri, a existat dorința de a reproduce lumea reală așa cum o vede o persoană. Acest lucru a determinat apariția principiilor clarobscurului, elementelor de perspectivă, apariția imaginilor picturale tridimensionale. Au fost dezvăluite noi posibilități tematice de înfățișare a realității prin mijloace picturale. Pictura a servit la decorarea templelor, locuințelor, mormintelor și a altor structuri și era în unitate artistică cu arhitectura și sculptura.
Pictura medievală avea un conținut predominant religios. S-a remarcat prin expresia culorilor sonore, mai ales locale, a contururilor expresive.
Fundalul frescelor și picturilor, de regulă, era condiționat, abstract sau auriu, întruchipând ideea divină în strălucirea ei misterioasă. Simbolismul culorilor a jucat un rol semnificativ.
În Renaștere, un sentiment al armoniei universului, antropocentrismul (omul în centrul universului) s-a reflectat în compoziții picturale pe teme religioase și mitologice, în portrete, scene domestice și istorice. Rolul picturii a crescut, având la bază un sistem științific de perspectivă liniară și aeriană, clarobscurul.
Apare pictura abstractă, care a marcat respingerea figurativității și expresia activă a atitudinii personale a artistului față de lume, emotivitatea și convenționalitatea culorii, exagerarea și geometrizarea.
formele, decorativitatea și asociativitatea soluțiilor compoziționale.
În secolul XX. continuă căutarea de noi culori și mijloace tehnice de realizare a picturilor, ceea ce va duce, fără îndoială, la apariția de noi stiluri în pictură, însă pictura în ulei este încă una dintre cele mai îndrăgite tehnici ale artiștilor.
Marele figură, om de știință și artist renascentist Leonardo da Vinci a spus: „Pictura este poezia care se vede, iar poezia este pictura care se aude”. Și nu poți decât să fii de acord cu el. Arta adevărată este cu adevărat percepută în mod cuprinzător. Vedem, contemplăm și auzim, iar în sufletul nostru păstrăm operele de artă care ne plac. Și capodoperele lumii rămân în memoria noastră mulți ani.
Genuri și tipuri de pictură
Desenând o imagine, maestrul o realizează într-o anumită stare, un personaj special. Lucrarea nu se va dovedi a fi cu drepturi depline, demnă de dragoste și atenție, dacă pe ea sunt descrise doar forma și culoarea. Artistul este obligat să înzestreze obiectele cu suflet, oameni cu carismă, o scânteie, poate un secret, natură cu sentimente deosebite și evenimente cu experiențe reale. Și genurile și tipurile de pictură îl ajută pe creator în acest sens. Ele vă permit să transmiteți corect starea de spirit a epocii, evenimentului, faptului, este mai bine să prindeți Ideea principală, imagine, peisaj.
Cele principale includ:
- Istoric- imaginea faptelor, momentelor istoriei tari diferite si epoci.
- Luptă- transmite scene de luptă.
- Intern- parcele Viata de zi cu zi.
- Decor Acestea sunt picturi ale naturii. Există peisaje maritime, montane, fantastice, lirice, rurale, urbane, spațiale.
- Natură moartă- ilustrează obiecte neînsuflețite: ustensile de bucătărie, arme, legume, fructe, plante etc.
- Portret- Aceasta este o imagine a unei persoane, a unui grup de oameni. Adesea, artiștilor le place să picteze autoportrete sau pânze care îi înfățișează pe iubiții lor.
- animalistic- Imagini despre animale.
Separat, se poate evidenția un alt gen tematic și include aici lucrări, al căror subiect sunt mituri, legende, epopee, precum și picturi din viața de zi cu zi.
Tipurile de pictură înseamnă și altele separate. Ele îl ajută pe artist să atingă perfecțiunea atunci când creează o pânză, să-i spună în ce direcție să se miște și să lucreze. Există următoarele opțiuni:
- Panoramă- o imagine a zonei într-un format la scară mare, o vedere generală.
- Dioramă- o imagine a unor bătălii, evenimente spectaculoase curbate în semicerc.
- Miniatură- Manuscrise, portrete.
- Pictură monumentală și decorativă- vopsire pe pereti, panouri, plafoane etc.
- iconografie- tablouri pe teme religioase.
- pictura decorativa- crearea decorurilor artistice în cinema și teatru.
- pictura de șevalet Cu alte cuvinte, poze.
- Pictura decorativă a obiectelor cotidiene ale vieții.
De regulă, fiecare maestru al artelor plastice își alege un anumit gen și tip de pictură care îi este cel mai apropiat în spirit și lucrează în cea mai mare parte numai în el. De exemplu, Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) a lucrat în stilul unui peisaj marin. Astfel de artiști sunt numiți și pictori marini (de la „marina”, care în latină înseamnă „mare”).
Tehnici
Pictura este un anumit mod de a executa intriga, senzația ei prin lumea culorilor și a liniilor. Și, desigur, o astfel de reproducere nu se poate face fără utilizarea anumitor tehnici, modele și reguli. Însuși conceptul de „tehnică” în artele vizuale poate fi definit ca un ansamblu de tehnici, norme și cunoștințe practice, cu ajutorul cărora autorul transmite ideea și complotul imaginii cel mai exact, aproape de realitate.
Alegerea tehnicii de pictură depinde de ce fel de materiale, tipul de pânză va fi luată pentru a crea o lucrare. Uneori, un artist poate adopta o abordare individuală a operei sale, poate folosi un amestec stiluri diferiteși direcții. Abordarea acestui autor vă permite să creați opere de artă cu adevărat unice - capodopere ale lumii.
În termeni tehnici, există mai multe opțiuni pentru vopsire. Să le luăm în considerare mai detaliat.
Pictură din vremuri străvechi
Istoria picturii începe cu sculpturile în stâncă ale omului primitiv. În acest moment, picturile nu se disting prin vivacitatea intrigilor, revolta de culori, dar exista o emoție deosebită în ele. Și comploturile acelor ani ne informează clar despre existența vieții în trecutul îndepărtat. Rândurile sunt extrem de simple, subiectul este previzibil, direcțiile sunt lipsite de ambiguitate.
În antichitate, conținutul desenelor devine mai divers, mai des înfățișează animale, lucruri diferite, fac biografii întregi pe tot peretele, mai ales dacă imaginile sunt create pentru faraoni, în care atunci ei credeau foarte mult. După alte două mii de ani, picturile murale încep să capete culori.
Pictura antică, în special rusă veche, este bine transmisă și păstrată în icoane vechi. Ele sunt un altar și cel mai bun exemplu, care transmit frumusețea artei de la Dumnezeu. Culoarea lor este unică, iar scopul este perfect. O astfel de pictură transmite irealitatea ființei, imagini și insuflă unei persoane ideea unui principiu divin, a existenței unei arte ideale, care trebuie să fie egală cu.
Dezvoltarea picturii nu a trecut fără urmă. Multă vreme, omenirea a reușit să acumuleze adevărate relicve și moștenirea spirituală a multor secole.
Acuarelă
Pictura în acuarelă se distinge prin strălucirea culorilor, puritatea culorii și transparența aplicării pe hârtie. Da, pe o suprafață de hârtie este cel mai bine să lucrați în această tehnică artistică. Desenul se usuca rapid si ca urmare capata o textura mai usoara si mata.
Acuarela nu vă permite să obțineți nuanțe interesante atunci când utilizați nuanțe închise, solide, dar modelează perfect culoarea atunci când straturile sunt suprapuse unul peste altul. În acest caz, se dovedește a găsi opțiuni complet noi, neobișnuite, care sunt greu de obținut cu alte tehnici artistice.
Dificultăți cu acuarela
Complexitatea lucrului într-o astfel de tehnică ca pictura acuarela, constă în faptul că nu iartă greșelile, nu permite improvizația cu schimbări cardinale. Dacă nu ți-a plăcut tonul aplicat sau ai obținut o culoare complet diferită pe care ai dorit-o, atunci este puțin probabil să o poți repara. Orice încercare (spălare cu apă, răzuire, amestecare cu alte culori) poate duce atât la o nuanță mai interesantă, cât și la contaminarea completă a imaginii.
Schimbarea locației unei figuri, a unui obiect, orice îmbunătățire a compoziției în această tehnică este în esență imposibil de făcut. Dar datorită uscării rapide a vopselelor pe pictură, este ideal pentru desenarea schițelor. Și în ceea ce privește înfățișarea plantelor, portretelor, peisajelor urbane, poate concura cu picturile în ulei.
Ulei
Fiecare dintre soiurile tehnice de pictură are propriile sale specificități. Acest lucru se aplică atât modului de performanță, cât și transmiterii artistice a imaginii. Pictura în ulei este una dintre tehnicile preferate ale multor artiști. Este dificil să lucrezi în ea, deoarece necesită un anumit nivel de cunoștințe și experiență: de la pregătirea elementelor necesare, materialelor până la etapa finală - acoperirea imaginii rezultate cu un strat protector de lac.
Întregul proces de pictură în ulei este destul de laborios. Indiferent de ce bază alegeți: pânză, carton sau carton dur (fibre), trebuie mai întâi să o acoperiți cu grund. Va permite vopselei să se întindă și să se țină bine, să nu iasă în evidență de ulei. De asemenea, va oferi fundalului textura și culoarea dorite. Există o mulțime de tipuri și rețete pentru diverse soluri. Și fiecare artist îl preferă pe al lui, specific, cu care este obișnuit și pe care îl consideră cea mai bună variantă.
După cum am menționat mai sus, lucrarea se desfășoară în mai multe etape, iar finalul este acoperirea imaginii cu substanțe de lac. Acest lucru se face pentru a proteja pânza de umiditate, apariția fisurilor (plasă) și alte daune mecanice. Pictura în ulei nu tolerează lucrul pe hârtie, dar datorită întregii tehnologii de aplicare a vopselelor, vă permite să păstrați lucrările de artă în siguranță timp de secole.
artele plastice ale Chinei
Aș dori să acord o atenție deosebită erei picturii chineze, deoarece are o pagină specială în istorie.Direcția estică a picturii s-a dezvoltat de-a lungul a peste șase mii de ani. Formarea sa a fost strâns legată de alte meșteșuguri, schimbări sociale și condiții care au loc în viața oamenilor. De exemplu, după introducerea budismului în China, frescele religioase au căpătat o mare importanță. În vremuri (960-1127), picturile istorice au devenit populare, inclusiv povești despre viața de zi cu zi. Pictura peisagistică s-a impus ca o direcție independentă deja în secolul al IV-lea d.Hr. e. Imaginile naturii au fost create în culori albastru-verde și cerneală chinezească. Și în secolul al IX-lea, artiștii au început să picteze din ce în ce mai mult tablouri care înfățișau flori, păsări, fructe, insecte, pești, întruchipând idealurile lor și natura epocii în ele.
Caracteristicile picturii chineze
Pictura tradițională chineză se remarcă prin stilul său specific, precum și prin materialele folosite pentru pictură, care la rândul lor influențează metodele și formele artei orientale. În primul rând, pictorii chinezi folosesc o pensulă specială pentru a crea picturi. Arată ca o acuarelă și are un vârf deosebit de ascuțit. Un astfel de instrument vă permite să creați lucrări sofisticate și, după cum știți, stilul de caligrafie este încă utilizat pe scară largă în China. În al doilea rând, cerneala este folosită peste tot ca vopsele - cerneală chinezească (se întâmplă ca împreună cu alte culori, dar este folosită și ca vopsea independentă). Acest lucru se întâmplă de două mii de ani. De asemenea, merită remarcat faptul că, înainte de apariția hârtiei, oamenii din China pictau pe mătase. Astăzi, maeștrii moderni ai artei își desfășoară munca atât pe hârtie, cât și pe o suprafață de mătase.
Asta nu e tot capabilități tehnice pictura. Pe lângă cele de mai sus, există multe altele (guașă, pastel, tempera, frescă, acril, ceară, pictură pe sticlă, porțelan etc.), inclusiv opțiunile de artă ale autorului.
Epoci ale picturii
Ca orice formă de artă, pictura are propria sa istorie de formare. Și, mai presus de toate, se caracterizează prin diferite etape de dezvoltare, stiluri cu mai multe fațete, direcții interesante. Nu ultimul rol aici este jucat de epoca picturii. Fiecare dintre ele afectează nu doar o bucată din viața oamenilor și nu doar timpul unor evenimente istorice, ci o viață întreagă! Printre cele mai cunoscute perioade din arta picturii se numără: Renașterea și Iluminismul, opera artiștilor impresioniști, modernul, suprarealismul și multe, multe altele. Cu alte cuvinte, pictura este o ilustrare vizuală a unei anumite epoci, o imagine a vieții, o viziune asupra lumii prin ochii unui artist.
Conceptul de „pictură” înseamnă literal „a scrie viața”, a înfățișa realitatea în mod viu, magistral, convingător. Pentru a transmite pe pânza ta nu numai fiecare detaliu, fiecare lucru mic, moment, ci și starea de spirit, emoțiile, culoarea acestui sau aceluia timp, stilul și genul întregii opere de artă.
În procesul de formare a artelor plastice s-au format și genuri de pictură. Dacă în picturile oamenilor cavernelor se vedea doar ceea ce îi înconjura, atunci, în timp, pictura a devenit din ce în ce mai multifațetă și a căpătat un sens larg. Artiștii și-au transmis viziunea asupra lumii în imagini. Istoricii identifică următoarele genuri de pictură care s-au format de-a lungul întregii istorii a acestei arte.
.
Numele provine de la cuvântul latin animal, care înseamnă animal. Acest gen include picturi, al căror centru sunt animalele.
gen alegoric. Alegorie înseamnă „alegorie”. Astfel de imagini conțin un sens secret. Cu ajutorul imaginilor de simboluri, oameni, creaturi vii sau mitice, artistul încearcă să transmită cutare sau cutare idee.
Gen de luptă. Imagine de bătălii, bătălii, campanii militare. Aceste picturi se caracterizează prin versatilitate, prezența multor personaje.
Bylinny și genuri mitologice . Au fost descrise intrigile lucrărilor folclorice, temele legendelor antice, epopeile și miturile grecești antice.
Imagine cu scene simple din viața de zi cu zi. Acest gen se caracterizează prin simplitate și realism.
Vanitas. Genul își are originea în epoca barocului. Acesta este un fel de natură moartă, în centrul căreia există întotdeauna un craniu. Artiștii au încercat să facă o paralelă cu fragilitatea tuturor lucrurilor.
Veduta. Locul de naștere al acestui gen este Veneția. Reprezintă o panoramă urbană, în conformitate cu formele și proporțiile arhitecturale.
Imagine decoratiune interioara sediul.
Genul Ippian. Numele vorbește de la sine. Acestea sunt imagini cu cai.
genul istoric. Pânze care înfățișează evenimente istorice. Un gen polivalent și important de pictură.
Capriccio. Peisaj arhitectural fantastic.
Numele este de origine franceză și înseamnă că în centrul imaginii se află un obiect neînsuflețit. Artiștii au înfățișat în principal flori, obiecte de uz casnic, ustensile de uz casnic.
nud. Imaginea unui corp uman gol. Inițial, acest gen a fost strâns asociat cu genul mitologic și istoric.
Blenda. Un gen în care artiștii foloseau tehnici speciale pentru a crea o iluzie.
Pastorală. Un gen care ridică viața rurală simplă la o altă formă, înfrumusețându-l și îndumnezeind-o.
Un gen în care imaginile naturii sunt înfățișate pe pânză. Aceasta este o direcție tridimensională, care include peisajul urban, peisajul marin și alte subiecte similare.
. În centrul imaginii este imaginea unui bărbat. Artistul folosește tehnici pentru a transmite nu numai aspectul, ci și lumea interioara eroul tău. Portretul poate fi de grup, individual, frontal. De asemenea, puteți evidenția un autoportret în care artistul se înfățișează pe sine.
Genul religios. Aceasta include și alte picturi pe teme religioase.
Caricatură. Un gen al cărui scop este acela de a sublinia anumite neajunsuri ale personalității, printr-un efect comic. Pentru aceasta, se folosesc exagerarea, distorsiunea trăsăturilor și proporțiilor faciale, simbolismul și elementele de fantezie.
Genurile de pictură pot fuziona și interacționa strâns unele cu altele. Unele genuri își pierd relevanța în timp, în timp ce multe, dimpotrivă, continuă să se dezvolte odată cu viața.
pictura pictura
Un tip de artă plastică ale cărui lucrări sunt create folosind vopsele aplicate pe o suprafață dură. ÎN opere de artă create prin pictură, culoare și desen, clarobscurul, expresivitatea liniilor, texturile și compozițiile sunt folosite, ceea ce face posibilă reproducerea în plan a bogăției colorate a lumii, volumul obiectelor, originalitatea lor calitativă, materială, adâncimea spațială și mediu de aer lumina. Pictura poate transmite o stare de statică și un sentiment de dezvoltare temporară, pace și bogăție emoțională și spirituală, instantaneitatea trecătoare a unei situații, efectul mișcării etc.; în pictură este posibilă o narațiune detaliată și complot complex. Acest lucru permite picturii nu numai să întruchipeze vizual fenomenele vizibile ale lumii reale, să arate o imagine amplă a vieții oamenilor, ci și să se străduiască să dezvăluie esența proceselor istorice, lumea interioară a unei persoane, să exprime idei abstracte. Datorită vastelor sale posibilități ideologice și artistice, pictura este un instrument important reflecția artistică și interpretarea realității, are o semnificație conținut socialşi diverse funcţii ideologice.
Amploarea și completitudinea acoperirii realității se reflectă în abundența de genuri inerente picturii (gen istoric, gen de zi cu zi, gen de luptă, portret, peisaj, natură moartă). Există picturi: monumental-decorative (picturi murale, plafoane, panouri), destinate decorarii arhitecturii și joacă un rol important în interpretarea ideologică și figurativă a unei clădiri de arhitectură; șevalet (picturi), de obicei neasociat cu vreun loc anume din ansamblul artistic; decor (schițe de decor și costume de teatru și film); iconografie; miniatură. Diorama și panorama aparțin și ele varietăților de pictură. După natura substanțelor care leagă pigmentul (colorant), după metodele tehnologice de fixare a pigmentului pe suprafață, pictura în ulei diferă. Pictura cu vopsele pe apa pe tencuiala - umeda (fresco) si uscata (a secco), tempera, pictura cu lipici, pictura pe ceara, emailuri, pictura cu vopsele ceramice si silicate etc. ca pictura monumentala este o sarcina artistica. Acuarela, guașa, pastelul și cerneala sunt, de asemenea, folosite pentru a realiza picturi.
Culoarea este cel mai specific mijloc de exprimare pentru pictură. Expresia sa, capacitatea de a evoca diverse asocieri senzuale, sporește emotivitatea imaginii, determină posibilitățile picturale, expresive și decorative ale picturii. În lucrările de pictură, culoarea formează un sistem integral (culoarea). De obicei se folosește o serie de culori interdependente și nuanțele acestora (gamut colorat), deși există și pictură cu nuanțe de aceeași culoare (monocrom). Compoziția cromatică oferă o anumită unitate coloristică a operei, afectează cursul percepției acesteia de către privitor, fiind o parte esențială a acesteia. structura artistică. Un alt mijloc expresiv al picturii este desenul (linia și clarobscurul), împreună cu culoarea, organizează ritmic și compozițional imaginea; linia delimitează volumele unele de altele, este adesea baza constructivă a formei picturale, permite reproducerea generalizată sau detaliată a contururilor obiectelor și a celor mai mici elemente ale acestora. Chiaroscurul permite nu numai să creeze iluzia imaginilor tridimensionale, să transmită gradul de iluminare sau întuneric al obiectelor, ci și să creeze impresia mișcării aerului, luminii și umbrei. Un rol important în pictură îl joacă și o pată sau o lovitură colorată a artistului, care este tehnica sa principală și îi permite să transmită multe aspecte. Pensula contribuie la modelarea plastică, voluminoasă a formei, transferul caracterului și texturii sale materiale, în combinație cu culoarea, recreează bogăția coloristică a lumii reale. La crearea atmosferei emoționale a lucrării, la transferul sentimentelor și stării de spirit imediate ale artistului, atitudinea lui față de cel înfățișat, contribuie și natura loviturii (netedă, continuă sau păstoasă, separată, nervoasă etc.).
În mod convențional, se disting două tipuri de reprezentare picturală: liniară-plană și volumetrico-spațială, dar nu există limite clare între ele. Pictura liniar-plană se caracterizează prin pete plate de culoare locală, conturate prin contururi expresive, linii clare și ritmice; în pictura antică și parțial în pictura modernă, există metode condiționate de construcție spațială și reproducere a obiectelor care dezvăluie privitorului logica semantică a imaginii, plasarea obiectelor în spațiu, dar aproape că nu încalcă bidimensionalitatea pitorescului. avion. Dorința de a reproduce lumea reală așa cum o vede o persoană, care a apărut în arta antică, a provocat apariția imaginilor volumetrico-spațiale în pictură. În pictura de acest tip, relațiile spațiale pot fi reproduse prin culoare, se poate crea iluzia spațiului profund tridimensional, planul pictural poate fi distrus vizual cu ajutorul gradațiilor tonale, a perspectivei aerisite și liniare, prin distribuirea caldă și rece. culori; formele volumetrice sunt modelate prin culoare și clarobscur. În imaginile volum-spațiale și liniar-planare se folosește expresivitatea liniei și a culorii, iar efectul de volum, chiar de sculptură, este realizat printr-o gradație de tonuri deschise și închise distribuite într-o pată de culoare clar limitată; în același timp, colorarea este adesea colorată, figurile și obiectele nu se contopesc cu spațiul înconjurător într-un singur întreg. Pictura tonală ( cm. Nuanța) prezintă modificări subtile atât ale culorii, cât și ale tonului, în funcție de iluminare ( cm. Valer), precum și din interacțiunea culorilor din apropiere ( cm. Reflex); tonul general unește obiectele cu lumina și aerul din jur, mediul și spațiul. În pictura din China, Japonia, Coreea s-a dezvoltat un tip special de imagine spațială, în care există senzația unui spațiu infinit văzut de sus, cu linii paralele care merg în depărtare și nu converg în profunzime; figurile și obiectele sunt aproape lipsite de volum; poziția lor în spațiu este arătată în principal de raportul de tonuri.
Un tablou este format dintr-o bază (pânză, lemn, hârtie, carton, piatră, sticlă, metal etc.), acoperită de obicei cu un grund, și un strat de vopsea, uneori protejat de o peliculă protectoare de lac. Posibilitățile picturale și expresive ale picturii, particularitățile tehnicii de scriere, depind în mare măsură de proprietățile vopselelor, care sunt determinate de gradul de șlefuire a pigmenților și de natura lianților, de la instrumentul cu care lucrează artistul, de la diluanții pe care îi folosește; suprafața netedă sau aspră a bazei și a solului afectează metodele de aplicare a vopselelor, textura picturilor, iar culoarea translucidă a bazei sau a solului afectează culoarea; uneori, părțile fără vopsea ale bazei sau ale solului pot juca un rol în construcția culorii. Suprafața stratului de vopsea al unui tablou, adică textura acestuia, este lucioasă și mată, continuă sau intermitentă, netedă sau neuniformă. Culoarea cerută, nuanța se realizează atât prin amestecarea culorilor pe paletă, cât și prin glazurare. Procesul de realizare a unui tablou sau pictură murală poate fi împărțit în mai multe etape, mai ales clare și consecvente în tempera medievală și pictura clasică în ulei (desen pe sol, vopsire, vitrare). Există pictură de natură mai impulsivă, care permite artistului să-și întruchipeze direct și dinamic impresiile de viață prin munca simultană asupra desenului, compoziției, modelării formelor și culorii ( cm. Allah prima).
Pictura a apărut în epoca paleoliticului târziu (acum 40-8 mii de ani). S-au păstrat picturi rupestre (în sudul Franței, nordul Spaniei etc.), pictate cu vopsele de pământ (ocru), funingine neagră și cărbune folosind bețe despicate, bucăți de blană și degete (imagini cu animale individuale și apoi scene de vânătoare). ). În pictura paleolitică, există atât imagini cu siluetă liniară, cât și modelare simplă a volumelor, dar principiul compozițional din ea este încă slab exprimat. Ideile mai dezvoltate, generalizate abstract despre lume s-au reflectat în pictura neolitică, în care imaginile sunt legate în cicluri narative, apare imaginea unei persoane ( cm. arta primitiva).
Pictura societății de sclavi avea deja un dezvoltat sistem figurat bogat în mijloace tehnice. ÎN Egiptul antic, precum și în America antică a existat pictura monumentală, acționând în sinteză cu arhitectura ( cm. Sinteza Artelor; pictura de morminte, mai rar clădiri). Asociat în principal cu cultul funerar, avea un caracter narativ detaliat; locul principal în ea a fost ocupat de o reprezentare generalizată și adesea schematică a unei persoane. Canonizarea strictă a imaginilor, manifestată în trăsăturile compoziției, raportul figurilor și reflectând ierarhia rigidă care predomina în societate, a fost combinată cu observații îndrăznețe și bine direcționate ale vieții și o abundență de detalii extrase din lumea înconjurătoare ( peisaj, ustensile de uz casnic, imagini cu animale și păsări). Pictura antică, principalele mijloace artistice și expresive ale cărora erau linia de contur și pata de culoare, avea calități decorative, planeitatea ei sublinia suprafața peretelui.
În cele mai vechi timpuri, pictura, care acționa în unitate artistică cu arhitectura și sculptura și împodobea temple, locuințe, morminte și alte structuri ( cm. Pompei, Herculaneum, Paestum, mormântul Kazanlak), au servit nu numai scopurilor religioase, ci și seculare. Au fost dezvăluite noi posibilități specifice ale picturii, dând o reflectare a realității care este largă în ceea ce privește subiectul. În antichitate s-au născut principiile clarobscurului, variante deosebite ale perspectivei liniare și aeriene. Alături de scenele mitologice, cotidiene și istorice au fost create peisaje, portrete, naturi moarte. O frescă antică (pe tencuială multistrat cu un amestec de praf de marmură în straturile superioare) avea o suprafață lucioasă, lucioasă. ÎN Grecia antică nu a apărut aproape nicio pictură de șevalet conservată (pe scânduri, mai rar pe pânză), în principal în tehnica encaustică ( cm. pictura pe ceară); Portretele Faiyum dau o idee despre pictura antică de șevalet.
În Evul Mediu în Europa de Vest, Bizanț, în Rusia, Caucaz și Balcani s-a dezvoltat pictura, cu conținut religios: frescă (atât pe tencuială uscată, cât și umedă, aplicată pe piatră sau cărămidă), pictură cu icoane (pe plăci grunduite, în principal). în tempera de ou). ), precum și miniaturi de carte (pe pergament amorsat sau hârtie; executate în tempera, acuarelă, guașă, lipici și alte vopsele), care includeau uneori și intrări istorice. Icoanele, picturile murale (supuse diviziunilor arhitecturale și planul peretelui), precum și mozaicurile, vitraliile, împreună cu arhitectura, formau un singur ansamblu în interioarele bisericilor. Pictura medievală se caracterizează prin expresia unei culori și linii ritmice sonore, predominant locală, expresivitatea contururilor; formele sunt de obicei plane, stilizate, fundalul este abstract, adesea auriu; există și metode condiționate de modelare a volumelor, parcă proeminente pe un plan pictural lipsit de adâncime. Simbolismul compoziției și al culorii a jucat un rol semnificativ. În mileniul I d.Hr. e. pictura monumentală a cunoscut o creștere înaltă (cu vopsele adezive pe gips alb sau grund de var pe sol argilos-pai) în țările din Asia de Vest și Centrală, în India, China și Ceylon (acum Sri Lanka). În epoca feudală în Mesopotamia, Iran, India, Asia Centrală, Azerbaidjan, Turcia s-a dezvoltat arta miniaturii, care se caracterizează prin strălucire subtilă, eleganță a ritmului ornamental și strălucirea observațiilor vieții. Pictura din Orientul Îndepărtat cu cerneală, acuarelă și guașă pe suluri de mătase și hârtie - în China, Coreea, Japonia - s-a remarcat prin poezie, vigilență uimitoare a viziunii oamenilor și a naturii, concizia modului pictural, cea mai fină transmisie tonală a aerului. perspectivă.
În Europa de Vest, în timpul Renașterii, principiile unei noi arte bazate pe o viziune umanistă asupra lumii, descoperirea și cunoașterea lumea reala. Rolul picturii, care a dezvoltat un sistem de mijloace pentru o reprezentare realistă a realității, a crescut. Realizările individuale ale picturii renascentiste au fost anticipate în secolul al XIV-lea. Pictorul italian Giotto. Studiul științific al perspectivei, opticii și anatomiei, utilizarea tehnicii picturii în ulei îmbunătățită de J. van Eyck (Olanda) au contribuit la dezvăluirea posibilităților inerente naturii picturii: reproducerea convingătoare a formelor tridimensionale în unitate. cu transferul de adâncime spațială și mediu de lumină, dezvăluirea bogăției de culoare a lumii. Fresca a cunoscut o nouă perioadă de glorie; importanţă a dobândit și pictura de șevalet, păstrând o unitate decorativă cu împrejurimile mediul subiectului. Sentimentul armoniei universului, antropocentrismul picturii și activitatea spirituală a imaginilor sale sunt caracteristice compozițiilor pe teme religioase și mitologice, portrete, scene cotidiene și istorice, imagini de nud. Tempera a fost inlocuita treptat de o tehnica combinata (glazura si elaborarea detaliilor cu subvopsire ulei pe tempera), iar apoi pictura in ulei-lac multistrat perfecta din punct de vedere tehnic fara tempera. Împreună cu pictura netedă și detaliată pe plăci cu fond alb (caracteristică artiștilor școlii olandeze și a unui număr de școli ale Renașterii timpurii italiene), școala venețiană de pictură s-a dezvoltat în secolul al XVI-lea. tehnici de pictură liberă, impasto, pe pânze cu motive colorate. Concomitent cu pictura în culori locale, adesea luminoase, cu un model clar, s-a dezvoltat și pictura tonală.Cei mai mari pictori ai Renașterii - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael, Giorgione, Tizian , Veronese, Tintoretto în Italia, J. van Eyck, P. Brueghel cel Bătrân în Olanda, A. Dürer, H. Holbein cel Tânăr, M. Niethardt (Grunewald) în Germania etc.
În secolele XVII-XVIII. procesul de dezvoltare a picturii europene a devenit mai complicat. S-au format școli naționale în Franța (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italia (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Spania (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flandra (P. P. . Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Olanda (F. Hals, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Marea Britanie (J. Reynolds, T Gainsborough, W. Hogarth), Rusia (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky). Pictura a proclamat noi idealuri sociale și civice, s-a îndreptat către o imagine mai detaliată și mai precisă viata realaîn mișcarea și diversitatea sa, în special în mediul cotidian al unei persoane (peisaj, interior, obiecte de uz casnic); problemele psihologice s-au adâncit, s-a întrupat sentimentul unei relații conflictuale între individ și lumea din jurul său. În secolul al XVII-lea sistemul de genuri s-a extins și a prins clar contur. În secolele XVII-XVIII. Alături de pictura monumentală și decorativă (în special în stilul baroc), care era înfloritoare, a existat în strânsă unitate cu sculptura și arhitectura și a creat un mediu emoțional care a afectat activ oamenii, pictura de șevalet a jucat un rol important. S-au format diverse sisteme de pictură, ca având o comunitate de trăsături stilistice (pictura barocă dinamică cu compoziția sa caracteristică deschisă, în spirală; pictura clasică cu un model clar, strict și clar; pictura rococo cu un joc de nuanțe rafinate de culoare, ușoare și estompate. tonuri), și nu într-un anumit cadru de stil. În efortul de a reproduce strălucirea lumii, a luminii și a aerului, mulți artiști au îmbunătățit sistemul de pictură tonală. Acest lucru a determinat individualizarea tehnicilor de pictură în ulei multistrat. Creșterea artei șevalet, nevoia tot mai mare de lucrări concepute pentru contemplarea intimă, a condus la dezvoltarea tehnicilor de pictură camere, subțiri și ușoare - pasteluri, acuarele, cerneală, diverse tipuri de miniaturi portret.
În secolul 19 au apărut noi școli naționale ale realistei. pictura în Europa și America. Legăturile picturii în Europa și în alte părți ale lumii se extindeau, unde experiența picturii realiste europene a primit o interpretare originală, adesea pe baza tradițiilor antice locale (în India, China, Japonia și alte țări); Pictura europeană a fost influențată de arta țărilor din Orientul Îndepărtat (în principal Japonia și China), ceea ce a afectat reînnoirea metodelor de organizare decorativă și ritmică a planului pictural. În secolul 19 pictura a rezolvat probleme complexe și urgente de viziune asupra lumii, a jucat un rol activ în viața publică; important în pictură critică ascuțită realitatea socială. Pe tot parcursul secolului al XIX-lea canoanele academismului, idealizarea abstractă a imaginilor, au fost cultivate și în pictură; au apărut tendinţe naturaliste. În lupta împotriva abstractismului clasicismului târziu și a academismului de salon, pictura romantismului s-a dezvoltat cu interesul său activ pentru evenimentele dramatice ale istoriei și modernității, energia limbajului pictural, contrastul luminii și umbrelor și saturația culorii (T Gericault, E. Delacroix în Franța; F. O. Runge și K. D. Friedrich în Germania, în multe feluri O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov în Rusia). Pictura realistă, bazată pe observarea directă a fenomenelor caracteristice ale realității, ajunge la o reprezentare a vieții mai completă, concret de încredere, convingătoare vizual (J. Constable în Marea Britanie; C. Corot, maestru al școlii Barbizon, O. Daumier în Franța; A. G. Venetsianov, P. A. Fedotov în Rusia). În perioada de ascensiune a mișcării revoluționare și de eliberare națională în Europa, pictura realismului democratic (G. Courbet, J. F. Millet în Franța; M. Munkachi în Ungaria, N. Grigorescu și I. Andreescu în România, A. Menzel). , V. Leibl în Germania etc.) au arătat viața și munca poporului, lupta lor pentru drepturile lor, s-au îndreptat către cele mai importante evenimente ale istoriei naționale, au creat imagini vii oameni normali si avansat Persoane publice; Școli de peisaj național realist au apărut în multe țări. Pictura rătăcitorilor și artiștilor apropiați - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, strâns legate de estetica democraților revoluționari ruși, s-a remarcat prin ascuțimea socială și critică I. I. Levitan.
LA expresie artistică lumea înconjurătoare în naturalețea și variabilitatea ei constantă vine la începutul anilor 1870. pictura impresionistă (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas în Franța), care a actualizat tehnica și metodele de organizare a suprafeței picturale, dezvăluind frumusețea culorii și texturii pure. efecte. În secolul 19 în Europa, pictura în ulei a dominat, tehnica ei a căpătat în multe cazuri un caracter individual, liber, pierzându-și treptat sistematicitatea strictă inerentă (care a fost facilitată de răspândirea noilor vopsele fabricate în fabrică); paleta sa extins (s-au creat noi pigmenți și lianți); în locul grundurilor de culoare închisă la începutul secolului al XIX-lea. au fost introduse din nou soluri albe. Pictură monumentală și decorativă, folosită în secolul al XIX-lea. aproape exclusiv lipici sau vopsele în ulei, au căzut în paragină. La sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. se încearcă revigorarea picturii monumentale și îmbinarea diferitelor tipuri de pictură cu lucrări de artă, meșteșuguri și arhitectură într-un singur ansamblu (în principal în arta „modernă”); se reactualizează mijloacele tehnice de pictură monumentală și decorativă, se dezvoltă tehnica picturii pe silicați.
La sfârșitul secolelor XIX - XX. dezvoltarea picturii devine deosebit de complexă și contradictorie; coexistă și se luptă diverse curente realiste și moderniste. inspirat de idealuri revoluția din octombrie 1917, înarmată cu metoda realismului socialist, pictura se dezvoltă intens în URSS și alte țări socialiste. Noi școli de pictură apar în Asia, Africa, Australia și America Latină.
Pictura realistă de la sfârșitul secolelor XIX - XX. se distinge prin dorința de a cunoaște și a arăta lumea în toate contradicțiile ei, de a releva esența proceselor profunde care au loc în realitatea socială, care uneori nu au un aspect suficient de vizual; reflectarea şi interpretarea multor fenomene ale realităţii a căpătat adesea un caracter subiectiv, simbolic. Pictura din secolul XX împreună cu metoda de reprezentare vizual-vizibil-volum-spațială, el folosește pe scară largă principiile condiționale noi (precum datând din antichitate) pentru interpretarea lumii vizibile. Deja în pictura postimpresionismului (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) și parțial în pictura au apărut trăsături „moderne” care au determinat trăsăturile unor tendințe ale secolului XX. secol. (o expresie activă a relației personale a artistului cu lumea, emoționalitatea și asociativitatea culorii, care nu are prea mult de-a face cu relațiile naturale de culoare, formele exagerate, decorativitatea). Lumea a fost înțeleasă într-un mod nou în arta pictorilor ruși de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX - în picturile lui V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.
În secolul XX. realitatea este contradictorie, și adesea profund subiectivă, realizată și tradusă în pictură de cei mai mari artiști ai țărilor capitaliste: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain în Franța; D. Rivera, J. C. Orozco, D. Siqueiros în Mexic; R. Guttuso în Italia; J. Bellows, R. Kent în SUA. În tablouri, picturi murale, panouri pitorești, o înțelegere veridică a contradicțiilor tragice ale realității și-a găsit expresie, transformându-se adesea într-o denunțare a deformărilor sistemului capitalist. Cu înțelegerea estetică a noii ere, „tehnice”, se leagă reflectarea patosului industrializării vieții, pătrunderea în pictură a formelor geometrice, „mașină”, la care se reduc adesea formele organice, căutarea celor care îndeplinesc viziunea asupra lumii omul modern forme noi care pot fi folosite în artele decorative, arhitectură și industrie. Răspândit în pictură, în principal țări capitaliste, încă de la începutul secolului XX. a primit diverse tendințe moderniste, reflectând criza generală a culturii societății burgheze; cu toate acestea, problemele „bolnave” ale timpului nostru se reflectă indirect și în pictura modernistă. În pictura multor mișcări moderniste (fauvism, cubism, futurism, dadaism, iar mai târziu suprarealism), elemente individuale mai mult sau mai puțin ușor de recunoscut ale lumii vizibile sunt fragmentate sau geometrizate, apar în combinații neașteptate, uneori ilogice, care dau naștere multor asocieri. , se îmbină cu forme pur abstracte. Evoluția ulterioară a multora dintre aceste tendințe a dus la o respingere completă a figurativității, la apariția picturii abstracte ( cm. Arta abstractă), care a marcat prăbușirea picturii ca mijloc de reflectare și cunoaștere a realității. De la mijlocul anilor 60. in tari Europa de Vestși America, pictura devine uneori unul dintre elementele artei pop.
În secolul XX. rolul picturii monumental-decorative, atât picturale (de exemplu, pictura monumentală revoluționar-democratică din Mexic), cât și non-picturală, de obicei plană, în armonie cu formele geometrizate ale arhitecturii moderne, este în creștere.
În secolul XX. există un interes din ce în ce mai mare pentru cercetarea în domeniul tehnicilor de pictură (inclusiv ceară și tempera; se inventează noi vopsele pentru pictura monumentală - silicon, pe rășini organosilicice etc.), dar pictura în ulei predomină în continuare.
multinațională Pictura sovietică este strâns legată de ideologia comunistă, de principiile spiritului de partid și artei populare, reprezintă calitativ noua etapa dezvoltarea picturii, care este determinată de triumful metodei realismului socialist. În URSS pictura se dezvoltă în toate republicile Uniunii și Autonome, iar noi școli naționale de pictură apar. Pictura sovietică se caracterizează printr-un simț acut al realității, materialitatea lumii și bogăția spirituală a imaginilor. Dorința de a surprinde realitatea socialistă în toată complexitatea și completitatea ei a dus la folosirea multora forme de gen plin de conținut nou. Deja din anii 20. tema istorică și revoluționară capătă o semnificație deosebită (pânzele lui M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov). Apoi apar pânze patriotice, care povestesc despre trecutul eroic al Rusiei, arătând drama istorică a Marelui Războiul Patriotic 1941-45, forța spirituală a omului sovietic.
Un rol important în dezvoltarea picturii sovietice îl joacă portretul: imagini colective ale oamenilor din popor, participanți la reorganizarea revoluționară a vieții (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky și alții); portrete psihologice arătând lumea interioară, depozitul spiritual al persoanei sovietice (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin etc.).
Modul de viață tipic al poporului sovietic este reflectat în pictura de gen, care oferă o imagine poetică și vie a oamenilor noi și a unui nou mod de viață. Pictura sovietică se caracterizează prin pânze mari, impregnate de patosul construcției socialiste (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya și alții). Afirmarea estetică a formelor particulare de viață ale Uniunii și Republicilor Autonome stă la baza școlilor naționale care s-au dezvoltat în pictura sovietică (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev și alții), reprezentând părțile integrante ale culturii artistice unificate a societății socialiste sovietice.
În pictura de peisaj, ca și în alte genuri, tradițiile artistice naționale sunt combinate cu căutarea a ceva nou, cu un simț modern al naturii. Linia lirică a picturii peisagistice rusești (V. N. Baksheev, N. P. Krymov, N. M. Romadin și alții) este completată de dezvoltarea peisajului industrial cu ritmurile sale rapide, cu motivele naturii transformate (B. N. Yakovlev, G. G. . Nissky). Nivel inalt a ajuns la pictura naturii moarte (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).
Evoluţie funcții sociale pictura este însoţită de dezvoltarea generală a culturii picturale. În limitele unei singure metode realiste, pictura sovietică atinge diversitate forme de artă, tehnici, stiluri individuale. Domeniul larg de construcție, crearea de mari clădiri publice și ansambluri memoriale au contribuit la dezvoltarea picturii monumentale și decorative (lucrări de V. A. Favorsky, E. E. Lansere, P. D. Korin), renașterea tehnicii picturii cu tempera, frescelor și mozaicurilor. În anii 60 - începutul anilor 80. influența reciprocă a picturii monumentale și de șevalet s-a intensificat, dorința de a maximiza utilizarea și de a îmbogăți mijloace de exprimare pictura ( cm. Vezi, de asemenea, Uniunea Republicilor Sovietice Socialiste și articole despre republicile Uniunii Sovietice).
„Vladimir Maica Domnului”. etajul 1 secolul al XII-lea Galeria Tretiakov. Moscova.
Rafael. Fresca „Parnassus” în Stanza della Senyatura din Vatican. 1509 -1511
I. Vermeer. "Pahar de vin". Pe la 1660. Galerie de artă. Berlin-Dahlem.
P. V. Kuzneţov. „Natura moarta cu cristal”. 1928. Muzeul Rusiei. Leningrad.
Literatură: VII, vol. 1-6, M., 1956-66; IRI, vol. 1-13, M., 1953-69; K. Yuon, Despre pictură, (M.-L.), 1937; D. I. Kiplik, Tehnica picturii, (ed. a VI-a), M.-L., 1950; A. Kamensky, Către privitor despre pictură, M., 1959; B. Slansky, Tehnica picturii, trad. din ceh., M., 1962; G. A. Nedoshivin, Convorbiri despre pictură, (ed. a II-a), M., 1964; B. R. Vipper, Articole despre artă, M., 1970; Ward J., Istoria și metodele picturii antice și moderne, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu "est-ce que c" est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Pictură și pictori, Cleveland, 1963; R. Cogniat, Histoire de la peinture, or. 1-2, p., 1964; Barron J. N., Limbajul picturii, Cleveland, (1967); Nicolaus K., DuMont's Handbuch der Gemaldekunde, Koln, 1979.
Sursa: Popular Art Encyclopedia. Ed. Câmpul V.M.; M.: Editura " Enciclopedia Sovietică", 1986.)
picturaUnul dintre tipuri Arte vizuale. O pictură este creată folosind vopsele aplicate pe suprafața unui perete, a unei plăci, a pânzei, a metalului etc. Însuși numele „pictură” sugerează că artistul „pictează viața” în toată bogăția, diversitatea și strălucirea sa colorată. Aceasta este diferența dintre alb și negru grafice. Ca nicio altă formă de artă, pictura este capabilă să întruchipeze întreaga gamă de sentimente, experiențe, relații dintre oameni; observații precise ale naturii și zboruri ale fanteziei, idei grozave și impresii instantanee, fiorul vieții, aerul și lumina.
Statuia este voluminoasă, poate fi ocolită din toate părțile; pictura este arta culorilor pe un avion; Privitorul vede poza dintr-un singur punct de vedere. Una dintre sarcinile picturii, pe care fiecare epocă o rezolvă în felul ei, este de a crea iluzia adâncimii spațiului, a tridimensionalității volumelor pe un plan. Aceasta este convenția limbajului pictural. În plus, culorile de care dispune artistul nu sunt identice cu culorile reale, paleta lui fiind mult mai săracă decât cea naturală.
Pictorul selectează în lumea înconjurătoare ceea ce îi corespunde sarcinii artistice, modifică, subliniază, generalizează multe lucruri într-unul singur, caută să transmită calitățile interioare ale oamenilor și legile naturii care sunt inaccesibile viziunii directe, experiențele sale, atitudinea față de acestea. . Principalele mijloace expresive ale picturii: colorare(gama colorată cu impact emoțional pentru privitor) compoziţie(raportul părților din imagine); perspectivă(liniar, invers, paralel etc.); clarobscur (distribuția luminii și umbrelor), linii și pete colorate; ritm, textura(natura suprafeței pitorești - netedă sau în relief). În modul de a scrie, în mișcarea pensulei, în particularitățile aplicării vopselei pe o pânză sau pe altă suprafață, se poate simți întotdeauna individualitatea artistului, „scrisul de mână” creator unic.
După scopul și natura execuției, se disting pictura monumentală, de șevalet, decorativă și teatral-decorativă. LA pictură monumentală include picturi murale ( fresce) Și mozaicuri, vitralii, plafoane, panouri, indisolubil legate de arhitectură, de peretele (tavanul, podeaua) clădirii pentru care au fost create; parțial icoane și compoziții mari de altar pliabile („Altar Gent” de J. van Eika, 1432). Lucrările monumentale nu pot fi transferate în alt interior. Icoanele, altare pliante destinate templelor, pot fi amplasate tehnic într-un alt spațiu (acum multe dintre ele sunt expuse în muzee), însă, lipsite de un mediu natural, rupte din ansamblu, își pierd o parte semnificativă din impactul lor asupra privitorului. . Limbajul artistic al picturii monumentale se distinge prin rigoare și grandoare, laconismul formelor generalizate și pete mari de culoare. Pictura monumentală a existat din cele mai vechi timpuri - mai mult oameni primitivi a creat picturi rupestre Altamiraîn Spania, mileniul 15-10 î.Hr e.).
Rembrandt. „Portretul lui Hendrikje Stoffels la fereastră”. BINE. 1659
Opere de arta pictura de șevalet- tablouri - sunt create cu ajutorul unui șevalet și nu sunt destinate unei anumite încăperi. Primele lucrări de șevalet au apărut în epocă Renaştere(secolele XV-XVI). Baza (scândura, pânza întinsă pe targă etc.) a fost acoperită cu un grund alb de gips (cretă) amestecat cu lipici sau ulei. Grundul a nivelat suprafața și a „evidențiat” stratul de vopsea din interior. Alături de albi, mulți meșteri (P.P. Rubensși altele) au folosit grunduri colorate (maro-auriu, roșu), care au dat unitate culorii tabloului. Vopselele au fost aplicate peste sol în unul sau mai multe straturi; uneori lucrarea finită era lăcuită. Picturile înrămate sunt ca o fereastră către lume creată de imaginația artistului. De regulă, ei respectă unitatea locului, timpului și acțiunii.
Pictura decorativă (atât parcelă, cât și ornamentală) este concepută nu numai pentru a decora suprafața peretelui, ci și pentru a accentua elementele sale structurale ( coloane, stâlpi, arcade etc.); se realizează în tehnica frescei etc. O varietate de pictură decorativă este grisaille, folosit pe scară largă pentru decorarea interioarelor palatelor, unde a imitat reliefuri sculpturale (Palatul Sheremetev din Kuskovo, secolul al XVIII-lea). Produsele ceramice sunt, de asemenea, decorate cu tablouri decorative. Pictura vaselor ceramice se numește pictura în vază.
Pictura teatrală și decorativă reprezintă decoruri și costume pentru spectacole teatrale și filme; schițe de punere în scene individuale.
Tehnici de bază de pictură: pictura in ulei, tempera, pictura cu lipici, encaustic si etc. Acuarelă, guașă, pastel ocupă o poziţie intermediară între pictură şi tehnicile grafice. Pigmenții colorați au fost extrași inițial din minerale (ocru galben-brun din argilă, roșu din hematit, alb din var, negru din cărbune sau os ars, albastru și verde din lapis lazuli și malachit etc.). Mai târziu au apărut vopselele realizate prin mijloace chimice. În toate tehnicile de pictură se folosesc aceiași pigmenți, dar diferiți lianți sunt substanțe lichide și lipicioase care nu permit prafurilor de vopsea să se sfărâme. Vopselele adezive amestecate cu cazeina erau folosite de maeștrii egipteni antici; aceste vopsele nu s-au răspândit, ceea ce a făcut posibilă transmiterea multor detalii mici. Imagini cu maeștri legendari greci antici și pietre funerare care nu au ajuns până la noi Portrete Fayum au fost pictate folosind tehnica encaustică: vopselele erau topite în ceară topită la cald. Vopselele de ceară groasă au făcut posibilă crearea unei texturi expresive în relief. În Evul Mediu a intrat în uz tempera - vopsele amestecate cu gălbenuș de ou sau albuș cu diverși aditivi. Imaginile cu tempera se disting prin gama de culori înfundate. Tempera este puternică și durabilă, nu se crăpă în timp, spre deosebire de pictura în ulei.
Pictura în ulei a apărut în perioada Renașterii; invenţia sa este atribuită olandezului J. van Eyck. Pigmentii au fost diluati cu in, nuc etc. uleiuri vegetale; datorită acestui lucru, vopselele s-au uscat rapid, au putut fi aplicate în straturi subțiri, transparente, ceea ce conferea picturii o luminozitate și strălucire deosebită. Dezavantajul vopselelor în ulei este că își pierd elasticitatea în timp, se întunecă și se acoperă cu crăpături (craquelure). Lucrarea cu vopsele în ulei permite o mare varietate de tehnici - de la finisare fină, atentă, până la pictura largă și temperamentală „alla prima”; cu ajutorul lor, puteți crea o suprafață de email netedă și o textură din plastic, în relief. În această tehnică, artistul își poate exprima cel mai pe deplin individualitatea creativă și poate transmite toată diversitatea texturată a lumii - sticlă transparentă, blană pufoasă, căldura pielii umane.
O adevărată plăcere pentru cunoscătorii de pictură este contemplarea miracolului transformării loviturilor în forme vii, carnea culorilor în carnea lucrurilor. Maeștrii Renașterii, olandeză mică„, în secolul al XVII-lea. a căutat să creeze un sentiment de „nu făcut de mână” obiectelor reprezentate; pictau cu cele mai fine pensule, aplicând mişcări mici, imperceptibile. În con. secolul al 19-lea artiștii se străduiesc să „descopere” procesul de creație, să dezvăluie nu numai frumusețea obiectului reprezentat, ci și textura zidăriei picturale în sine (cheaguri de vopsea, dungile și curgerile sale, „mozaicul” loviturilor etc.) . Maeștrii secolului XX folosiți toată varietatea de tehnici și metode de pictură.