Pe 21 mai, la Moscova au avut loc premierele a două producții ale coregrafului taiwanez Lin Hwai-Ming, „White Water” și „Ashes”, în cadrul Festivalului Cehov. Contraste ca conținut și execuție, ambele producții au fost prezentate în Europa pentru prima dată anul trecut la festivalul de artă Movimentos din Germania. Cu un an înainte de festival, Lin s-a întâlnit cu organizatorii săi la Dresda pentru a discuta despre program. Atunci și-a amintit de „Cvartetul de coarde nr. 8 în do minor” al lui Dmitri Șostakovici (compoziția a fost scrisă în 1960 la Dresda). Așa s-a născut „Ashes”, al doilea nume este „Requiem”. Potrivit lui Lin, producția este un fel de catharsis din ororile trecutului și al acestui secol: războaie, genocide, represiuni, dezastre ecologice. După cum a aflat mai târziu coregraful, Șostakovici și-a conceput opera ca un recviem.
Pe scena de la Mossovet, au prezentat mai întâi „Apa albă” de 55 de minute pe muzica lui Satie, Roussel, Saigun, Oana și Iber. La fel ca multe dintre producțiile lui Lin Hwai-Ming, aceasta este despre natură și, prin urmare, despre viață în general. Apa albă este o spumă de apă clocotită (pârâu, cascadă). Dansatorii, respectiv, în haine largi albe sau gri deschis, așa cum se obișnuiește la Lean, se sincronizează cu propria respirație, și nu cu muzica - ca și cum muzica s-ar fi născut din mișcarea lor și nu invers. O abundență de sărituri, picioarele întoarse spre interior și alergare pe jumătate îndoite - toate aceste clasice Cloud Gate sunt prezente și aici. Deveniți apa unui râu sau a unei cascade, care bule pe proiecția video din spatele scenei, dansatorii fie se amestecă rapid, fie încetinesc atât de mult încât pare că timpul a trecut altfel. Schimbările compoziționale și solo-urile bogate din punct de vedere tehnic te cufundă într-o stare de spirit budistă zen - contemplativă.
Complet opusul este producția de 22 de minute „Ashes”. Este imposibil să recunoști zombii răsucite care se târăsc pe scenă ca fiind acele creaturi sofisticate în robe albe ca zăpada, cu spatele drept și ochi strălucitori. Părul este ciufulit, fețele par mânjite cu funingine, în loc de haine sunt cârpe negre, corpul pare a fi rupt în toate articulațiile. Își mișcă membrele, unele singure, unele susținând pe altul, cad ca niște ramuri uscate, corpurile le sunt convulse de un spasm epileptic. Așa cum cenușa arzătoare se mișcă pe pământ din cauza vântului, dansatorii, ca și cum s-ar stinge încet, se rostogolesc pe scenă. Fie tremură convulsiv, strângându-și mâinile în mod nefiresc, fie se înțepenesc în ipostaze teribile, stângace. Înainte ca lumina să se stingă, au înghețat cu gura căscată – un strigăt tăcut care încă răsună în întuneric. Când luminile s-au aprins din nou și publicul a aplaudat sălbatic, dansatorii au stat ca un perete, ținându-se de mână, cu fețele aspre, fără să se miște. Luminile s-au stins și s-au aprins din nou - s-au ridicat, publicul a aplaudat mai tare și a strigat „Bravo!”, cortina s-a închis și s-a deschis - nici un mușchi nu s-a mișcat pe față. Acest lucru a sporit sentimentul seriozității subiectului și sentimentele pe care le evocă - aceasta nu este o glumă, nu este teatru. Nu s-au înclinat niciodată.
Ambele producții sunt albe și negre în semnul yin-yang. „Apa albă” este despre viață, mișcare, lumină, „Cenusa” este despre moarte, suferință și cruzimea lumii. Lin Hwai-Ming pare să spună - uită-te la viață, este trecătoare și frumoasă, nu o poți lua, arzi, transformând-o în cenușă.
Dragi prieteni!
.
Salutări, administrarea site-ului
Director
Lin Hwai-min
Biografie:
Lin Hwai-ming s-a născut în 1947 în Taiwan. DESPREFondator și director artistic al Teatrului de dans Taiwan Heaven's Gate. A studiat mișcarea de operă chineză în Taiwanul său natal, dansul modern la New York și dansul clasic în Japonia și Coreea. A fondat trupa în 1973. Celebrul coregraf de renume internațional folosește adesea tehnici din cultura tradițională asiatică, ceea ce nu-l împiedică să creeze lucrări de forme inovatoare și sunete moderne. Lin a primit multe premii și premii internaționale. În 2003 a fost declarat „Cetățean de excepție al Taipei”. Revista Dance Europe l-a prezentat pe Lin drept „Maestrul corespunzător al secolului 20”, iar revista internațională Ballet International l-a ales în 2000 drept „Persoana anului”, alături de Merce Cunningham, Jiri Kylian, Pina Bausch și William Forsythe. Lin - scriitor faimos, romanul său „Cicada” (Greier) - un adevărat bestseller în Taiwan, mai multe dintre lucrările sale au fost traduse în Limba englezăși a publicat în SUA. Lin a fondat departamentul de dans la Universitatea Națională de Arte din Taiwan Taipei în 1983 și a fost șef de departament acolo timp de cinci ani. În 1996, Lin Hwai-ming și-a făcut debutul ca regizor de operă. A montat cu succes opera Rashomon la opera din orașul austriac Graz. În 2002 - " T Osku” cu National Orchestra simfonica Taiwan, care a devenit un eveniment în Taipei. Din 2000, Lin este directorul artistic al programului Novel Hall New Dance ( Novel Hall New Dance Series) , care reprezintă renumite grupuri de avangardă și dansatori remarcabili ai lumii.
Filme de Lin Hwai-ming:
Cultură
Joi, 11 iunie, jurnaliştii din Voronezh au avut norocul să discute cu coregraful taiwanez de cult Lin Hwai-ming la centrul de artă Kommuna. Trupa lui de dans a devenit primul grup profesionist din China. La Festivalul Platonov, legendarul regizor a adus o lucrare comună cu Teatrul de dans Cloud Gate cu titlul laconic „Orez”.
Lin Hwai-ming a început conferința de presă vorbind despre originile producției:
Ideea acestei performanțe mi-a venit când am vizitat cel mai interesant sat asiatic, unde fermierii sunt angajați în agricultura de subzistență. În acest loc, timpul pare să fie înghețat, nici măcar electricitate nu există, dar există o atenție deosebită a locuitorilor pentru natură și peisaj. Mi s-a deschis ochilor un câmp de mai multe hectare, pe care a crescut orez, iar frumusețea tuturor acestor lucruri m-a cucerit la propriu. Am văzut în toate acestea o anumită plasticitate pe care am vrut să o întrupez pe scenă.
Lin Hwai-ming a spus că a trimis chiar și un cameraman în acel sat special pentru a filma diferitele etape ale coacerii orezului. Materialul rezultat a fost folosit ca o instalație video de fundal pentru piesă.
Am vrut să transmit în producția mea natura ciclică a vieții, continuitatea ei. Punem un semn egal între toate viețuitoarele: artiștii trupei înfățișează tufe de orez în creștere, dar în același timp poate fi perceput ca o metaforă a maturizării unei persoane.
Regizorul a împărtășit și experiența sa de a interacționa cu artiști marțiali care au lucrat personal cu dansatorii Teatrului Cloud Gate:
Când am apelat prima dată la ei pentru ajutor, mi-au dat o mustrare hotărâtoare: nu predăm dansul. Dar am reușit să-i conving pe maeștri că era important pentru mine să pregătesc artiștii spiritual și fizic, să-i învăț stilul artelor plastice. Și în final, am obținut rezultate impresionante și subliniez că integritatea spectacolului nu este în mare măsură meritul meu, ci o consecință a colaborării fructuoase a dansatorilor și a gurulor artelor marțiale.
Deși, după premiera filmului „Rice”, când am primit ovație în picioare, un sensei a venit mai întâi la mine, înconjurat de prieteni, și a spus: „Felicitări, publicul este încântat”. Cu toate acestea, când toată lumea a plecat, a devenit indignat: „Ai făcut totul greșit!” Dar aceasta este scrupulozitatea lui profesională - nu am avut scopul de a transfera artele marțiale pe scenă neschimbată.
Lin Hwai Ming crede că estetica dansului unei țări este o reflectare a culturii sale. Balet clasic, potrivit coregrafului, este un produs al acelor culturi europene care au căutat să construiască catedrale înalte. De aceea există atât de mulți pași direcționați vertical în el. Dar cultura asiatică, care este asociată, printre altele, cu colectarea orezului într-o poziție îndoită, se reflectă în coregrafia modernă neobișnuită a țărilor din est.
Și, în general, pentru China, Indonezia și multe alte țări, „orezul” acționează ca sinonim pentru cuvântul „mamă”. Am întâlnit cântăreți care cântă laudă zeiței orezului, care dă naștere sub formă de recolte. Acest motiv, de altfel, s-a reflectat plastic în producția noastră.
Interesant este că viața lui Lin Hwai-ming nu se limitează doar la arta dansului. Este o persoană dezvoltată cuprinzător - la vârsta de 14 ani, coregraful a publicat o carte de povești:
Este minunat să fii un scriitor tânăr. Mai ales că vei continua să primești redevențe pe viață. Adevărat, am uitat cuvintele cu mult timp în urmă, așa că este puțin probabil să mă întorc la creativitatea verbală. Acum limba mea dansează.
Dezvoltarea artei dansului în Taiwan reflectă istoria tulbure a insulei. În a doua jumătate a secolului XX, un rol cheie în formare dans modernîn Taiwan interpretat de Lin Hwai Ming.
Anul 1947, când s-a născut viitorul coregraf, a fost dificil atât pentru familia sa, cât și pentru Taiwan în ansamblu. Revenirea insulei sub dominația chineză după înfrângerea Japoniei în al Doilea Război Mondial a declanșat o revoltă care a fost înăbușită cu violență, iar legea marțială introdusă în acel an a fost menținută timp de patru decenii. Până când s-a născut Lin, părinții lui pierduseră cea mai mare parte din afacerea familiei, cu toate acestea, familia nu trăia în sărăcie. Și-a petrecut copilăria în micul oraș pitoresc Chiayi. Fiind oameni inteligenți, părinții i-au oferit fiului lor o bună educație. Casa avea o mulțime de tablouri, cărți – atât japoneze, cât și chinezești, tatăl meu era pasionat de desen, mama – muzică. Lin simțea deja o poftă de artă adolescent- avea doar paisprezece ani când povestirile și poeziile sale au început să fie publicate în ziare și reviste. În tinerețe a fost interesat diverse fenomene literatura – de la romanele lui Lev Tolstoi și Ernst Hemingway până la tendințele moderniste din Taiwan. Cinematograful îi atrage atenția, în special filmele de dans, iar după ce a servit în armată, Lin a devenit interesat de dans. A participat la seminarii pentru dansatori care au studiat în SUA, dar la început nu și-a legat viitorul de această profesie. Intenționa să devină jurnalist, iar în acest scop a plecat în SUA în 1969 pentru a studia la universitate.
Lin Hwai Ming a studiat în Missouri, apoi în Iowa. Dar nu numai studiile l-au ocupat în acest moment. La cursurile lui Marcia Thayer, a studiat dansul modern, apoi a cântat ca parte a unui ansamblu condus de ea. A devenit din ce în ce mai interesat de dansul modern, iar după ce a terminat un curs de pregătire în Iowa, a plecat la New York, unde a studiat atât cu, cât și cu. În același timp a studiat literatura modernă, a vizitat teatre și muzee. Pentru a-și câștiga existența, a trebuit să câștige bani în restaurante și, totuși, trei ani la New York au fost cea mai fericită perioadă pentru Lin, dar acest lucru nu se poate spune despre patria sa: Taiwan, recunoscut internațional ca parte a Chinei, și-a pierdut suveranitatea, care a fost un șoc imens pentru locuitorii săi. Lin Hwai Min – la fel ca mulți dintre compatrioții săi care au studiat în străinătate la acea vreme – s-a întors în patria sa, străduindu-se să fie alături de poporul său într-un moment atât de dificil.
După ce și-a început activitatea de coregraf în patria sa, coregraful a stabilit un curs pentru crearea unor producții coregrafice moderne bazate pe muzica națională. În 1973, a creat primul teatru de dans contemporan din Taiwan, teatrul a fost numit Cloud Gate, după cel mai vechi dans chinezesc, a cărui istorie datează de cinci mii de ani. În primele sale producții – de exemplu, „Povestea șarpelui alb” – coregraful a folosit multe elemente ale culturii tradiționale chineze: mișcări rotunde (cercul joacă un rol important în filosofia chineză), un evantai care simbolizează dragostea, o umbrelă ca semn de separare. Coregraful a descris perioada timpurie a lucrării sale drept „foarte chinezească”.
În 1978, Lin Hwai Ming a creat piesa epică Succession, care spune povestea coloniștilor care au călătorit din China în Taiwan cu trei secole în urmă pentru a construi viață nouă. Spectacolul coregrafic conține elemente de gimnastică, dansuri tradiționale chinezești și chiar karate. Lucrările din anii următori – „Nirvana” bazată pe filosofia budistă, „Visul în camera roșie” bazată pe romanul chinezesc cu același nume și altele – au ca scop căutarea identității naționale.
Activitățile trupei au fost întrerupte timp de trei ani în 1988 din cauza unor probleme financiare. În acești ani, coregraful a călătorit mult. A vizitat Coreea, Japonia, Bali, India, Nepal. Impresiile primite în timpul călătoriilor s-au reflectat în lucrările anilor următori - de exemplu, „Cântecul rătăcitorilor” este asociat cu o vizită în zona indiană, unde, potrivit legendei, Gautama Buddha a atins iluminarea. Baletul „Apa Lunii” este, de asemenea, asociat cu filozofia budistă - titlul său este un ecou zicală: „Florile în oglindă și luna în apă sunt iluzorii”. În același timp, acest nume este asociat cu Tai Chi, un antic complex chinezesc de exerciții psihofizice. În cadrul acestui sistem, starea umană ideală pentru care să lupți este descrisă ca: „Energia curge ca apa, spiritul strălucește ca luna”. Baletul de cincizeci de minute cu plasticitatea sa „curgătoare” este extrem de contemplativ.
Nu se limitează la crearea de spectacole, coregraful este implicat activitate pedagogică, și nu se limitează la formarea profesională. Împreună cu departamentul coregrafic al Institutului Național de Arte, a fondat peste douăzeci de școli în diferite orașe din Taiwan. În aceste școli, care sunt frecventate de copii, adulți și vârstnici, adepții săi predau conform sistemului pe care l-a dezvoltat, pe care l-a numit „Pauză de viață”, acesta este menit să ajute o persoană, prin cunoașterea corpului său, să vină pentru a fi în armonie atât cu natura, cât și cu alți oameni.
Toate drepturile rezervate. Copierea este interzisă.
Se crede că principiul „seen one, seen all” este aplicabil performanțelor lui Khwai-Ming, iar o astfel de opinie, trebuie să admitem, nu este complet nefondată. „Cloud Gate” ajunge regulat la Moscova, aducând diferite titluri, dar în format, în design plastic, și mai ales conceptual, o producție nu este cu mult diferită de alta, indiferent dacă se vorbește despre complexitatea scrierii caligrafice sau despre dificultățile de creștere. orez. De regulă, tema este menționată în titlu, dar coregrafia în sine nu este bogată în descoperiri, este universală și i se aplică mai mult sau mai puțin mecanic, se schimbă doar costumele și imaginile video din fundal. De obicei, însă, un spectacol de teatru de dans taiwanez este un spectacol într-un act, cu o durată de puțin peste o oră, dar în acest caz a fost un diptic (premieră în 2014) a două opuse independente, și numai asta părea curios.
La fel cum „Orezul” lui Hwai-min prezentat la Cehovfest anul trecut a fost despre orez -
- „Apa albă”, nu este greu de ghicit, este dedicat apei. Pe ecranul de fundal, alternează discret și încet instalații video cu imagini ale curgerii râului, iar pe scenă alternează episoade de corpuri de balet cu cele solo și duet. Spectacolul de cincizeci de minute constă dintr-o duzină și jumătate de fragmente scurte ale muzicii unor miniaturi pentru pian ale compozitorilor francezi de la începutul secolului al XX-lea - în principal Satie, precum și Roussel și Ibert, și pe lângă ele mai multe lucrări similare ale unor asiatici necunoscuti. autorii. Fete în rochii de soare albe, băieți în pantaloni largi și tricouri fără mâneci, țesături și membre „curg”, în dansurile generale, dacă doriți, puteți vedea un indiciu de „curenți” și „pietre”, solouri drăguțe feminine și o distracție. Duetul masculin sub Satie este complet abstract, dar într-un fel sau altul - iar dramaturgia, care este cu siguranță inerentă celor mai „fără intrigi” spectacole de balet, este absentă aici ca fapt în Hwai-min, iar aceasta este o atitudine conștientă față de respingerea oricărei dezvoltări. „White Water” nici măcar nu poate fi numit un divertisment; episoadele nu sunt suficient de contrastante pentru asta. Există ceva mai puțin calm și puțin mai expresiv, dar, în general, evenimentul nu este pentru toată lumea: nu zdrănnește și nu stropește ca un pârâu furtunos, ci curge destul de lin, fără stropi și vârtejuri clar definite, uneori încet, alteori. ceva mai repede, fără să țâșnească și fără să întârzie, deși, poate, o asemenea contemplare pură poate mulțumi și ochiului, mai ales dacă nu ești obișnuit.
„Ashes” este construit pe mișcări similare, lente și executate pe jumătate îndoit, dar laconic și „programatic” în felul său. Este pus pe muzica celui de-al 8-lea Cvartet al lui Șostakovici și este dedicat unei anumite tragedii de masă (nespecifice), unei catastrofe umanitare: consecințele unui bombardament sau genocid comis fără implicarea aviației sau, poate, a unei lovituri nucleare, „Sfârșitul lumii” la scară locală sau globală, creat de om sau spontan, dar, în orice caz, imaginea se presupune a fi în mod clar post-apocaliptic. Toți participanții la spectacol sunt în machiaj „murdar”, costume de cârpă, spre deosebire de plasticitatea „curgătoare” a „Apă albă” aici în „Cenusa”, mișcările sunt ascuțite, unghiulare, convulsive, luminile sunt slabe și există mult fum. Dar principalul este că nu există loc pentru solo și duete; dacă vreun solist sau cuplu individualizat iese în evidență din mâinile strânse în masă, nu este pentru un „număr” de dans independent, ci doar pentru a sublinia suferința totală, inclusiv durerea fizică, violența împotriva corpului și nu doar angoasa mentală. Această sarcină, totuși, este rezolvată prin cele mai simple mijloace în aproximativ treizeci de secunde, iar o performanță de douăzeci de minute, iarăși inițial nu implică nicio dezvoltare dramatică, se transformă imediat într-o jumătate de performanță, jumătate de instalație, a cărei sincronizare nu este determinată de interne. logica, nu prin bogăția plastică, ci numai prin durată piesa muzicala, care a servit drept material pentru coloana sonoră. Contemplarea din „Ashes” nu este deloc la fel de fericită ca în „White Water”, dar este clară dinainte: este inutil să ne așteptăm ca un diamant să scânteie din „Ashes”, artiștii nu își descleșcă mâinile chiar și atunci când înclinându-se, parcă arătând că suntem bogați deodată, dar pasaran .